Арт-новости

[Хранитель укропа]

Гармония Рафаэля застрахована на 430 миллионов евро

Пушкинский музей открыл сезон камерно, но триумфально

Дарья Курдюкова

Выставка «Рафаэль. Поэзия образа. Произведения из Галерей Уффици и других собраний Италии», состоящая из 8 картин и 3-х рисунков, – первый монографический показ одного из 3-х мэтров Высокого Возрождения в России, хотя по отдельности на Волхонку другие его работы уже привозили. С такими хрестоматийными произведениями, как «Автопортрет» или «Мадонна Грандука», музеи расстаются крайне неохотно, и одно это определяет уникальность проекта, общая страховая стоимость которого, составляет 430 млн евро.

Современному человеку, пожалуй, легче любить Рафаэля, чем его понять. Из трех «гуру» поры ренессансного расцвета историки искусства назначили Леонардо ответственным за психологизм и широту знаний, Микеланджело – за мощь и трагическое мироощущение, а проживший самую короткую из всех троих жизнь Рафаэль остался воплощением гармоничной красоты.
Глядя ретроспективно из современности, когда восхищение Рафаэлем в конце концов прошло этап иссушения до академической живописи, когда уже отшумели модернизм и, в частности, русский авангард, когда, наконец, произнес свое пронзительное слово экзистенциализм, почти невозможно видеть мир цельным, спокойным, идеализированным в стремлении вернуться в золотой век, каким его представляло искусство Рафаэля.
Впрочем, пусть его живопись неоднозначна в том смысле, что она привлекает обобщенной гармонией, которой не хватает, может быть, того, что сейчас бы назвали остротой жизни, все равно возможность смотреть на подлинники со всей их музыкой линий – удовольствие. Как известно, никакая репродукция не в силах запомнить всех живописных нюансов.

Рафаэль обладал двумя полезными качествами – умел синтезировать в свой стиль влияние на него других художников (от учителя Перуджино до Микеланджело и Леонардо) и имел хороший характер, что привлекало к нему влиятельных заказчиков. В конце концов в 1508-м он оказался в Риме, куда переместился из Флоренции художественный центр той поры и где художник прославился росписями Ватиканских станц и «Сикстинской мадонной». За этот поздний период отвечает единственная многофигурная на выставке работа «Экстаз св. Цецилии со святыми Павлом, Иоанном Евангелистом, Августином и Марией Магдалиной». И музыкальность, присущая рафаэлевским образам, выражена здесь почти буквально: мученица Цецилия внимает не земному миру, а звукам ангельского хора. А вся композиция выстроена по принципу равноголовия (изокефалии), характерному для античных рельефов (стоит напомнить, что в 1515-м Рафаэль получает не только должность главного архитектора долгостроя Сан-Пьетро, но и главного хранителя римских древностей).

Читать дальше... 

В основном «Поэзию образа» кураторы – главный научный сотрудник Пушкинского музея, хранитель итальянской живописи Виктория Маркова и заведующая Кабинетом рисунка и гравюры Галерей Уффици Марция Файетти – пунктирно прочерчивают, насколько это возможно с небольшим количеством работ, вокруг флорентийского периода мастера, длившегося с 1504 по 1508 г. Но от более раннего этапа, который начался в 1497-м или около 1500 г. и который определяют ученичеством Рафаэля у Перуджино в Перудже, здесь имеется «Голова ангела», один из немногих уцелевших фрагментов алтаря церкви Сант-Агостино в Читта ди Кастелло. Этот алтарь – первое известное самостоятельное произведение мастера, пострадавшее позднее от землетрясения. Время пощадило то, что парадоксально можно назвать «портретом ангела», написанным еще под влиянием сладостной, мягкой живописи Перуджино. Ангел – румяный, златокудрый (и пряди в копне волос отдельно прочерчены изящными «веселыми» завитками), с чувственно очерченными губами, – торжество нежности, пусть и несколько поверхностной. В отличие от хрестоматийного уффицианского «Автопортрета» 1506 г., настолько культового, что, по словам итальянского посла Чезаре Марии Рагальини (по его инициативе и под патронатом президентов обеих стран показ организован), эту работу перед открытием выставки отдельно чествовали в посольстве Италии в Москве, – он был воспроизведен даже на итальянской лире. Там – другая нежность, да, юношеская, но это нежность задумчивости вкупе с виртуозной нежностью письма, поскольку картина решена тоновыми переходами в пределах всего нескольких цветов.

