Армянские художники

[Самвел]

Извините если не по теме.Турки ворвались в Собор Ани и совершили намаз. http://www.tert.am/ru/video/slHbYKihcHk/ Просто храм этот построил архитектор Трдат,который востановил после землятресения купол храма Святой Софии(Айя-София),здесь о нем говорили.

[Евгений]

Асланян Фридон Суренович родился 13 марта 1938 года в городе Ереване. В 1963 году окончил архитектурный факультет Ереванского политехнического института. Профессиональную деятельность начал в мастерской академика архитектуры Джима Торосяна. Любовь к искусству ему привили такие известные мастера-педагоги, как Веик Тер-Григорян, Ерванд Кочар и др.
Фридон Асланян известен в России и за ее пределами как архитектор, дизайнер, автор многочисленных проектов, как живописец и график. География архитектурных проектов Фридона обширна: крупномасштабный проект зоны отдыха в Ереване, мемориал выдающегося астрофизика В.А. Амбарцумяна в Бюракане, градостроительный проект площади Октябрьской революции в Брянске, комплекс ресторана «Армения» и магазина «Арарат» в Мордовии, признанный лучшим проектом СССР 1986 года; ряд профилакториев и пансионатов в Сочи, Агавнодзоре и Старом Норке, проект посольства Армении в Туркменистане, реконструкция музея г. Еревана, экспозиция памятника архитектуры 18 века в Москве – Лазаревского института, а также портреты его основателей … Созданная художником студия «Асланян» осуществила под его руководством целый ряд популярных проектов в столице и других городах Армении. Множество выставок в России и за рубежом – США, Аргентина, Бразилия, Чехия, Германия, Франция, Бельгия, Люксембург…
Как художник Ф. Асланян дебютировал в 1964 году, победив на республиканском конкурсе плаката на тему «Студенческая весна».
Начиная с 1972 года, Фридон Суренович создал серию графических работ по городским сюжетам, которые были навеяны впечатлениями от поездок в Финляндию, Чехию, Англию, Индию и Цейлон.

Читать дальше... 

Отдельными явлениями творческой биографии Ф. Асланяна стала серия портретов, выполненых битумом, (режиссер Параджанов, композитор Хачатурян, скульптор Тер-Арутюнян и др.) и серия трансцендентальных картин, которые можно отнести к абстрактной живописи.
В 1985 году Ф. Асланян впервые представил серию портретов, исполненных в уникальной технике, - штампами.
В 1968году Фридон Асланян создал первые национальные деревянные лики (куклы), приурочив их создание к 2750-летию г. Еревана.
Дизайнерские изделия из морских раковин – совершенно отдельное явление в списке творческих открытий Ф. Асланяна.
Фридон Асланян является членом Союза архитекторов (1970), Союза художников (1978), Союза дизайнеров (1978) Армении и России, членом-корреспондентом РАЕН.
Список дизайнерских работ Ф. Асланяна зачастую пересекается со списком его архитектурных проектов.
Персональные выставки:

1965 год – Армения, г. Ереван, Союз архитекторов Армении ( живопись, графика) ;
1972 год – Карловы Вары (графика) ;
1975 год – Армения, г. Ереван, Дом кино ( графика, живопись, прикладное искусство);
1978 год – Армения, г. Ереван, Дом журналистов (графика, прикладное искусство);
1986 год – Армения, г. Ереван, Союз архитекторов ( градостроительство, дизайн, живопись, графика, прикладное искусство);
1988 год – Бельгия, г. Антуан (дизайн, живопись, графика, прикладное искусство);
1988 год – Люксембург (дизайн, живопись, графика, прикладное искусство);
1989 год – Россия, г. Пушкино ( графика);
1993 год – Армения, г.Ереван, фойе Филармонического зала ( портреты, трансцендентальные картины)
2000 год – Россия, г. Москва, Дом науки ( трансцендентальные картины, портреты);
2000 год – Россия, г. Москва, музей Востока ( трансцендентальные картины, живопись, графика, портреты);
2001 год – Россия, г. Москва, музей Н. Рериха ( трансцендентальные картины, живопись, графика, прикладные работы, портреты);
2006 год – Россия, г. Москва, Союз архитекторов России ( трансцендентальные картины, портреты, прикладное искусство, архитектура, дизайн);
2006 год - Россия, г. Москва, Политехнический музей (трансцендентальные картины, портреты, прикладное искусство, архитектура, дизайн);
2007 год – Россия, г. Москва, Политехнический музей (трансцендентальные картины, портреты, прикладное искусство, архитектура, дизайн)

Участие в международных и всесоюзных выставках:

1978 год – Армения, г.Ереван, Первая республиканская выставка графики ( графика );
1998 год – Армения, г.Ереван, Вторая республиканская выставка графики ( портреты);
1963 год – Куба, г. Гавана;
1974 год – Аргентина;
1974 год – Марокко;
1987 год – Болгария, Международное Биеннале»
1989 год – Бельгия, г. Брюссель, Галерея «Модерн»;
2000 год – Германия, г. Ганновер, ЭКСПО-2000;
2003 год – Россия, г. Москва, ЦДХ;
2006 год – Россия, г. Москва, Политехнический музей, «Диалог двух культур»;
2006 год – Россия, г. Москва, Дом национальностей, «Армения-Россия: диалог культур»


