Арт-новости

[Хранитель укропа]

Формулы мадоннари

Голландия, Италия, США, Колумбия, Арабские Эмираты, Тунис, Азербайджан, Белоруссия, Казахстан и Россия — на улицах городов этих стран художник, известный как Philippenzo Madonnaro, уже успел оставить свои оптические иллюзии мелом и акрилом. МОСЛЕНТА побывала в авторской мастерской, разместившейся в творческом кластере бывшего завода «Кристалл», и поговорила с Филиппом (так он просит себя называть) о техниках современного стрит-арта, его новой работе в столице и московских «лужах».

Яна Кремнёва
«Мадоннари» — так называли себя средневековые художники Италии, рисующие на мостовых. Но в историю современного стрит-арта Филипп скорее вписан как один из основоположников жанра уличного 3D-рисунка в России. Почти за 10 лет он и рисовал на фестивалях, и устанавливал мировой рекорд, и напоминал коммунальным службам о том, что в Волгограде неплохо бы отремонтировать дороги, — все с помощью оптического обмана.

Осмысленная иллюзия

— Филипп, расскажи, как ты «обманываешь» своего зрителя, то есть вывел ли ты формулу построения 3D-рисунка?
Мне всегда было интересно докопаться до сути и понять, в чем математическая сущность иллюзии.
Я вывел формулу, по которой должно искажаться вертикальное изображение, чтобы оно становилось таковым с заданного ракурса.

Например, первый рисунок, который я сделал в Волгограде — Кубик Рубика, — был рассчитан математически, все его координаты. Я получил инженерное образование, а в школьные годы занимался с преподавателями Архитектурно-строительной академии. Наверное, это и повлияло на склад ума.

— Для художника, который работает с 3D, важно рисовать по определенным правилам? Или в технической части работы есть место эксперименту?
Базовый закон давно известен и отработан. Чтобы получить 3D-иллюзию, важны две вещи: правильно искаженная геометрия и работа со светом, тенью, бликами, полутонами. Например, выбираешь источник света в каком-то углу. Ближайшая сторона рисунка будет более освещенной, и так далее. Здорово, если фотографировать такую работу ты будешь в момент естественного освещения с той стороны, где ты расположил свет на рисунке.
Но когда я только начал рисовать, отрабатывал приемы прорисовки разных поверхностей — каменной, стеклянной, водяной. Когда геометрический аспект, то есть анаморфоз, полностью изучен, не приходится экспериментировать, как в первое время. В работе над техникой рисования, сюжетами, со сложными поверхностями по-прежнему интересно придумывать что-то новое.

— В США ты трудился над рисунком, который стал самой крупной художественной иллюзией в мире. Расскажи подробнее, как это было.
Вместе с несколькими десятками художников и примерно столькими же волонтерами мы писали акулу-мегалодона еще в 2014 г. Рисовали примерно 2 недели на заброшенной взлетно-посадочной полосе, прямо в аэропорту. А потом каждый делал свою работу. В том же аэропорту на следующий год создавали второй крупнейший в мире 3D-рисунок с древнегреческим Бахусом.

Но у нас почему-то любят соревноваться в том, «кто больше». Лучше бы боролись за то, «чей рисунок осмысленнее».

— За границей проходят фестивали объемного рисунка. Ты, например, участвовал в таком в Дубае, в колумбийской Боготе, в американском Венисе. В Москве, кажется, крупного фестиваля еще не было. У нас почти нет мастеров объемного рисунка?
Дело в том, что этот жанр до сих пор у нас не развит. В Москве проходили локальные конкурсы, например, в Бабушкинском парке, «Лужниках». В Питере были «Краски Петербурга». Думаю, в России просто нет денег, чтобы пригласить западных художников, но необязательно рисовать на фестивалях. Я делаю это просто на улицах разных городов России. Например, часто рисую в родном Волгограде. Не поддерживаю идею о том, что нужно уезжать с концами. Тогда регионы не будут развиваться, нужно отдавать и стараться сеять там новые идеи.

Читать дальше... 

Техника стрит-арта

— Недавно зеркальная надпись «Батя не жюжжи», сделанная тобой, появилась на Маросейке на территории центра Artplay и «Винзавода» и продолжает появляться в других местах города. С растяжкой, на которой были такие же слова, ты в этом году возглавил первомайскую «Монстрацию» в Волгограде. Расшифруй послание, которое ты оставляешь на улицах москвичам.
Во-первых, это звучит забавно и слегка по-хулигански. Прохожие, рассматривая надписи, улыбаются и фотографируют их. Однако, как и во многих лозунгах «Монстрации», помимо напускной придурковатости, здесь есть и смысловое зерно.