Свет и тень, приглушенные цвета фальшстен во мгле зала и выхваченные лучами ламп рафаэлевские произведения, все в едином пространстве, так что все сразу легко окинуть взглядом, но движение задано от светских портретов к изображениям святых. Лаконично и строго это выразила в выставочной сценографии архитектор Даниела Ферретти. Кураторы же в пандан к живописным образам решили поместить стихотворные – и руки самого Рафаэля, и авторства восхищавшихся им современников, например Пушкина. То есть нынешняя экспозиция, которая, как пишут в музее, стала первой в череде событий, которыми еще только в 2020 г. будут вспоминать 500-летие со дня смерти живописца, настраивает на созерцательное предстояние перед его творениями и задает панегирический тон. Досадно, однако, что наряду со стихами здесь не поместили экспликаций о героях и мотивах картин, – там ведь немало интересных историй, которые просто названиями работ никак не раскрыть.

Мадонны и портреты – из главных сюжетов Рафаэля. По подсчетам исследователей, за флорентийские годы, оказавшиеся в фокусе «Поэзии образа», он исполнил не меньше 15 мадонн. Привезли одну: воспринятый от Леонардо прием сфумато придает еще больше лиризма «Мадонне Грандука», где кроме религиозного мотива Рафаэль наслаждается и просто изображением материнства (и не без удовольствия пишет шевелящего пальцами на ногах младенца). Недаром знаменитый искусствовед Виктор Гращенков писал в свое время, что в облике мадонн Рафаэля «нет ничего, что возбуждало бы мысль об аскетических идеях христианства. Это – счастливое христианство, воспринятое сквозь светские идеалы мировоззрения Ренессанса». Зато портреты здесь – очень разные. И чета Аньоло и Маддалены Дони, горделивого супруга и, как кажется сегодня, несколько смурной жены, и странная для Рафаэля в своей плоскостной орнаментальности Элизабетта Гонзага, напротив которой оказалась трепетная (и эта трепетность – в простоте) «Немая». Отдельной строкой идут рисунки, не только эскиз к «Мадонне Грандука», показывающий, как изменилось итоговое воплощение, но и две женские фигурки разной степени завершенности, но с неизменно отточенными профилями лиц. Интересно: эпохи менялись, а эти героини – ну как тургеневские девушки.

[Хранитель укропа]

Ван Гог страдал психозом в последние полтора года жизни, решили в Амстердаме

Эксперты из Амстердама пришли к выводу, что нервный и впечатлительный голландский художник Винсент Ван Гог в последние 18 месяцев своей жизни страдал психозом

BBC отмечает, что исследователи не смогли поставить гению окончательный диагноз. Однако они подтвердили, что история с отрезанным ухом Ван Гога могла произойти на фоне злоупотребления алкоголем или в тот момент, когда психическое состояние художника ухудшилось из-за стресса.

Группа медиков и историков искусства оценивала целый ряд свидетельств о последних годах жизни Ван Гога, в том числе множество писем голландского постимпрессиониста. Среди популярных теорий, которые могут объяснить странности художника, были названы биполярное расстройство, шизофрения и сифилис.

"Невозможно объяснить все, что случилось с Ван Гогом, чем-то одним", - пояснил в комментарии The Telegraph профессор медицины Арко Одервальд.

Напомним, в июле ученые выяснили, кому Ван Гог отдал свое отрезанное в состоянии аффекта ухо. Инцидент связан с приездом в конце октября 1888 года в Арль, где жил Ван Гог, его коллеги по цеху Поля Гогена. Обсуждение художниками идеи создания южной мастерской живописи сопровождалось конфликтами и ссорами. В итоге вечером 23 декабря после очередной ссоры Ван Гог набросился на друга с бритвой. Гогену только по случайности удалось избежать ранения. Обстоятельства этой ссоры до сих пор до конца неизвестны. Однако в ту же ночь Ван Гог отрезал себе мочку уха. По одной из версий, это было сделано в порыве раскаяния из-за конфликта с другом. В то же время некоторые исследователи считают, что к этому привел приступ безумия, вызванного частым употреблением абсента.

На следующий день Ван Гога доставили в психиатрическую лечебницу, где поместили в палату для буйных больных с диагнозом "эпилепсия височных долей". Гоген спешно покинул Арль, не навестив Ван Гога в больнице, но сообщив о произошедшем брату художника Тео. Отрезанный артефакт достался дочери фермера Габриэль Берлатье, которая работала в борделе.