ДУХОВНЫЙ ОПЫТ

Фридон впитывает время и пространство, преобразуя реальность в духовный опыт.
Творческая линия художника складывалась вне обозначенных критиками направлений последних десятилетий - «Модерна», «постмодерна», «хайтека», «концептуализма», «поп-арта» и т.д.
Еще в раннем возрасте пережив клиническую смерть, художник испытал переживания психодуховной смерти и возрождения (второе рождение). Умирание прежде смерти сыграло определенную роль в философском мышлении художника.
Через 10 лет за «железным занавесом» ему попалась книга «Пранояма Рамачарака» - первая ласточка восточной философии. Большое влияние оказали практические занятия Йогой, изучение восточной философии в познании своего «Я». Духовная практика привела художника в школу Йога Брахмачари в Дели.
В 1989 году в селе Пушкино, при помощи молитв, мантр, медитации - в необычных состояниях были созданы первые трансцендентальные произведения. Работы исполнены на основании «Безразумного» по Г.Юнгу, названные архетипами. «Обозначить» эти работы довольно сложно. Наложение красок – процесс спонтанный и создание картин идет без участия «Чистого сознания», а рука направляется под сознанием, важен, тем ни менее, результат. А результат- это необыкновенный заряд эмоционального воздействия картин, в которых нет начала и конца, нет барьеров, будто паришь, погружаясь в бесконечность ощущения целостности, завершенности остается и от любого фрагмента. Очевидно, поэтому картины можно рассматривать с разных точек и под разным углом, смотреть долго и познавая доходить до сути.
В этих картинах есть одна определенность, все то, что извечно: любовь, трагедия, сила и безысходность. И вдруг в буйстве красок - сияющее ликование надежды. В трансцендентальных картинах Фридона выражены микро и макро миры. Рассматривая картины Фридона, совершаешь экскурс в перерождении, проходя через, знакомые и новые миры, раскрывая в себе возможности собственного видения. Картины своей глубиной и фантастическими линиями напоминают «перекрестки миров» образами Сартра, романтикой Поля Элюара, вечным переплетением символов Дао, входными воротами Он-цзи, вечной мудрости и непостижимой тайны вселенной.

http://www.fridonart.ru/bio.shtml

[Евгений]

ВЫСТАВКА ПРОИЗВЕДЕНИЙ АРАМА ИСАБЕКЯНА

Открывшаяся в Доме художника выставка произведений Арама Исабекяна была ожидаема хотя бы потому, что сам автор анонсировал ее в своем последнем телевизионном интервью на исходе лета.
А.Исабекян - заметная фигура в общественной и художественной жизни сегодняшней Армении. Он ректор Ереванской государственной художественной академии, заслуженный деятель искусств, действительный член Международной академии естественных и общественных наук, обладатель многих наград. Однако на самом деле для художника, открывающего персональную выставку, пышная титулатура не помощь, а скорее помеха. Она неизбежно повышает планку зрительских ожиданий, а критический взгляд становится острее и придирчивее обычного. Ну да ему, Араму Исабекяну, не привыкать. С самых первых шагов в искусстве он находится под пристальным вниманием уже потому, что является сыном своего отца - живописца Эдварда Исабекяна. Его творчество всегда анализировали, сравнивали, оценивали особенно тщательно.

Читать дальше... 

Под этим прессингом (когда доброжелательным, а когда и совсем наоборот) Арам Исабекян и формировал свой собственный художественный почерк.
Сегодняшняя вставка - ретроспектива, по ней можно проследить весь пройденный путь начиная с первых шагов. Исабекян - много работающий и плодовитый художник, и внушительный по размерам выставочный зал вместил лишь малую часть его работ. Он мог сделать совсем иную выборку произведений, и это была бы совсем другая выставка. Но, видимо, было стремление показать все этапы творчества.
- Это тоже я, - сказал художник, указывая на композицию в сюрреалистическом стиле. И это - я - тут был "нормальный" пейзаж реалистической школы.
- Я всегда делал то, что хотел. Мои работы соответствуют этапам моей жизни, они создаются в зависимости от моего эмоционального состояния, переживаний, увлечений.
Вполне в духе постмодернистских принципов в творчестве Исабекяна можно увидеть отголоски его увлечений в разные периоды - от ранних еще юношеских портретов в духе Ван Гога до поздних реминисценций и парафраз Шагала, Гарзу, Дж.де Кирико. Но, пожалуй, более всего его душевный настрой резонирует с искусством Ренессанса. Наделенные глубоким психологизмом портреты современников отсылают к портретам, написанным в иные времена, в другой стране. Художник нередко усиливает ассоциацию: теплый коричневый колорит, мягкая моделировка объемов, классический трехчетвертной разворот и пристальный взгляд изображенного - прямая отсылка к портретам Рафаэля, Веласкеса, Хальса.
Иногда решение подсказывает сам образ портретируемого: так, живописец Ф.Мирзоян изображен в головном уборе и куртке, покрой которых навевает ассоциации с костюмом XVI-XVII веков. Благодаря глубокому темно-зеленому фону, прямой постановке крупной фигуры образ художника В.Варданяна напоминает некоторых персонажей Гольбейна. А один из портретов своей юной дочери Исабекян так и назвал - "Ренессанс". Надо сказать, что художник вообще любит писать друзей и близких, в каждой из этих работ чувствуется теплота и нежность, но это крайне пристрастное отношение не мешает точности руки и глаза. Художник словно пытается понять человека, войти в резонанс с его душевным строем и делает это так, как может только художник. Множество автопортретов, написанных в разные периоды, в своей сути - также инструмент самопознания, в этом плане художник сам себе психолог, исследователь и биограф.
Исабекян никогда не был строгим приверженцем какого-либо жанра или направления. Помимо портретов, пейзажей, бытовых, тематических аллегорических композиций, выполненных в различных техниках и манерах, в его творчестве значительное место принадлежит натюрморту. Вот о нем стоит поговорить отдельно.
Натюрморт с самого своего становления как отдельного жанра, а было это в XVII веке в Голландии и в Испании, в академической иерархии жанров находился на самой низкой ступени после бытовой картины и пейзажа. Причем независимо от уровня мастеров натюрморта, таких как Питер Клас, Виллем Хеда, Виллем Кальф и др., которых и сегодня принято называть "малыми голландцами" именно за приверженность к "низкому" жанру. Позже, во многом благодаря творчеству Шардена, отношение к натюрморту стало меняться. К началу XX века иерархическая структура в живописи утратила свою актуальность, мощное искусство Ван Гога, Сезанна, позже Пикассо и Брака размыло ранее существующие разграничения.