Мой месседж относится к тенденции, которая еще раз была обозначена после митингов 26 марта и 12 июня, когда вдруг оказалось, что современная молодежь — это не какое-то потерянное поколение, которое сидит и ничем, кроме компьютерных игр, спиннеров и идиотских реалити-шоу, не интересуется, а люди, созревшие для мира, открытые ему и живущие другими ценностями.

Мы делаем актуальное искусство, участвуем в социальных и политических проектах, занимаемся волонтерской работой и баллотируемся в муниципальные депутаты. Мы имеем доступ к информации, активно общаемся и путешествуем, ясно понимаем происходящее вокруг и отчетливо чувствуем, если в нем есть фальшь.

На митинги вышли в основном люди от 20 до 30 лет — самый прогрессивный слой. Обнаружилась огромная пропасть.

Пренебрежительное обращение «не жюжжи» — это сигнал о том, что жить по-старому, в реальности, где все вокруг коррумпировано и скомпрометировано, общественные институты развалились, отсутствуют внятные социальные лифты, а повсеместно насаждаются великодержавный бред и какое-то средневековое мракобесие, мы, молодое поколение, не хотим и давно не мыслим категориями, которые навязываются предыдущим поколением. Сейчас я работаю над серией картин, а также готовлю уличные плакаты для Москвы, в которых будет заложен тот же посыл, только с помощью рисунка в моей новой технике.

— Получается, ты сейчас экспериментируешь с приемами, в том числе и для стрит-арт работ в Москве. Какими они будут?
Новую технику своей работы я придумал еще несколько лет назад во время обучения в Британской высшей школе дизайна. Сделал деревянную матрицу с многочисленными отверстиями, через которые я с определенной высоты с помощью пипетки капаю краску, и назвал это «техникой высокого дриппинга».

Внешне это похоже на макропуантилизм (рисование цветными точками без смешивания красок), а технически — нечто среднее между дриппингом художника Джексона Поллока, который брызгал краской на холст с ведомой только ему динамикой, и струйной печатью. Я подготавливаю эскиз, разбивая изображение на гаммы цветовых оттенков, которые смешиваю вручную, и высчитываю координату для каждой капли краски. Несмотря на то что процесс определенным образом структурирован, остается определенная доля хаоса и непредсказуемости, ведь невозможно спрогнозировать, как капля размажется при столкновении с холстом или бумагой, как смешаются соседние кляксы.

Иными словами, суть моего искусства подобна сути всей нашей жизни — управление неуправляемым.

— Ты уже сделал первую серию работ для московских улиц в этой технике?
Выполнил несколько черепов с золотыми зубами на холстах. Похожие изображения буду делать для стрит-арта только на бумаге. Назвал первую серию «опыт».

Хотелось передать мысль о том, что все усвоенные за жизнь знания и умения равноценны золотой коронке после смерти — с каждым человеком останется только его опыт.

Это имеет отношение все к той же теме «батя не жюжжи».

— Филипп, ты сейчас готовишься подарить московской улице не только плакаты, но и новый 3D-рисунок, где именно он может появиться?
Скорее всего, это будет в каком-то парке. Но точно сказать не могу, где размещу работу. Хотелось бы сделать рисунок, пока в Москве установилась неплохая погода. Его ведь придется рисовать несколько дней примерно по 7-8 часов. Эскиз, кстати, готов. Есть желание и несколько луж здесь налить.

— Их пока в Москве хватает. Твои будут не из воды?
Это уличная магия. Я беру обычную воду и наливаю ее в нарисованную форму. Используется специальный химический состав, который не дает воде выйти за пределы намеченного контура. Такие декоративные лужи я уже оставлял в Нью-Йорке и Волгограде. Получалось что-то аномальное, то, что не может создать природа. Для Москвы это как раз напоминание об аномальном с точки зрения погоды лете.

[Хранитель укропа]

Поразительное «Искусство Бедлама: Ричард Дадд» в британской галерее Уотса: был ли безумен викторианский художник?

Удивительную историю гения, оказавшегося в плену сумасшествия, в галерее Уотса рассказывают до 1 ноября.

Почитать, посмотреть фотографии - https://artchive.ru/news/1143~Porazi...kij_khudozhnik
Посмотреть - https://www.youtube.com/watch?v=15A0F5aOoPM

[Хранитель укропа]

Картину Черчилля из коллекции Вивьен Ли представят на Sotheby's в Лондоне

Картину «Розы в стеклянной вазе» можно будет увидеть в Sotheby’s Café в Лондоне до 11 августа 2017 года

Натюрморт с розами кисти сэра Уинстона Черчилля, подаренный легендарной актрисе Вивьен Ли, будет представлен сегодня на Sotheby’s в Лондоне. Картина, которую публика никогда не видела, раскрывает малоизвестную историю крепкой и продолжительной дружбы между премьер-министром Великобритании и легендарной звездой фильма «Унесённые ветром».
Розы были собраны в любимом саду Черчилля в поместье Чартуэлл в его родном графстве Кент. Политик изобразил их в стеклянной вазе и подарил Вивьен Ли в 1951 году во время полуночного ужина, который сам же организовал в честь дня рождения её мужа, сэра Лоуренса Оливье.

