Арт-новости

[Хранитель укропа]

Железнодорожный туннель Рондда в Уэльсе станет музеем цифрового искусства

18.07.2022 г.

Лондонская студия Скотта Браунригга превратит железнодорожный туннель, расположенный в сельской местности Уэльса, по словам главного архитектора студии, в самый длинны музей цифрового искусства, об этом 15 июля пишет онлайн-журнал Archinect.

Ранее туннель 130-летней давности планировали сделать пешеходной и велосипедно тропой. Новая схема, ориентированная на искусство, обеспечит востребованное туристическое направление, которое соединит два сообщества деревень Блаэнкум и Бленгвинфи, расположенных по обе стороны туннеля.

Вход в туннель со стороны Блаэнкум будет ограничен отелем, отсылающим к лэнд-арту. А со стороны Бленгвинфи будет возведен новый центр для посетителей, дополненный площадками для выступлений, цифровым театром и выставочными галереями, отделанными обоженным деревом в знак уважения к первоначальному историческому использованию места (здесь добывали уголь).

«После структурного ремонта и реставрации туннель длиной почти в две мили будет открыт для публики в качестве пешеходного и велосипедного маршрута, галереи цифрового искусства и места для выступлений. Пешеходный маршрут, возведенный в целях безопасности, позволяет по-другому взглянуть как на туннель, так и на цифровые художественные инсталляции. Работая вместе с консультантом по цифровому искусству Lumen Art Projects, были изучены идеи для инсталляций, которые пробудили бы воображение и рассказали истории о прошлом туннелей», — говорят авторы проекта.

«Существующие световые колодцы и вентиляционные шахты, облицованные металлом, создают впечатление погружения, поскольку они улавливают звуки долины или транслируют музыкальные выступления в сообщества над землей. Самый большой световой колодец превращен в средство эвакуации и переходит в смотровую башню наверху — латунный корпус с перфорированной стальной облицовкой напоминает духовые оркестры шахтерской долины. Посетители также могут узнать об истории и строительстве туннеля в центре для посетителей», — добавляют авторы.

По словам фирмы, проект попал в недавно объявленный шорт-лист WAF 2022 года в категории «Проект будущего: культура» и будет стремиться к рейтингу английской системы зеленой сертификации для зданий и помещений BREEAM Excellent.

[Хранитель укропа]

Древнерусское искусство представлено в музее Кастеева города Алма-Аты (Верный)

Ольга Зорина
20.07. 2022 г.

Впервые в таком масштабе и вообще в наш век в Государственном музее изобразительных искусств Республики Казахстан имени Абылхана Кастеева можно увидеть выставку древних икон и других предметов церковного искусства.

Проект «Древнерусское искусство» организован совместно с Православной церковью Казахстана при поддержке общественного фонда United Charity Projects Evolution. Инициатором и вдохновителем проекта выступила Гульмира Шалабаева — видный общественный деятель Казахстана, искусствовед, доктор филологических наук, доктор философских наук, профессор, заслуженный деятель РК.
В целом над проектом, результатом которого стали уникальная выставка и издание, можно сказать, золотого каталога, работала большая команда профессионалов. Научный руководитель проекта — Светлана Кобжанова, автор-составитель каталога Галина Сырлыбаева, дизайн и верстка — Досбол Касымов, фотограф и технический редактор издания — Серик Есентаев, переводчик с английского языка — Татьяна Осенникова, переводчик с казахского языка Кенжетай Кишкашева, редактор русского языка Нелли Шиврина. Авторы фильма о проекте Карина Крылова и Диас Азимжан. Куратор выставки и координатор проекта Виолетта Вологодская, автор экспозиции — Анжелика Акилбекова и ее команда, дизайнер всей печатной продукции к выставке — Леонид Байрамов. Огромную помощь в организации проекта оказали сотрудники митрополии: протоирей Евгений Иванов, ставший консультантом проекта и редактором каталога в его философском содержании; Лариса Горичева, руководитель отдела культуры митрополии.

На самом деле эта выставка явила собой настоящий праздник души. И не только потому, что алматинцы и гости культурной столицы впервые за годы независимости получили возможность увидеть избранное собрание икон из фондов музея и предметов древнерусского церковного искусства из коллекции Православной церкви Казахстана, но еще и от осознания того, что все представленные экземпляры вообще уцелели и были сохранены до наших дней. Мы все помним или знаем, что происходило с произведениями церковного искусства после революции 1917 г., и тот факт, что в Казахстане удалось сберечь и собрать такую богатую коллекцию икон и церковных предметов, представляет собой самое настоящее чудо.