В армянском искусстве натюрморт занял почетное место благодаря М.Сарьяну, писавшему натюрморты много и охотно. В качестве мастеров натюрморта заявили о себе М.Абегян, М.Асламазян, А.Акопян и др. Однако в последние примерно двадцать лет жанр стал сникать, терять завоеванные с таким трудом позиции. Все реже на наших выставках увидишь натюрморт, все меньше им увлекается молодежь. Исключение составляют только цветочные композиции, которые обязательно присутствуют на всех выставках и, честно говоря, набили оскомину.
Но стоит заметить, что даже в лучшие времена натюрморт в армянском искусстве редко когда был концептуальным, в основном это был повод для цветовых экспериментов, можно вспомнить лишь несколько исключений: у того же Сарьяна - "Цветы. Бойцам-армянам - участникам Великой Отечественной войны", несколько натюрмортов Е.Кочара и натюрморты А.Акопяна, в которых изображенные предметы выражали более сложную мысль, являясь символом какой-то идеи, а не просто изображением тушки курицы или столярного инструмента.
Натюрморты А.Исабекяна являют собой замечательные образцы концептуального натюрморта и в значительной мере заполняют ту лакуну, которая образовалась в нашем искусстве за последние несколько десятилетий. Честно говоря, я не могу припомнить другого художника не только в его поколении, но и старше, который именно так относился бы к вещи. Предметы в натюрмортах Исабекяна - это даже не символ идеи, а носители сущности, которая прочитывается при небольшом зрительском усилии. Вот группа стеклянных бутылок - высокие, самодовольные, пузатые, мрачные, сверкающие, дружелюбные - да и не бутылки это вовсе, а сообщество персонажей. Нередко художник изображает раковины с гладкой сердцевиной и жесткими, словно острыми на ощупь ребрами, бабочек, вставленных в рамки, а то какой-то старый сундучок напомнит о творчестве Параджанова (натюрморт с сундуком Параджанова).
Особое место в этих работах, да и вообще в творчестве Исабекяна принадлежит маске, причем венецианской карнавальной маске. Символизм маски в культуре вообще очень широк и сложен, но она - это всегда другой. Иногда - альтер эго самого человека, за маской всегда подразумевается истинное лицо, глубинная суть. Маска в натюрморте - не просто интересный композиционный элемент, это дверь или щель, приоткрытая для того, кто хочет проникнуть внутрь смысла сквозь внешнюю личину.
Описывать эти работы бессмысленно, их хочется рассматривать, тут нет случайных предметов, тут обязательно есть идея, концепция. Это натюрморт о чем-то важном, сущностном, о том, что волнует художника и чем он готов поделиться с нами.

Зара ТЕР-АКОПЯН
http://www.golosarmenii.am/ru/20036/culture/6062/
----------------------------------------------
Тигран Саркисян принял участие в открытии персональной выставки Арама Исабекяна




«В лице Исабекяна мы видим не только художника, который, будучи интеллигентом, имеет четкую гражданскую позицию, но и личность, воспитывающую молодые поколения», - отметил в своей речи Премьер-министр Тигран Саркисян на персональной выставке Арама Исабекяна, которая сегодня открылась в Союзе художников.
На выставке присутствовали Председатель Национального Собрания РА Овик Абрамян, другие должностные лица, многочисленные деятели искусства.
Премьер-министр обошел выставку и ознакомился с полотнами, являющимися результатом творческой деятельности Арама Исабекяна в течение около сорока лет.
---------------------------------------------------
Информация на форуме о художнике Араме Исабекяне
http://forum.artinvestment.ru/showpo...&postcount=449

[Евгений]

Интересная статья,арт бизнес в Армении..перспективы,галереи и т.д. (Е.А.)
------------------------
Приобретение произведений искусства всегда считалось надежным помещением капитала, однако в Армении это сделать непросто ввиду отсутствия цивилизованного рынка и соответствующей инфраструктуры. И это при том, что армянское искусство и ремесла имеют многолетние традиции. Ереванской художественной академии, основанной в 1945 году, в этом году исполняется 60 лет. За годы существования академии здесь было подготовлено более 2000 специалистов, которые работают во многих странах мира. Сегодня в гостях у "ДЭ" ректор Ереванской государственной художественной академии, профессор Арам Исабекян, которого мы попросили оценить ситуацию в сфере арт-бизнеса в Армении.