Цветочные натюрморты Черчилль дарил только тем, кто был ему по-настоящему дорог, и Ли ценила полотно настолько, что повесила на стене напротив своей кровати. В свою очередь, к 90-летию бывшего главы правительства она отправила ему букет в подарок.

Картина станет одним из топ-лотов на распродаже личной коллекции Вивьен Ли, которую Sotheby’s проведёт 26 сентября 2017 года. Предварительная оценка натюрморта колеблется от 70 тыс. до 100 тыс. фунтов стерлингов (около 91,5 — 130 тыс. долларов на сегодняшний день). Дополнением к этому лоту станет фотография Уинстона Черчилля в мастерской в Чартуэлле, где «Розы в стеклянной вазе» висят на стене позади художника.

Читать дальше... 

Эта картина была не единственным подарком, который Черчилль преподнёс иконе кинематографа. На торги будет предложена написанная им книга «Живопись как времяпровождение» (эстимейт 1,5 — 2 тыс. фунтов или 2 — 2,6 тыс. долларов), которую политик подарил Вивьен Ли за год до «Роз в стеклянной вазе». Это сборник эссе, рассказывающих о терапевтических преимуществах написания картин. Черчилль явно вдохновил актрису заняться живописью, что демонстрируют её собственные работы. На аукционе можно будет купить написанный ею очаровательный итальянский пейзаж (200 — 300 фунтов стерлингов или 260 — 390 долларов). Поклонники творчества Ли смогут также приобрести её холщовую сумку с деревянным ящиком для масляных красок и складным мольбертом (800 — 1200 фунтов стерлингов).
«Подарок Черчилля говорит о том уважении, которые он испытывал к Вивьен Ли. Это не было мимолётное знакомство, их дружба длилась около двадцати лет. В живописи оба нашли убежище от всех испытаний и тягот повседневной жизни», — сказал представитель Sotheby’s Фрэнсис Кристи.

https://www.youtube.com/watch?v=mCUhBBc7xus

Вивьен Ли и Уинстон Черчилль впервые встретились в 1936 году на съёмочной площадке фильма «Пламя над Англией» режиссёра Уильяма Хоуарда. В то время 23-летняя Ли была малоизвестной актрисой, а 62-летний Черчилль — влиятельным политиком. Однако это стало началом дружбы, которая продлилась до его смерти в 1965 году.

Черчилль был большим поклонником кино и, в частности, творчества Вивьен Ли. Когда в 1940 году в Лондоне прошёл релиз «Унесённых ветром», он, будучи премьер-министром военного времени, выделил два часа на просмотр фильма. «Леди Гамильтон», вышедшая годом позже, стала его любимой лентой на все времена.

Дружба Вивьен Ли с Черчиллем была глубже, чем знала публика. Об этом свидетельствует письмо от 18 июля 1957 года, которое выставляется на продажу с эстимейтом 2 — 3 тыс. фунтов стерлингов (2,6 — 3,9 тыс. долларов). В нём Черчилль обещает тайно пожертвовать деньги на театр Сент-Джеймс, который актриса пыталась спасти. Неделей ранее она устроила в Палате лордов импульсивную акцию протеста против сноса здания и была выведена из зала. Это событие попало на передовицы газет. Впрочем, все усилия оказались напрасны.

Пейзаж «Пруд с золотыми рыбками в Чартуэлл» — самая дорогая на сегодняшний день картина Уинстона Черчилля, проданная с молотка. В 2014 году на аукционе Sotheby’s покупатель выложил за неё 1,8 млн фунтов стерлингов (2,8 млн долларов) при эстимейте всего в 400 — 600 фунтов (630 — 940 долларов).

[Хранитель укропа]

Алиса Прудникова: «Мы уверено рассуждаем о блокчейнах и KPI, но по-прежнему признаем только Шишкина»

Евгения Гершкович
Алиса Прудникова, 11 лет возглавлявшая Уральский филиал Государственного центра современного искусства, — с недавнего времени руководитель дирекции по региональному развитию РОСИЗО. Уроженке Екатеринбурга, выпускнице Уральского государственного университета, дополнившей образование программой «Менеджмент искусства» в петербургском «Институте ПРО АРТЕ», несмотря на насыщенный график, удается совмещать практическую деятельность с академической карьерой, с работой над кандидатской диссертацией по репрезентации региональной идентичности в современном искусстве.
ARTANDHOUSES поговорил с Алисой Прудниковой об идеологии труда, о заводах и фабриках и главном ее проекте, Уральской индустриальной биеннале современного искусства, комиссаром которой она будет уже в 4-й раз. Заодно вспомнили и предыдущие 3 биеннале.