Можно отметить, что подобный экспозиционно-выставочный проект под названием «Русская икона в собрании ГМИ КазССР им. А.Кастеева» был ранее только однажды представлен в Казахстане, и случилось это в 1988 г. по случаю празднования 1000-летия крещения Руси. Но тогда эта экспозиция была намного скромнее, как и каталог произведений церковного искусства, изданный в том же году.

Подобного еще не было собрано ни для одной экспозиции! Широкий хронологический охват и значительное число произведений настоящей выставки позволяют проследить историю храмового убранства на протяжении более чем 3-х столетий.

Выставка «Древнерусское искусство» представляет 67 произведений иконописи и металлопластики из собрания Государственного музея искусств РК им. А.Кастеева, а также 67 экспонатов, представленных Православной церковью Казахстана по благословению митрополита Астанайского и Алматинского Александра. В числе предметов, представленных церковью, — евхаристические сосуды, напрестольные Евангелия и кресты, священнические облачения, иные предметы богослужебной утвари.

Центральная часть экспозиции демонстрирует отреставрированные экспонаты: «Архангел Михаил со святыми» (XVIII в.), «Троица Ветхозаветная» (XIX в.), «Рождество Пресвятой Богородицы» (XIX в.), «Воскресение с 16 праздниками и 12 страстями» (XIX в.).
На выставке также представлены иконы, ставшие первоосновой коллекции музея, среди них: «Святой евангелист Иоанн Богослов», «Иоанн Богослов в молчании» (конец XVII — начало XVIII вв.), «Святые Тихон и Митрофан Воронежские» (XVIII в.) и «Благовещение» (верхняя часть царских врат — центральных дверей иконостаса, XVIII в.), поступившие в 1967 г. из Государственного музея истории религии и атеизма тогда еще города Ленинграда.

Экспозиция выставки включает различные образы Христа, Богородицы, ангелов, евангелистов, апостолов, пророков и святых, а также сюжетные иконы, представляющие важнейшие евангельские сюжеты и события священной истории: Рождество Христово, Успение, Вознесение, Преображение, Воскресение.

Художественные проекты подобного уровня имеют огромное значение для постижения уникального явления древнерусского искусства как части мирового культурного наследия.

Мировые шедевры

— Среди предметов, которые мы передали для выставки, немало уникальных, представляющих собой историческую и духовную ценность, — отметил на открытии выставки митрополит Астанайский и Алматинский Александр. — Иконопись занимает особое место не только в жизни верующих людей, но и является частью сокровищницы мирового художественного наследия. Сегодня общество живо интересуется мастерством иконописцев прошлого. Поэтому мы уверены, что наш совместный проект — проведение выставки и издание каталога, который включает православные иконы из собрания знаменитого казахстанского музея, — поможет всем желающим открыть для себя богатый мир церковного искусства как явления мировой художественной культуры. Событие, состоявшееся в преддверии VII Съезда лидеров мировых и традиционных религий, стало еще одним добрым свидетельством о духовном и историческом богатстве многонационального и многоконфессионального Казахстана.

Один из кураторов проекта искусствовед Оксана Танская отметила также, что событие готовилось в течение года и представляет собой масштабный комплекс мероприятий, включающий реставрацию целого ряда произведений иконописи из фондов музея, в т.ч. с привлечением специалистов из ведущих музеев Москвы. Это также составление и издание каталога, в который вошла полная коллекция древнерусского искусства XVII-XIX в. из фондов ГМИ РК им. А.Кастеева с аннотациями к каждому произведению. Это и сама выставка самого высокого музейного уровня, какой еще не было в Казахстане.

Золотой каталог

Гостям на открытии выставки был представлен эксклюзивно оформленный каталог, созданый в уникальном качестве. Весь позолоченный, огромного объема и весом в 4 килограмма, он словно весь светится, и очень осторожно хочется к нему прикасаться, бережно, настолько кажется он величественным и сакральным.

В нас

Сейчас этот каталог коллекции произведений древнерусского искусства представляет собой единственное издание в Казахстане подобного рода. Музейное собрание наследия русских иконописцев и мастеров-литейщиков дает возможность представить художественные особенности произведений, многообразие иконографических типов и культовых изделий, выполненных из металла. Иконы сопровождаются аннотациями, поясняющими их содержание и характер образного решения.