- В настоящее время, конечно, есть какие-то зачатки арт-бизнеса, но цивилизованный арт-рынок, какой существует в Европе, США и частично в России (в основном, в Москве и Санкт-Петербурге), в Армении еще не сформировался. Нет пока и необходимой инфраструктуры. Есть несколько частных и полугосударственных галерей, и что-то, естественно, продается, но все это носит стихийный характер. Есть галерея и в нашей академии, которая была создана пять лет назад при финансовой поддержке моего друга из США Армена Бояджяна. Здесь мы организуем выставки работ наших студентов и художников со стороны. Хотя в Армении немало хороших художников и работ, нет аукционов, в работе которых художники могли бы принимать участие. Нет и адекватной оценки их работ.

Читать дальше... 

- Что необходимо сделать для того, чтобы в Армении развивался арт-бизнес и заработал рынок? Как это делается в развитых странах?
- В последние десять лет каждый год я по два месяца работаю в Париже и знаю, как там организован арт-бизнес. Во-первых, необходимы аукционы, ведь если художник продал картину в своей мастерской, это еще не арт-бизнес. Во-вторых, чтобы рынок начал формироваться, должно быть создано соответствующее правовое поле, приняты законы, которые будут регулировать деятельность участников рынка.
Существенную роль в развитии арт-бизнеса играют галереи. Существуют несколько способов работы художников с галереями. В частности, художник может заключить контракт, согласно которому все его работы являются собственностью данной галереи (ею они продаются, тиражируются и т.д.), а художник ежемесячно получает определенную сумму, которая может быть очень значительной. Другой вариант - художник сотрудничает с определенной галереей, которая его рекламирует, или, как теперь говорят, "раскручивает"; художник может и сам продавать свои работы, но по цене не ниже той, что определена галереей. В Париже, где действует развитая сеть больших и малых галерей, они являются посредниками между художником и покупателем.
У нас, к сожалению, ничего этого нет, и потому профессиональным художникам трудно работать. Вместо того, чтобы заниматься творчеством, наши художники вынуждены решать множество различных организационных и коммерческих вопросов. Многие этого просто не умеют. Нужны профессиональные дилеры, которые стали бы посредниками между художником и покупателем. Мы даже хотели открыть в академии курсы для подготовки таких специалистов, однако из-за отсутствия преподавателей были вынуждены отказаться от этой идеи.
Кроме того, ежегодно должны издаваться каталоги, в которые включены фамилии художников, принимавших участие в различных выставках и других мероприятиях и чьи работы были проданы на каких-либо аукционах. Во Франции, например, сам факт включения той или иной фамилии в эти каталоги является ценообразующим фактором для художественных произведений, а также защищает интересы покупателя в том смысле, что, если купленная им картина входит в соответствующий каталог, он может продать ее примерно за ту же цену.
- Вы отметили, что в Армении есть творческий потенциал, т.е. есть хорошие художники и хорошие работы. Как Вы оцениваете перспективы экспорта произведений искусства? Может ли со временем в Армении появиться такая малозатратная, малоресурсная и неэнергоемкая отрасль экономики? Что для этого нужно?
- Я уверен, что такие возможности у Армении есть, так как это страна, которая всегда давала и будет давать художников, и у нас сейчас есть очень талантливые студенты. А чтобы искусство стало перспективной отраслью экономики, государство должно проявить подлинную заинтересованность в этом, что сегодня происходит, к сожалению, лишь на уровне разговоров.
Необходимы и соответствующие инвестиции. Следует отметить, что во всех цивилизованных странах существует система налоговых льгот, стимулирующих инвестиции в сферу искусства. Думаю, что именно в этом и проявляется заинтересованность государства в развитии арт-рынка и арт-бизнеса. Наше Министерство культуры не занимается решением этих проблем, хотя, думаю, что чиновники не очень-то виноваты, так как пока нет четкой государственной стратегии развития этой отрасли.
Одним из направлений развития экспорта предметов искусства является открытие художественных галерей за рубежом. Несколько лет назад я предлагал открыть такую государственную галерею в Париже, где армянские профессиональные художники могли бы выставляться и продавать свои работы. Однако это предложение не получило поддержки со стороны государства, а художникам или частным художественным галереям не под силу решить эту проблему самостоятельно, тем более, что первые два года вряд ли можно рассчитывать на получение прибыли.
В Армении есть талантливые художники, но их работы на мировом рынке ничего не стоят, так как их никто не знает. Я не знаю, когда у нас сформируется арт-рынок и сформируется ли вообще. Между прочим, далеко не во всех странах (даже вполне благополучных) существуют арт-рынки, поэтому художники из многих стран уезжают во Францию и США, где такие рынки есть. Мы должны интегрироваться в европейскую культуру и искусство, активнее заявлять о своем существовании. Сегодня благодаря возможностям Интернета, это можно делать, не уезжая Армении.
Другое направление развития экспорта предметов искусства, в том числе живописи - приобретение их туристами, приезжающими в Армению. Думаю, что это направление будет развиваться по мере развития туризма. Однако действующий порядок вывоза художественных ценностей, хотя и был несколько упрощен, продолжает оставаться неудобным для туристов и деловых людей, приезжающих в Армению на один-два дня.
- Существует ли какая-то стратегия в плане подготовки кадров для сферы искусства?
- Кадры для сферы искусства готовят три государственных вуза - наша академия, консерватория и театральный институт, однако и здесь отсутствует какая-либо стратегия. Наша академия является государственным вузом, но мы не получаем от государства заказа на то, какие именно кадры необходимо готовить и в каком количестве; мы не знаем, какие специалисты сегодня нужны стране: дизайнеры, керамисты, ковроделы или живописцы. К примеру, мы сделали существенные затраты и открыли отделение металла, которое готовило профессиональных ювелиров. Мы рассчитывали, что при существующем уровне развития ювелирной отрасли в таких кадрах будет потребность, однако этого не случилось - мы дали два выпуска и сейчас закрываем это отделение. Думаю, что произошло это потому, что наши ювелирные предприятия в основном работают по шаблонам своих заказчиков и им не нужны ювелиры такой квалификации, которые делали бы уникальные авторские работы, т.е. сегодня ювелирной отрасли нужны ремесленники, а не художники.
Армении сегодня нужны художники-реставраторы, искусствоведы, и готовить их, конечно, должны у нас. Я несколько раз предлагал открыть отделение по подготовке реставраторов, однако для этого требуются определенные финансовые вложения. Этот вопрос до сих пор так и не получил своего решения.
Кроме того, несмотря на то, что плата за обучение является основным источником финансирования академии, считаю, что обучение в государственных вузах, готовящих кадры для сферы искусства, должно быть бесплатным: талантливые дети из неимущих семей должны иметь возможность получить профессиональное образование. Другое дело, что должны быть и альтернативные коммерческие вузы, где обучение будет платным.
- Что на сегодня является основной проблемой академии, помимо финансов?
- Думаю, что это проблема преподавателей. Старшее поколение корифеев постепенно уходит, а равноценной замены им нет. Конечно, у нас есть преподаватели среднего возраста и молодые, но существуют опасения, что с уходом стариков может снизиться уровень и качество подготовки студентов.
- Как складывается дальнейшая судьба ваших выпускников? Могут ли они реализовать себя в Армении или вынуждены уезжать из страны?
- Многие, к сожалению, уезжают, однако большинство остается. Те, кто по настоящему талантлив и активен, все-таки находят применение своим знаниям и свое место, хотя и с большим трудом. Наиболее востребованы сегодня дизайнеры, причем дизайнеры по интерьеру, в то время как раньше большим спросом пользовался промышленный дизайн. Тем не менее, графики, живописцы, скульпторы тоже находят какую-то работу. Думаю, что по мере развития в Армении арт-бизнеса, проблема занятости наших выпускников будет решаться легче.