Диссертация пишется?
Это уже очень далекая история, моя дань интересу к репрезентации телесности в современном искусстве реализовалась в персональной выставке «дедушки мирового перформанса» Улая в Москве и Екатеринбурге, а потом уже все попытки ухода в академический текст заканчивались тотальной победой проектной деятельности в Государственном центре современного искусства.

Тема региональной идентичности стала с тех пор для вас актуальной?
Получается, что так. Благодаря моим научным руководителям Сергею Леонидовичу Кропотову и Тамаре Александровне Галеевой тема локального в глобальном контексте стала основой многих проектов. Исследование было посвящено «ускользающей» уральской идентичности, а счастьем моей ситуации стало то, что это получилось исследование в действии — в проектах вверенной мне институции.

Читать дальше... 

Почему никаких «белых кубов»? Практически все проекты в Екатеринбурге, относящиеся к современному искусству, реализуются в пространствах действующих или остановленных промышленных производств.
Мы пришли на заводы, потому что нас интересовало индустриальное наследие и потому что у филиала ГЦСИ не было собственного пространства. Первый фестиваль-лабораторию «Арт-завод» мы сделали в кризисном 2008 г. в пустом цеху бывшего ремонтного завода. Местные и иностранные художники, танцовщики, режиссеры — мы буквально сквотировали на 2 недели всё пространство. Результат так вдохновил собственника, что он решил инвестировать в концертную площадку, и сейчас это один из самых модных концертных клубов Урала. В 2009 г. подобный сценарий мы разыграли на действующем заводе и поняли, насколько это безграничный ресурс — объекты культурного наследия и работающие предприятия с неравнодушным менеджментом. Так началась история «индустриальной биеннале».

Таким образом, сами площадки диктовали повестку: исследование феномена «индустриальность»?
Как мы неоднократно слышали, «Урал — опорный край державы», центр металлургии и машиностроения, который сегодня, с одной стороны, ищет новые точки роста, а с другой — декларирует реиндустриализацию. В Екатеринбурге, уральской столице, невероятно ощутим оголенный нерв перехода от советского к постсоветскому, индустриального к постиндустриальному, поиска новых путей развития и новой системы ценностей. Задача биеннале эти процессы осмыслить. Поэтому завод — актуальная для нас практика, повод для постоянного исследования, главная опора — действующий бизнес, люди, включенные в реальный процесс.
Сюжет, казалось бы, не слишком отвечающий профилю гуманитария.
Но это работа с культурной памятью и эмоциями! Для меня было важным реализовать биеннальные проекты на заводах-гигантах: Уралмаше, Верх-Исетском заводе, Уралтяжмаше. Это культовые топонимы, давшие название целым районам. Однако предприятия, которые находятся в их центре, для обычного горожанина всегда оставались terra incognita. Если ты там не работаешь, можешь лишь ходить мимо заводского забора. Нам удалось провести выставки прямо в пространствах работающих цехов, куда экскурсии были расписаны по часам. Лично для меня очень много значит тот факт, что работающие на этих заводах люди вдруг становились «соратниками» совершенно другого для них мира. Хотя реагировали они по-разному, но мало кто оставался равнодушным, а это ценнейший результат.

С чего начиналась I Уральская индустриальная биеннале современного искусства?
Куратором основного проекта I Индустриальной биеннале мы пригласили Екатерину Деготь, которая в свою очередь пригласила сокураторами румынского искусствоведа Космина Костинаса и теоретика современного искусства Давида Риффа. В 2009 г. Давид написал очень критическую рецензию на фестиваль «Арт-завод» под названием «Письмо из Екатеринбурга: “дубаизация” Урала», где посетовал, что искусство всё еще прибывает на задворках «дивного нового мира» российского сырьевого капитализма. Меня всё это, конечно, всколыхнуло, и захотелось дать ему возможность высказаться уже в качестве куратора и предложить альтернативную повестку. На этот раз действие происходило в здании бывшей типографии «Уральский рабочий». Заявленная тема «Ударники мобильных образов» раскрывалась через острые вопросы: «Кто сегодня является ударником?», «Что происходит, когда с завода уходят рабочие, а на их место приходят креаторы, менеджеры?».