Винсент Ван Гог родился 30 марта 1853 г. в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов. К искусству он обратился в 1880-х - посещал Академию художеств в Брюсселе и Антверпене, общался с живописцем Антоном Мауве в Гааге. Расцвет творчества Ван Гога пришелся на последние годы его жизни, однако напряженная работа и злоупотребление алкоголем привели к появлению у него приступов психической болезни. По словам брата Тео, последними словами художника были: "La tristesse durera toujours" ("Печаль будет длиться вечно"). Современные криминалисты уверены, что художник не застрелился, а был убит.

[Хранитель укропа]

Сын Александра Ф. Скляра превратил пословицы в картины

Он выпустил альбом «Словоgraphica»

Неисповедимы пути артистов, и их потомков – тоже. Некоторые дети известных исполнителей идут по стопам родителей и погружаются в музыку, другие – выбирают профессии, никак не связанные с влиянием муз, третьи ищут свой особый путь. К последней категории относится сын рок-музыканта Александра Ф. Скляра (бессменного лидера группы «Ва-БанкЪ») Петр Скляр. Он занимается особым видом творчества – визуализирует пословицы и поговорки. Первый альбом с результатами таких необычных изысканий вышел совсем недавно. Его название - «Словоgraphica» - может стать метким определением нового направления в искусстве.

Петра в его начинании смело можно назвать новатором: до художника действительно никому (по крайней мере, в России) не приходило в голову систематически осмыслить и визуализировать русские пословицы и поговорки.
«Я знаю, что были какие-то частные случаи, - говорит Петр, - но никто не занимался этим всерьез. Я же сейчас занимаюсь только этим, готовлюсь в перспективе издать следующую книгу, делаю какие-то работы на заказ, у меня много идей». Значение каждой фразы в альбоме поясняется (для тех, кто плохо знаком с традицией и российским вариантом «эзопова языка»). Все они переведены на 5 европейских языков – английский, немецкий, французский, испанский и итальянский, а в дополнение к некоторым приведены и их латинские эквиваленты (иногда различающиеся по точному переводу, но совпадающие по своей идее).
Кроме выражений, которые на слуху («насильно мил не будешь», «жизнь прожить-не поле перейти», «дело мастера боится»), встречаются и диковинные вариации: «на небо крыл нет, а в землю путь близок», «аминем демона не избыть», «поле видит, а лес слышит». Есть и придумки автора: утверждением «всех лайкуш не собрать», например, художник призывает менее серьезно относиться к лайкам в соцсетях, актуализируя тему.
Гротесковые и гиперреалистичные портреты различных персонажей, как будто пришедших из какого-то параллельного измерения, полу-мифические, полу-мистические существа, растения, животные, символы и просто бытовые предметы, которые выглядят здесь как ожившие сущности со своим характером и душой – альбом заставляет фантазию не на шутку разыграться. Каждый рисунок - лаконичен по смыслу и бесконечен в деталях: на одном – из головы человека вырастает дом, на другом – разбитую балалайку обвивает плющ, на третьем – рак, одетый в строгий костюм, приподнимает цилиндр, словно приветствуя кого-то. Некоторые пословицы иллюстрированы жестко, прямолинейно (например, на рисунке, сопровождающем крылатую фразу «волка ноги кормят», изображен волк, который держит в зубах ногу парнокопытного), решения других - удивляют, в них чувствуется свое, особенное авторское видение.

Вступительное слово к альбому написал режиссер, театральный педагог и продюсер Эдуард Бояков, справедливо отметивший, что попытка «увидеть слово» - весьма амбициозна, а «контакт» с читателем и мысли, которые возникают при прочтении и просматривании работы, могут быть самыми разными. Сам Петр Скляр с головой погружен в процесс и со всей ответственностью относится к своему просветительскому творчеству, четко понимая, какой месседж он вкладывает в него.
Художник с радостью поделился своими мыслями по этому поводу:
- Весь русский фольклор необычайно важен и достоин изучения. Но если русские сказания и былины никогда не выпадали из поля зрения художников, то пословицы и поговорки были в значительной степени обделены подобным вниманием. Многие великие российские и советские художники, мастера «сказочной» иллюстрации, такие как И.Я. Билибин, В.М. Васнецов, В.М. Конашевич, на определенном этапе своего творчества обращались к этому сегменту народного фольклора, но это редко превращалось в длительную системную работу. Эту несправедливость и призван исправить данный альбом. Но как можно визуально отобразить меткое народное наблюдение? Отдельно взятый рисунок или сюжет будет служить отображением лишь единичного случая, в то время как пословицы и поговорки проявляют целое общественное или нравственное явление. Наилучшим художественным решением автору представляется сочетание буквенного текста и художественного образа, являющегося в данном случае лишь вспомогательным инструментом. Или, по-другому, СЛОВОGRAPHICA. Несмотря на свое исключительное место в русском языке, в последнее время пословицы и поговорки начали уходить в тень под напором выражений, заимствованных из других языков. В то время, как глубина и смысловая целостность метко сказанной поговорки не имеет себе равных.