Беседовала Юлия Кулешова
http://www.express.am/19_05/artbusiness.html

1.На фото:Ректор Ереванской государственной художественной академии, профессор Арам Исабекян.

[Nara]

Сообщение от Евгений

Интересная статья,арт бизнес в Армении..перспективы,галереи и т.д. (Е.А.)
------------------------

Статья уже не новая, но воз, к сожалению, и ныне там. И даже больше, ситуация продолжает ухудшаться. Кризис, конечно, но не только это. Тут больше похоже на системную проблему. Арт-Рынка, как такового, практически не существует. Если у кого-нибудь есть связи где-то там далеко, значит будет ему счастье. Частные галереи открываются, а через пару лет глядишь - уже магазин модной одежды. Выставки, правда, регулярно проводятся, но имеют больше художественно-эстетическое, чем коммерческое значение. Не потому что художники наши такие бессребренники, просто - не покупают...
Нужен, вероятно, серьезный кризис-менеджер. Хотя и этого, мне кажется будет недостаточно. Причины очень глубокие. Но здесь я боюсь начать говорить всякие антипатриотические вещи, не хотелось бы...

[Arthur777]

Габриэл Микаэлович Гюрджян (на форуме посмотрел,есть информация о другом мастере,об Акобе Маркаровиче Гюрджяне) уроженец городка Артвина (провинция Тайк Западной Армении), ранее входившего в состав Батумского округа Российской империи, а ныне принадлежащего Турции, еще юношей, в 1909 году, уехал из родных мест в Пензу, где вскоре поступил в художественное училище, одно из лучших провинциальных учебных заведений России того времени. Обучение начинающих художников велось здесь в традициях передвижников. Учителями Гюрджяна были живописцы — П.И.Коровин, Н.Ф.Петров и И.С.Горюшкин-Сорокопудов.
В 1922 году, завершив образование и имея за плечами два года педагогической работы, Гюрджян переехал в Ереван. Он сразу же активно включился в художественную жизнь молодой Советской Армении. Возникшая в 1924 году первая организация советских армянских художников — «Общество армянских художников» — избирает Гюрджяна в свое правление. Позднее Гюрджян становится одним из основателей армянского филиала АХРР.
Гюрджян — пейзажист. Его произведения исполнены большой любви к красоте природы, к родной Армении.
Гюрджян изображает природу Армении в различные времена года, в различные часы дня. Зритель видит на его полотнах цветущие фруктовые сады, хлопковые поля, озера, величественные горы. К числу лучших работ Гюрджяна относятся такие пейзажи, как «У мельницы в Бюракане» (1941), «Вечер в Ахпюраке» (1947), «Весна в Норке» (1948), «Холм в Кашбулахе» (1950), «Армянский пейзаж» (1954), «Пасмурный день на Севане» (1956), «Берега Айриванка» (1966) и др.
Из произведений, посвященных сельским труженикам, особенно выделяются картины «Укладка колхозного сена в стога» (1949), «Сбор хлопка в Аревшате» (1949).
Хорошо зная свой родной край, его маленькие деревушки и промышленные центры, его исторические достопримечательности, Гюрджян не мог остаться равнодушным к тем местам, которые связаны с памятью Пушкина, с его знаменитым путешествием в Эрзерум. В течение ряда лет работая над этой темой, он создал в 1949 году картину «Пушкинские места».
Гюрджян обращался и к тематической картине. На выставке, посвященной тысячелетнему юбилею эпоса «Давид Сасунский» (1938), экспонировалось его полотно «Именование Сасунской крепости». И, конечно же, на холстах Гюрджяна запечатлен также его родной Артвин.
Немало энергии отдал Гюрджян преподавательской работе, будучи профессором Государственного художественно-театрального института в Ереване.
За заслуги в области изобразительного искусства Гюрджян удостоен звания народного художника Армянской ССР, награжден Орденом Ленина, Орденом труда и многими советскими медалями.