Насколько я понимаю, тему Уральской биеннале задает не куратор, как традиционно бывает, а её организаторы, то есть ГЦСИ?
Да, мы приняли за правило, что нам, как команде биеннале, важно интегрировать интеллектуальные усилия и разрабатывать тему, острую для международной повестки и релевантную для территории. Затем мы приглашаем куратора, который её интерпретирует. Такой стратегии придерживаемся до сих пор. Например, в 2015 г. магистральной темой была «мобилизация», а в этом — «новая грамотность».

А куратора выбирает экспертный совет?
Я стала действовать через IBA, Всемирную биеннальную ассоциацию, членом правления которой являюсь с прошлого года. Мы сформировали экспертный совет, куда входят такие авторитеты, как Салли Таллант, директор Ливерпульской биеннале, Биге Орер, директор Стамбульской биеннале и другие. Совет предлагает кандидатуры куратора и формирует шорт-лист. Так куратором 2-ой биеннале стала директор Института современного искусства в Софии Яра Бубнова, а третьей — независимые кураторы из Китая, Бильяна Чирич и Ли Чженьхуа. Тогда, в 2015 г., мы специально сделали упор на азиатском направлении и кураторах с соответствующей экспертизой. Надо же было как-то отрабатывать нашу пограничную идентичность и местоположение между Европой и Азией.

Третья биеннале однако проходила не на заводе, а в гостинице.
Невероятная удача поработать в уникальном памятнике конструктивизма. «Исеть» — важнейший монумент уральской школы архитектуры конструктивизма, бывшее общежитие для малосемейных сотрудников НКВД, в советское время ставшее гостиницей и, по стечению обстоятельств, культовым культурным местом. Но именно благодаря биеннале, которая проходила в номерах всех 10 этажей гостиницы, у тысяч горожан появилась возможность открыть «новый взгляд» на собственный город — из окон 9-го этажа открывается регулярная структура планировки города, так напоминающая Манхеттен с его перпендикулярной нарезкой улиц.

Генеральным партнером биеннале выступило Федеральное Агентство по охране и использованию памятников культуры, как раз искавшее способы популяризации гостиницы «Исеть» в контексте своей работы с наследием конструктивизма.

Благодаря Уральской биеннале многие обратили внимание на памятники конструктивизма в Екатеринбурге, ведь так?
Биеннале стала драйвером очень многих процессов. Последняя биеннале собрала в рамках исследования гостиницы «Исеть» и комплекса «городка чекистов» 1929 г. постройки, куда она входит, группу культурологов, искусствоведов, архитекторов, которые сделали уже не один самостоятельный проект вне биеннале. Благодаря биеннале прославилась Белая башня — главная достопримечательность микрорайона Уралмаш, и группа молодых архитекторов создала фонд, который развивает ее как самостоятельную культурную институцию.

Много ли художников вырастила Уральская биеннале современного искусства? Они остаются или уезжают?
Наша принципиальная позиция — интегрировать местных художников в биеннале и знакомить их с приглашенным куратором. Кураторы очень внимательно относятся к местным авторам! Например, сложно себе представить биеннале без Тимофея Ради, хотя он предпочитает работать вне институциональной системы. Или, например, молодые ребята «ЖКП» из Нижнего Тагила, до этого не имевшие ни одной большой музейной выставки, и которые готовят в этом году огромную инсталляцию. Выросло целое поколение, которое уже активно работает, что закономерно: в Екатеринбурге есть и художественная школа, и рынок искусства, и независимые, и государственные площадки. Здесь есть драйв и динамика: мало кто стремится уехать отсюда.

И, наконец, IV биеннале, которая начнет работу 14 сентября. Где она будет проходить и что такое «Новая грамотность»?
Выставка основного проекта пройдет в самом центре Екатеринбурга, на набережной — на бывшем Приборостроительном заводе. А тема проекта — «Новая грамотность» — это, на самом деле, такой ответ Герману Грефу. В 2016 г. я делала доклад на Петербургском экономическом форуме про креативные индустрии и их влияние на экономическую действительность.

Послушала выступления лучших экономических умов мира и поняла, что на уровне технологий мы реально готовы выйти на новый уклад инженерного мышления, но мы совершенно не готовы к нему на уровне развития гуманитарного знания. Мы уверено рассуждаем о чипах, блокчейнах, KPI, смотрим «Black Mirror», но по-прежнему любим и признаем только Шишкина. Мне показалось, что пора обозначить эту тему разговора в художественном сообществе. Любая революция — это в итоге смена языка. Кто владеет языком, тот владеет миром. Новая грамотность — это ключ к миру, который неизбежно наступает. Думаю, сейчас на биеннале, которую курирует Жоан Рибас, главный куратор музея современного искусства в португальском городе Порту, мы увидим какой-то очень тревожный проект. Мне даже кажется, что мы капнули слишком глубоко и эта важная тема может быть растянута на несколько биеннале вперед.