***

В конце альбома Петр Скляр опубликовал благодарность, прежде всего – родителям и близким людям, а закрыв его и увидев заднюю часть обложки, можно невольно улыбнуться: на ней изображена лошадиная морда в подкове с доброй подписью «Всех благ!» Какой резонанс вызовет у публики такая форма искусства и насколько глубоко люди смогут погрузиться в новый и необычный для себя мир – покажет время. Идея ее рождения – обоснована и интересна. Кто знает, может быть, скоро у Петра появятся последователи, а на полках пытливых любителей разных творческих экспериментов рядом с музыкальными альбомами появятся и альбомы с иллюстрациями пословиц и поговорок: говоря, используя их же, - чем черт не шутит.

Наталья Малахова

[Хранитель укропа]

Похищенная 20 лет назад старинная икона вернулась в Россию из Венеции

Музей русской иконы вернул в Россию похищенную икону "Воскресение - Сошествие во ад"
XVII века

Она была украдена в 1995 г. из церкви Николы Надеина в Ярославле (филиал Ярославского государственного музея-заповедника). Более 10 лет икона находилась в розыске. В 2016 г. её обнаружил научный сотрудник Третьяковки Левон Нерсесян в одной из частных коллекций в Венеции, сообщает пресс-служба Московской епархии.

Поскольку владелец иконы считался добросовестным приобретателем, она не подлежала конфискации.

Переговоры с владельцем, выкуп иконы и возвращение ее на родину взял на себя Музей русской иконы, за последние 10 лет безвозмездно передавший в государственные музеи Ростова, Великого Устюга, Устюжны и Мурома 19 некогда похищенных произведений религиозного искусства XVI-XVIII веков.

Икона будет храниться в Ярославском государственном музее.

[Хранитель укропа]

Барабанщика «Кино» назвали самым дорогим художником

За последние 10 лет в России ничьи картины не были оценены так высоко

Георгий «Густав» Гурьянов с 1984 по 1990 г. был барабанщиком, аранжировщиком, бэк-вокалистом и автором некоторых басовых партий легендарной группы Виктора Цоя. Также он играл в уникальном проекте Сергея Курехина «Поп-Механика». С 1990 по 2013 г. артист работал художником, с 1993 был почетным профессором Новой Академии изящных искусств в Петербурге.

Гурьянов был назван самым дорогим российским художником последнего десятилетия по данным первого аналитического обзора рынка российского современного искусства InArt 2016. Его итоги были подведены 19 сентября.
«Мы проанализировали тысячу современных российских художников, чья карьера достигла пика после 1990-х годов и чьи работы участвовали в аукционных торгах за последние 10 лет, - рассказала директор Sotheby's Россия Ирина Степанова, - самым дорогим художником стал Георгий Гурьянов, в частности — его «Автопортрет» был продан на летних русских торгах в Лондоне за 183 тысячи 612 фунтов».
Также известно, что карандашный портрет Виктора Цоя ушел в свое время с молотка более чем за 200 тысяч долларов.

Печально, что активно продаваться работы Георгия стали после его смерти, а не когда артисту были необходимы деньги для дорогостоящего лечения. В 2013 г. его друг музыкант Алексей Вишня объявил о сборе средств в помощь Гурьянову, но, увы, барабанщика спасти не удалось, и популярность как к художнику пришла к нему, по сути, только тогда.

Георгий был профессиональном своего дела и в музыке, и в живописи. Он окончил Ленинградское художественное училище имени В.А. Серова, был одним из основателей «Клуба друзей Маяковского», очень много путешествовал. Он был в Амстердаме, Риме, Париже, Будапеште, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Копенгагене, Кадакесе (любимом городе Сальвадора Дали), долго жил в Лондоне, Берлине, Испании. В последние годы жизни обитал и работал в Санкт-Петербурге. Помимо работы в «Кино», он также играл на бас-гитаре в группе Сергея «Сэма» Семенова («Дядя Сэм»), помогал в записи ударных команде «Народное ополчение» на альбоме «Новогодие», был барабанщиком в «Играх», а также в панк-группе «Автоматические удовлетворители».
Псевдоним «Густав» появился у него еще в 1980-е. Гурьянов был одним из самых ярких представителей рок-н-ролльного и вообще творческого авангардного мира, всегда открытым интересным проектам и экспериментам.