[Люси]

Сообщение от Евгений

Блюда, о которых мы вам решили рассказать, прошли тысячелетний тест на развитие вкуса к жизни. Попробуйте!

Евгений, спасибо. С большим интересом прочитала,я о некоторых рецептах и знать не знала.Очень интерестно.

[luka77]

Маркос Григорян является знаковой фигурой в армянском искусстве 20 века, одновременно считается одним из основоположников современного искусства Ирана.

Его работы относятся к жанру современного изобразительного искусства реалистического и неоэкспрессионистского характера, посвящены в основном жертвам геноцида армян, осуществленным в Османской империи в начале 20 века. Последний период творчества Григоряна посвящен теме земли, как высшей сферы человеческой деятельности.

Читать дальше... 

Григорян родился в г.Кропоткин, Россия , в армянской семье, которая эмигрировала в Иран в 1930 году.

По окончании школы в Иране, он учился в Академии изящных искусств в Риме. В 1954 году он вернулся в Иран, открыли «Galerie» в Тегеране.

В 1958 году под эгидой Министерства культуры, он организовал первый в Тегеране Биеннале. Григорян был влиятельным преподавателем в Академии художеств, где он распространил своё увлечение местной поп-культурой.

В 1975 Григорян организовал группу свободных художников и скульпторов, в Тегеране и был одним из её членов-учредителей.

Григорян покинул Иран в 1977 году в возрасте 52 лет. Он прожил некоторое время в Соединенных Штатах до переезда в Ереван. В 1989 году он отправился в Россию по приглашению Союза художников России, посетил Москву и Ленинград.

Он выставлял свои работы в Ереване в 1991 году. Позже он пожертвовал 5000 своих работ правительству Армении.

Некоторые из его работ в настоящее время выставлены в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке, Тегеранском Музее современного искусства, Музей современного искусства в Кермане, а также Национальной картинной галерее Армении.

Трагически ушел из жизни 27 августа 2007 в Ереване, в возрасте 82 лет.

http://www.marcosgrigorian.com/
http://iranahay.blogspot.com/2008/12...grigorian.html

продажи на Sotheby's
http://browse.sothebys.com/?sla=1&sl...ort=0&search=+

[Arthur777]

Ашот Асатрян родился в 1954 году в Арташаване (Армения). В 1974 году окончил Ереванское художественное училище им. Ф. Терлемезяна. С 1988 года - член Союза художников Армении. В 1995 Ашот Асатрян был принят в Международную федерацию художников ЮНЕСКО. Картины Ашота Асатряна находятся в частных коллекциях и галереях России, США и Европы.