[Хранитель укропа]

В Париже рассказывают о дружбе художников

Олег Краснов

В Музее современного искусства города Парижа до 29 октября работает выставка с говорящим названием «Дерен, Бальтюс, Джакометти. Художественная дружба», объединившая трех знаменитых художников XX века, работавших во французской столице.

Их сближение началось в начале 1930-х годов, когда все трое вошли в круг сюрреалистов, а дружба крепла на фоне общности интересов в вихре модернизма: всех их интересовало искусство прошлого и далеких цивилизаций; все они обращались к примитивному искусству и экспериментировали в самых разных областях, от подходов к живописи и скульптуре до театра и моды.

Экспозиция объединила более 350 произведений живописи, скульптуры, графики и фотографии. И если выставки Джакометти как в Париже, так и в мире сегодня проходят довольно часто, то больших показов работ Андре Дерена и Бальтюса даже во Франции не было с начала 1990-х. Шедевры 3-х мастеров привезли из нью-йоркских MoMA и Metropolitan, лондонской Tate, роттердамского Boijmans Museum и многих других институций и частных коллекций.

Мероприятие проходит с 02.06.2017 по 29.10.2017 в Музее современного искусства в Париже

Ссылки по теме: www.mam.paris.fr

[Хранитель укропа]

Камерная ретроспектива Джованни да Римини в Лондоне

Олег Краснов

В 2014 году на распродаже Sotheby’s коллекции герцога Нортумберлендского настоящий бой разгорелся вокруг диптиха средневекового художника Джованни да Римини. Минкультуры Великобритании не могло допустить вывоза редчайшего шедевра за пределы страны и вместе с лондонской Национальной галереей призвало меценатов скинуться на картину. На призыв откликнулся Рональд Лаудер, один из владельцев знаменитой косметической империи. Совместно с галереей он выкупил работу почти за 6 000 000 фунтов стерлингов, но только сейчас, согласно контракту с предпринимателем, музей смог выставить выдающееся произведение.

О жизни Джованни да Римини (конец XIII — начало XIV века) известно не много. Его называют одним из основателей так называемой живописной школы Римини, просуществовавшей короткое время и испытавшей влияние Джотто, а также одним из ярких последователей великого флорентийца, по определению Вазари. Его небольшие работы на религиозные темы — наперечет, но Национальная галерея сумела собрать в своих стенах несколько из них, наряду с произведениями других мастеров из Римини, чтобы показать их инновационную деятельность на рубеже XIII–XIVвеков.

Мероприятие проходит с 14.06.2017 по 08.10.2017 в Национальной галерее в Лондоне

Ссылки по теме: www.nationalgallery.org.uk

[Хранитель укропа]

Хранившийся в Лондоне архив Романовых вернулся в Россию

Архив Романовых более чем из 200 документов, хранившийся в Лондоне, пополнил фонды Государственного музея-заповедника (ГМЗ) "Царское Село"

Как рассказала журналистам генеральный директор ГМЗ Ольга Таратынова, в состав архива входят письма, фотографии, открытки членов семьи Романовых. Документы хранились в одной из частных коллекций Лондона, имя прежнего владельца не называется.

"Когда мы узнали состав архива, мы поняли, что они должны принадлежать России, они не должны быть разделены. Архив нельзя было допустить на аукцион, это означало бы разделение уникального собрания на лоты, оно было бы разбито на части и рассредоточено по разным коллекциям. Мы начали искать мецената. Герман Греф (глава Сбербанка России) практически сразу выделил нужную сумму, и в декабре мы стали обладателями этого архива", - сказала Таратынова.

Отмечается, что архив стоил около 5,3 млн рублей. В музее отмечают, что с исторической и мемориальной точек зрения архив бесценен.

Переданный музею архив Романовых - самая большая цельная коллекция документов и фотографий, связанных с императорской династией, которая пополнила фонды ГМЗ "Царское Село" почти за 100 лет. Она охватывает период с середины 1860-х по 1928 годы.

В обретенном архиве - более 200 единиц документов, среди них письма, фотографии, телеграммы, рисунки. Они связаны с императором Александром III, императрицей Марией Федоровной, императором Николаем II и его супругой Александрой Федоровной, великими князьями и княгинями.
Архив также включает 20 фотографий членов династии Романовых.
По словам Таратыновой, музей рассчитывает открыть после реставрации часть помещений Александровского дворца, архив разместят в Восточном флигеле.