Наталья Малахова

[Хранитель укропа]

Работу Бэнкси сняли со стены парковки в Ливерпуле, чтобы разместить в музее

Граффити Бэнкси удалили со стены парковки в Ливерпуле, чтобы разместить в новой галерее уличного искусства. Работу, на которой был изображен самолет, выписавший в небе след в виде сердца, знаменитый уличный художник создал в 2011 г. Теперь изображение биплана сняли со стены, а контур сердца остался, сообщает ВВС.

Самолет Бэнкси будет представлен вместе с другими работами художника в помещении галереи в Ливерпуле, специализирующейся на уличном искусстве.
Однако, как оказалось, не всем представителям творческого цеха понравилась идея создания такой галереи. Так, мастер граффити из Ливерпуля Сэм Фишвик заявил, что произведение уличного искусства перестает быть таковым, если попадает в музей, оно теряет свое очарование и характер.

Бэнкси является одним из самых ярких представителей стрит-арта. Он начал свой творческий путь в 1990-е годы и быстро приобрел мировую известность. Бэнкси известен тем, что не сообщает заранее о появлении новых рисунков и работает под псевдонимом. В т.ч. такая скрытность приводит к повышенному интересу к художнику со стороны СМИ, которые то и дело пытаются идентифицировать личность мастера.

Так, недавно журналист британского таблоида The Daily Mail Крейг Уильямс выдвинул версию, что Бэнкси - это основатель и участник группы Massive Attack Роберт "3D" Дель Ная, который заявлял, что является близким другом Бэнкси. Главным доводом в пользу этой версии стали совпадения мест появления граффити Бэнкси с графиком концертов Massive Attack.

[Кирилл Сызранский]

Сообщение от Хранитель укропа

«Мы проанализировали тысячу современных российских художников, чья карьера достигла пика после 1990-х годов и чьи работы участвовали в аукционных торгах за последние 10 лет, - рассказала директор Sotheby's Россия Ирина Степанова, - самым дорогим художником стал Георгий Гурьянов, в частности — его «Автопортрет» был продан на летних русских торгах в Лондоне за 183 тысячи 612 фунтов».

Что-то плохо как-то проанализировали, пропустили "Жука" Ильи Кабакова за £2 600 000 в 2008 году на Phillips de Pury.
Или его вещь "№ 5 из серии «Под снегом»" за $626 895 в 2014 году на VLADEY.
Да есть куча произведений много дороже названного "Автопортрета" Гурьянова - "Слава КПСС" Эрика Булатова (£1 084 500), "Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича" Комара/Меламида (£657 250), "Солдаты" Семёна Файбисовича (£311 200), "Мальчик с воздушными шариками" Олега Целкова (£238 406).

[Хранитель укропа]

Картину художника Фешина попытались незаконно вывезти из России через "Пулково"

Сотрудники УФСБ по Петербургу и Ленинградской области предотвратили попытку незаконно вывезти за рубеж картину русско-американского художника Николая Фешина "Портрет Джека Хантера", сообщает пресс-служба ведомства в четверг.

Полотно пытался вывезти житель Петербурга, который был задержан в аэропорту "Пулково" в начале сентября.

Как отмечает пресс-служба УФСБ, работы Фешина высоко ценятся на мировом рынке.

"По имеющемуся экспертному заключению, картина "Портрет Джека Хантера" имеет музейную и коллекционную ценность. Рыночная стоимость данного произведения искусства ориентировочно составляет свыше $300 тысяч", - говорится в сообщении.

Решается вопрос о возбуждении уголовного дела.

Николай Фешин (1881-1955) - русско-американский художник. Живописец, график, скульптор, резчик, представитель импрессионизма и модерна. Родился в Казани, в 1923 эмигрировал с семьей в США, где прожил до самой смерти в 1955 г. В 1976 г. был перезахоронен на родине.

[Кирилл Сызранский]

Сообщение от Хранитель укропа

Георгий Гурьянов, в частности — его «Автопортрет» был продан на летних русских торгах в Лондоне за 183 тысячи 612 фунтов

Не понял... Вот же: LOT SOLD. 143,000 GBP (Hammer Price with Buyer's Premium). Откуда взялась сумма "183 тысячи 612 фунтов"?

[Хранитель укропа]

Чюрлёнис: «русский художник» не от мира сего

Сегодня день рождения одного из самых загадочных сынов Серебряного века

Подробности: https://regnum.ru/news/cultura/2183180.html