Выставки:
1991 – Осло, Норвегия (персональная)
1992 – Москва, Россия
1993 – Анбах, Германия
1994 – Бремен, Германия (персональная)
1995 – Вроцлав, Польша
1997 – Москва, Россия (персональная)
1998 – Тисе, Норвегия
1999 – Лондон, Англия (персональная)
2000 – Париж, Франция
2000 – Фоссе, Норвегия (персональная)
2001 – Антверпен, Бельгия
2002 – Дубай, ОАЭ
2003 – Варшава, Польша
2004 – Барселона, Испания
2005 – Валетта, Мальта (персональная)
2006 – Дамаск, Сирия
2007 – Майами, США
Первое что привлекает взгляд посетителя в мастерской Ашота Асатряна – это неконфликтное соседство гипсовых слепков знаменитых античных персон, расставленных на стеллажах и произведений модернисткой живописи. Причем расклад работ вовсе не построен по хронологическому принципу. Различные периоды творчества художника смешиваются столь же на первый взгляд произвольно, как и разнообразные техники, в которых он работает. Мастер предстает перед публикой и как живописец, и как график.
На первый взгляд художник в своих работах ведет со зрителем некую игру, напоминающую головоломки, в которых по разному фокусируя взгляд, можно рассмотреть несколько разных изображений. Сначала нам вроде бы предлагается насладиться абстрактными формами, отвлеченно-чувственными. Но стоит только заметить закамуфлированный под абстракцией реальный «прототип», как глянцевая красота рассеивается и объекты обретают совсем другой, иногда злободневный смысл. Конечно, адекватное восприятие картин требует внимательной настройки взгляда, позволяющей видеть оба образа – абстрактный и конкретный. Есть художники, которые в каком бы возрасте ни находились, пишут картины, которые, в каком то смысле прославляют сладкий, абстрактный сон о мире.
Колористическое восприятие принято делить живописцами на чувственное, мгновенное, аналитическое, длительное и подсознательное. Подсознательное восприятие открывает в картине до бесконечности новые живописные смыслы, как у поздних, почти монохромных Рембрандта или Тициана. Этот вид восприятия, нацеленный на постижение бесконечности, художник ставит выше всего. Найденные им приемы сродни музыкальным, и основываются на эмоциях, ритмах и цветовых интонациях – блеклые краски, неясные формы, мотивы похожие на ускользающие сновидения.
- Моя живопись, - говорит Ашот Асатрян, - никогда не располагает к бурным овациям, потому что она, как правило, заканчивается, уходя, куда то вверх, и как правило после просмотра моих работ наступает тишина. Тишина для раздумий.
Несмотря на некоторую сложность восприятия содержания картин Ашота Асатряна, их названия переключают сознание зрителя на понятийный уровень, но здесь таится своеобразная обманка, игра в мнимые образы и ложные символы. По старинной присказке не говоря ничего, говоришь нечто.
Самим автором в своих работах ценится энергия исполнения, привлекательность фактуры. Такая живопись должна вызывать незапрограммированную гамму различных эмоциональных и интеллектуальных реакций. Образы словно растягиваются по поверхности холста. Сами же формы уплотняются, создавая важное качество фигуративности. Художник называет это чувственным процессом, беседой с материалом, представленной густотой красок, плотностью холста. Автор, подчеркивая специфику материала, должен получать эстетическое удовольствие от создания картины, зритель же, эмоционально приобщаясь к этому процессу, своего рода сопереживает.
- Моим любимым художником был и остается Эль Греко, - говорит Ашот Асатрян, - но не ищите между нами сходства стиля или повторения сюжета. Он мне близок по духу, по мыслям, которые возникают при виде его работ. Из армянских художников я считаю мне самым близким Альберта Парсамяна. Вообще я считаю, что каждое произведение, как целый и живой организм, должен привлекать своей завершенностью. В картине не должно быть недосказанности, в большинстве случаев это отталкивает зрителя, а завершенная работа всегда находит своего зрителя.
Частое обращение художника к триптихам, сериям, циклам не случайно. Такая форма раскрытия художественного замысла избавляет художника от сковывающей статичности живописи и вносит в нее элемент движения и экспрессивность, Изображение на его полотнах как будто разворачивается прямо на глазах зрителя.
«Во время работы я выпадаю из призмы сознания. Полет в просторах подсознания – куда более высокий. Думая и размышляя о чем-то, невозможно рисовать мистику. Ни одно поистине хорошее произведение не было создано с помощью рассудка. Оно сковывает и ограничивает, а художнику нужно быть предельно свободным перед мольбертом. Произведение истинного искусства должно говорить с сердцем зрителя, давать ему энергию», - утверждает художник.
Художник, работы которого всегда выразительны и многозначны. Он нашел свою форму отображения современной жизни, не отрываясь при этом от своих армянских корней. Переплетение традиционности и новаторства, многозначности и завершенности, близости и бесконечности – это стиль Ашота Асатряна.

[Arthur777]

Грант Караханян родился 4 июня 1952 года в Ереване. В 1967 году поступил в музыкальное училище им. Р. Меликяна в Ереване. В 1975 году окончил Ереванский театрально - художественный институт. В 1986 году принят в Союз художников Армении. В 1995 году принят в международную федерацию художников ЮНЕСКО. 18 октября 2005 года Грант Караханян ушел из жизни.

Выставки:
1982 – Выставка «Ереван и ереванцы». Ереван, Армения
1983 – Международная выставка СССР и ЧССР. Москва, Россия
1985 – Всесоюзная выставка акварели. Брест, Белоруссия
1989 – Выставка в Таллинне, Эстония
1990 – Выставка в Брюгге, Бельгия
1992 – Выставка в ЦДХ. Москва, Россия
1993 – Выставка в Иглаве, Чехия
1995 – Выставка в Барселоне, Испания
1996 – Персональная выставка в Ереване, Армения
1997 – Персональная выставка в Москве, Россия
2001 – Выставка посвященная Данте Аллигиери. Италия
2001 – Выставка посвященная 1700-летию принятия Христианства в Армении
2001 – Выставка в Абу-Даби, ОАЭ
2003 – Выставка в Париже, Франция
2003 – Выставки в Риме и Флоренции, Италия
2004 – Выставка в Москве, Россия