[Хранитель укропа]

На ВДНХ в одном из павильонов обнаружили скрытые барельефы

Скрытые барельефы, изображающие доярку, свинарку и урожай фруктов, овощей и злаковых культур Литовской Республики, обнаружили в павильоне № 6 «Химия» на ВДНХ

«На основе изучения исторических справок и фотографий мы предполагали, что за кирпичной кладкой могут быть барельефы, но мы никак не ожидали, что они будут в такой хорошей сохранности», — приводит НСН слова руководителя столичного Департамента культурного наследия Алексея Емельянова.

Реставрация павильона завершится к весне 2018 года, после чего в помещении откроют торгово-выставочный центр Абхазии.

[Хранитель укропа]

Художник, что рисует секс

Борис Войцеховский

Смотреть равнодушно на картины Сандры Ковальски совершенно невозможно. Внезапно эротическая живопись московской художницы стала необычайо популярна, ее работы покупает все больше людей, а личный блог собирает все больше подписчиков. Обозреватель МОСЛЕНТЫ встретился с Сандрой на ее персональной выставке и узнал, в чем ее философия и кто прячется за этими жаркими поцелуями и соблазнительными позами.

Модель

— Задам тебе отчасти философский вопрос: каков, так сказать, месседж твоих работ? Что ты хочешь ими донести до человечества?
Мой месседж прост: я хочу, чтобы люди прекратили стесняться своих желаний. Люблю смотреть, как они реагируют на мои работы. Кому-то они сразу нравятся, а кто-то пройдет мимо всех картин, остановится у какой-нибудь одной и скажет: «Фууу, гадость!». Но это значит лишь одно: именно эта картина его задела сильнее всего, зацепила, и вот эта зацепка и есть то, ради чего я рисую.
Мне нравится, когда удается вытащить человека из его скорлупы.

Читать дальше... 

— Откуда ты берешь сюжеты?
То, что я изображаю — это, как правило, мой сексуальный опыт, то, что происходило лично со мной, ну или то, что со мной могло бы произойти. То есть это и мои фантазии, и моя биография.

— То есть на твоих картинах — ты?
Большинство изображенных персонажей, конечно, выдуманы. Но открою секрет —практически для всех своих работ я позирую сама: сначала делаю эскиз, затем ставлю штатив, принимаю ту или иную позу, фотографирую себя, а потом уже перерисовываю. Другое дело, что себя перерисованную я воспринимаю уже не как себя, а как персонажа комикса, переходящего из работы в работу.

Страхи

— Отчего-то мне кажется, что пришедшие на выставку люди, глядя на твои картины, будут думать не о комиксах, а о тебе, изображенной более чем соблазнительно. О чем они в этот момент начнут фантазировать, догадаться не сложно. Тебя это не смущает?
Пусть представляют, что хотят! Меня смущает лишь то, что иногда люди начинают подкатывать ко мне, думая, что если я рисую такие вещи, то я абсолютно развязана, хожу на свинг-вечеринки и вообще сплю со всеми. Нет, ни в коем случае! Все, что происходит в моей жизни, происходит между мной и моим нынешним молодым человеком или теми людьми, с которыми у меня были отношения раньше. А все эти думальщики…
На самом деле, хорошо, что они вообще начинают думать о чем-то, кроме свои гаджетов.
Потому что большая часть людей проходит мимо всего интересного и волнующего, даже не замечая этого, уткнувшись в свой телефон, в котором читают какую-то непонятную фигню. А мои работы их хоть немного «подштыривают».

— Не боишься, что они «подштырят» еще и казаков с хоругвеносцами, и они решать нанести тебе визит, а заодно по привычке разгромить выставку?
Надеюсь, что они до меня не дойдут… Слава богу, у меня пока не такая слава и не такие масштабы выставок, что они обратили на меня внимание.

Философия

— Всегда интересно поговорить о метаморфозах, происходящих в сознании человека. Но в начале хочется выяснить вот что: как ты дошла до жизни такой?
Все получилось спонтанно, хотя шла я к этому довольно долго. Давай расскажу по порядку. Я окончила ВГИК, получив специальности «живописец-график» и «художник по костюмам», работала дизайнером в очень многих агентствах – делала сайты, приложения, журналы, инфографику. Но 2,5 года назад вдруг поняла: мне нужно сделать что-то свое. Но что? Думая об этом, я обозначила для себя три обязательных пункта, которые в коллаборации друг с другом должны привести меня к успеху.

— И каковы они?
Во-первых, я хотела зарабатывать.
«Художник должен быть голодным» — совсем не моя философия, потому что работать, не получая за это деньги, это совершенно бесполезная трата собственного времени.
Во-вторых, я хотела стать известной, но не торгуя фигурой и лицом, как многие девушки, потому что это очень простой путь. И, в-третьих, мне хотелось производить что-то уникально-сексуальное, потому что мне это нравится… Спустя пару-тройку месяцев размышлений все эти пункты собрались у меня воедино: я поняла, чем должна заниматься!

— Деньги потекли рекой?
Нет, конечно. В начале это было для меня как хобби, потому что зарабатывать нормально своими картинами я не могла и мне приходилось заниматься параллельными проектами. А те самые картины, которые ты сейчас видишь, я выкладывала в инстаграм. И однажды мне предложили устроить выставку.
Тут-то в моей биографии и случился самый настоящий взрыв! Люди увидели мои работы, заинтересовались, стали добавляться в друзья по 30-40 человек в сутки, спрашивать, могу ли я в том же стиле нарисовать и что-то другое. Потом случилась еще одна выставка, на которую пришли более состоятельные граждане, некоторые из которых уносили с собой сразу по нескольку картин.

Полиаморные истории

А сейчас… Сейчас, представляешь, меня даже на улице узнавать стали. Вот совсем недавно, в пятницу, мы выпивали в баре, и тут ко мне подошел человек: «Сандра? Сандра Ковальски?». Я была в шоке! Это было очень приятно, потому что доказывало, что мне-таки удалось соединить все, что я хотела: я зарабатываю, я известна и я делаю то, что хочу. Ведь рисованием я с кайфом занималась всю жизнь, это то, что я люблю, то, что мне не надоедает.

— Спрос на твои работы велик?
Да. Хотя, конечно, чаще всего бывает так, что люди смотрят мои картины, а потом просят сделать уже что-то именно на заказ, например, что-то поменять, добавить их лицо, немного изменить позу или цветовую гамму.

— Кто они, твои покупатели?
Они довольно разные. На персональные выставки часто приходят не очень платежеспособные люди. Но им нравится то, что я делаю, они интересуются сексуальной тематикой, поэтому из своего бюджета выкраивают деньги на одну мою работу в год. Это, в основном, молодежь.

Но есть и регулярные покупатели — это взрослые люди, как правило, мужчины, не приходящие на выставки, а приобретающие картины в рамках различных мероприятий или через интернет.

О пиджаках и людях

— В твоем резюме, несмотря на всю задорность твоих картин, больше всего цепляет вот что: работала Арт-директором в компании «Аналитический центр при Правительстве Российской Федерации». Что ты там делала?
— Рисовала графики роста и падению бюджета? Делала бюллетени по оценке состояния конкурентной среды?
Не совсем. Мне давали данные по, например, газодобыче в стране, а я должна была эти данные превратить в иллюстрацию, которую людям было бы интересно посмотреть.

— Ты можешь представить своих бывших коллег из правительства, покупающих твои картины?
Все возможно, кстати! Думаю, они могли бы что-то приобрести, если встретить их вне «Аналитического центра», потому что корпоративная этика, конечно, не позволит делать им это открыто. Но, знаешь, в каждом человеке, ходящем в чопорном костюме и делающим вид, что он «божий одуванчик», есть своя тайна, свои желания и свои слабости. Так что главное — найти к ним правильный подход.

[Хранитель укропа]

В Китае замечен музей, в который не пускают россиян

Российский путешественник Александр Никулин рассказал о музее, в который ему не продали билет из-за его национальности.

Музей находится недалеко от российско-китайской границы в районе Айгунь городского округа Хэйхэ. Несмотря на то что в заведении даже есть вывески на русском, жителей России туда не пускают «ни за какие деньги». Сам Никулин убедился в этом на собственном опыте — в кассе он получил «категорический отказ», пишет турист в своем блоге в LiveJournal. По его словам, других россиян в музей тоже не пускали.

Официально музей называется «Айгуньский исторический музей». Его экспозиция, в частности, рассказывает о том, что в Айгуне в мае 1858 года был подписан Айгуньский договор, установивший русско-китайскую границу по реке Амур.
За подписание Айгуньского договора генерал-губернатор Восточной Сибири граф Николай Николаевич Муравьев добавил к своей фамилии титул Амурский. В Иркутске на улице Заморской были выстроены триумфальные Амурские ворота, улица Заморская была переименована в Амурскую. В Благовещенске на набережной тоже стоит памятник генерал-губернатору.
Китайцы считают этот договор неравным. Китай, ослабленный опиумными войнами и восстанием тайпинов, был вынужден пойти на уступки под угрозой Муравьева открыть второй фронт. Подписав Айгуньский договор, Китай потерял большую территорию.

Блогер отмечает, что в Сети есть фото экспозиции музея, но описание — только на китайском. На кадрах видны сцены подписания договора.
«Говорят, что каждый правитель Китая в обязательном порядке должен посетить музей в Айгуне», — отмечает Никулин.