_________________________________

ТАИНСТВЕННЫЙ МИР ГРАНТА КАРАХАНЯНА

Грант Караханян принадлежал к тем художникам, которые никогда не опускаются ниже выбранной для себя высокой планки. Обращаясь к, казалось бы, уже заштампованным в нашей живописи мотивам, он умел обнаруживать ту скрытую от глаз красоту, которая раскрывается истинно талантливым людям. В самой неприглядной натуре, не отдаляясь и не уклоняясь от нее, но лишь выразительной силой своей живописи он преодолевал вялое течение времени, наполняя его нежной болью, грустью и радостью, выявляя в нем не различимые для нас оттенки смысла и чувств. Он работал до последнего, борясь с неизлечимым недугом, не мирясь с неизбежной очевидностью.
Остро чувствующий неисчерпаемую таинственность повседневной жизни, Грант Караханян неизбежно должен был стать творческой личностью. Уже в школьные годы его связь с этой стороной мира была прочнее, чем у его сверстников. Как бы то ни было, Грант был из тех, кто не сомневался в выборе своего будущего. Начав учиться живописи, Грант был необыкновенно упорен в приобретении профессионального умения и уже стал задумываться о взаимосвязи земных, физически зримых явлений с их внутренней сутью. Многообразие жизни завораживало его и не оставляло сомнений, что у него никогда не будет недостатка в материале для работы ума и сердца. И сегодня, уже имея перед глазами все его творчество, невозможно не увидеть, как в нем сублимировались неизменные художественные принципы армянской школы живописи.
После окончания института открывающиеся просторы свободы могли бы на время увлечь Гранта рискованными новациями, но он быстро, трезво и твердо очертил круг своих эстетических интересов, не задумываясь о том, старомодно это или современно. Его художественные вкусы склоняются в сторону правдивости и естественности. Без резких метаний Грант сразу определил объективную реальность как безусловно существующую данность, доступную познанию и требующую от художника истолкования. В основе его выбора - сложность большого мира, манящего загадками, каждая из которых имеет бесконечное количество ответов.
Одной из первых работ художника, попавших на выставку, был его автопортрет. Вспоминая эту работу, отметим силу и уверенность ее письма. В овале этого лица можно различить усилия художника задержать мысль, которая всплывает сквозь черты, формируемые сложной кладкой мазков, передающих изменчивость скользящих по лицу теней. Изображая свое лицо, он хочет сделать его эквивалентом своего внутреннего мира. Почти десять лет спустя написанный автопортрет представляет человека, в котором едва можно узнать прежнего Гранта. В его чертах отразилось то, что привносится временем в лица тех, кто живет, мыслит, находит, теряет, всматривается в живую плоть вещей, ощущает биение самой жизни. Лицо художника освещено ярким, но тяжелым светом, который лепит лицо по-своему, делает твердыми скулы, лоб, подбородок. Автопортрет получился не романтичным, а стоическим, исповедальным, сосредоточенным на внутреннем мире автора.
Манера и пластика почерка художника меняются в зависимости от человеческого типа и особенно при обращении к женским образам. Их он пишет с нежной бережностью, создавая свой личный идеал женского обаяния, - хрупкий, добрый, полный загадочности. Передавая сходство, художник в то же время сохраняет свое представление о вечном типе женственности, в котором заключена программа поведения на века.
Не забывая накопленный армянской живописью опыт в пейзажном жанре, Грант пишет все то, что вошло в арсенал этого типа произведения, не дистанцируясь от реальности и от испытанных временем образов, переходящих из полотна в полотно в пейзажах разных художников. . . Для Гранта в этих работах главное - взять верный эмоциональный тон в передаче нужного настроения, не утратив ничего из окружающей действительности. Изображая открытую взгляду природу, художник не просто фиксирует элементы в пространстве. Грант растворяет их в среде и в движении, выделяя как главное предметно-пространственное начало. Не взламывая композиционных структур, художник умеет преодолеть повествовательность, вывести работу в иную сферу - сферу высокого и таинственного. Мир со всеми своими подробностями как бы плавится в густом воздухе, написанном вязкой, мягкой, чуткой кистью. Пространство у Гранта не просто место действия. Оно - переживание, исполненное то покоя и затишья, то тревоги и беспокойства. Вещи прячутся в какой-то подвижной и зыбкой среде полусумрака-полусвета. . .
Неповторимость каждого отрезка времени - вот главное, что занимало Гранта в творчестве. Эта способность фиксировать мимолетность кратких чувств ощущается во всех жанрах. Когда он пишет натюрморты с женскими фигурами в уютных домашних интерьерах или в мастерской, он выбирает небольшие, тесные пространства, где дышит тонкая стихия интимной жизни со своими скрытыми знаками. Художник истолковывает их по-своему, вновь и вновь задевая самые потайные струны души. Вечные предметы натюрмортов - плоды, цветы в вазах - перекликаются с отраженными и тающими в зеркалах прекрасными женскими образами и завораживают трепетной пластичностью. В этих композициях достигнут удивительный сплав пластики и света, где рисунок уступает место живописи. Воздух сгущается, делается почти осязаемым, свет рассеивается и разгоняет сумерки по углам, смягчая объемы предметов. Колорит решается на полутонах и переходах. Художник извлекает из этих сочетаний тонкие гармонии настроений, которые относятся к сфере индивидуальных переживаний, когда он ищет спасение внутри себя, спасение от встревоженности и подавленности. Обращаясь к этим натюрмортам и интерьерам, проникаешься обаянием личности самого художника.
Искусству Гранта Караханяна всегда был присущ стилевой плюрализм. Это - одна из сильнейших сторон его творчества, свидетельствующая о широком диапазоне чувств и мыслей. А естественная потребность в смене впечатлений не сводилась к охоте за экзотикой как таковой. Он был человеком достаточно натренированного ума, цивилизованных чувств и эрудиции, чтобы не воспринимать лишь внешнюю новизну испанских впечатлений, когда он приехал в эту страну поработать. Терпкость, резкость испанской жизни - это лишь внешняя оболочка, которая дала новый импульс и активизировала внутреннюю работу чувств. Навстречу художнику шел новый мир с иным, но, как выяснилось, не чуждым и не чужим бытием. Он выделил самое главное даже в таком, ставшем стереотипом при первом знакомстве с Испанией явлении, как танец, восприняв его как восстание человеческого духа, как возможность сказать о смерти. Так, в творчестве художника Испания приобретает образ страны с неповторимым эмоциональным климатом, где танец не столько отдых и развлечение, а скорее отражение жизнелюбия испанцев, которое свойственно и нашему народу. Острая динамика танца в работах художника воплощает счастье жизни, передача которого и была целью эмоциональной живописи Гранта Караханяна, которая так нужна нам всегда.

Автор Марина Степанян