— Представленный сегодня каталог по качеству фотографий, дизайна, своему содержанию стоит наравне с мировыми изданиями, — отметил Георгий Сосновский (общественный фонд United Charity Projects Evolution). — Древнерусское искусство с большой честью демонстрируют многие ведущие музеи мира, и выставка такого направления, как сегодня, ставит нас в один ряд с ними. Осмысление духовности было свойственно многим талантливым художникам, в том числе Рембрандту, Боттичелли, Микеланджело, Рублеву. Экспонаты иконописи выставлены в Лувре и Британском музее, Национальной галерее Лондона и в музее “Метрополитан” в Нью-Йорке, палаццо Барберини в Риме, в Третьяковской галерее и Эрмитаже. Теперь в этом ряду и красавец Алматы. И, надо отметить, что алматинская экспозиция позволяет нам ощутить ту духовную благодать, которая исходит от представленных в ней произведений, и эту благодать могут ощутить на себе все казахстанцы вне зависимости от своих убеждений, так как она не имеет никаких границ.

Совершенно очевидно, что каталог будет интересен искусствоведам, музейным сотрудникам, преподавателям и студентам специализированных вузов, а также ценителям редких раритетов.

А выставка продлится до 12 августа 2022 года, и каждую субботу в 14.00 для всех желающих будут проводиться специальные экскурсии

.

[Хранитель укропа]

После возвращения в Третьяковку «Троицу» Рублева скрыли от посетителей

Из-за двухдневной поездки в Троице-Сергиеву лавру иконе прописан отдых

Наталья Мущинкина

В ночь с 18 на 19 июля «Троица» Андрея Рублева вернулась в Третьяковскую галерею – в Лаврушинский переулок. Сообщение об этом было опубликовано полчетвертого утра. «Сейчас ее изучают реставраторы, видимых признаков ухудшения состояния этого важнейшего произведения древнерусского искусства не выявлено», – говорится в заявлении музея. Когда «Троица» вернется на привычное место в экспозиции, непонятно.

Сначала она должна пару дней отдохнуть с дороги, акклиматизироваться, потом ее детально осмотрят, а после состоится реставрационный совет, где примут решение о дальнейших действиях. Словом, в зал №60 икона вернется не скоро. Может быть, это случится через пару месяцев, а может, только в следующем году.

Шедевр древнерусской живописи, с которого в иконописи начинается свой особенный русский канон, пришедший на смену византийскому, очень хрупкий. «Болевые точки» иконы более-менее известны, несмотря на то, что последние результаты обследования, сделанные до путешествия в Троице-Сергиеву лавру, держатся в тайне. Стоит вспомнить историю «Троицы», чтобы понять, почему искусствоведы так трясутся.

До начала ХХ века к иконе, веками жившей в стенах Троице-Сергиевой лавры, относились исключительно как предмету религиозного культа, а о ее художественной ценности никто не задумывался. И дело не только в эпохе – реставрационная наука в России на заре ХХ столетия только-только зарождалась. Но и в том, что образ был скрыт от глаз – икона находилась в богатом золотом окладе, сделанном по заказу Бориса Годунова, из-под которого виднелись лишь лики и пальцы рук, а живопись давно «потухла». И главное – авторский слой был многократно записан.

Так уж было заведено испокон веков: когда икона темнела, поверх писался новый слой с тем же сюжетом. «Троица» была записана как минимум трижды. К тому же живопись не раз покрывали олифой, которая на время делала изображение ярче, но потом желтела и темнела, а еще к ней «прилипла» копоть от храмовых лампад и свечей. Словом, когда в начале ХХ века мстёрский иконописец Валентин Гурьянов начал расчистку, перед ним был почти что «Черный квадрат». Частично раскрыв первоначальный образ, он сразу понял, что это неподражаемый шедевр.
Гурьянов знал, что автор «Троицы» – Андрей Рублев: легенды сохранились имя мастера в истории (не случайно именно этот сюжет стал одним из самых популярных в русской иконописной традиции). Однако у него мог быть соавтор – Даниил Черный, с которым Рублев вместе расписывал иконостас Свято-Троицкого собора в 1425-27 годах. Высказывались и иные версии – исследователь Дмитрий Ровинский и вовсе считал «Троицу» работой итальянского мастера.

Насчет даты создания иконы тоже есть версии. Образ мог быть написан в 1411 году, когда Никон, преемник Сергия Радонежского, построил новую деревянную Троицкую церковь на месте сгоревшего храма. Либо спустя чуть больше десяти лет – уже для каменной церкви. Однозначного ответа тут нет. Так или иначе, в 1905 году вместе с поздними наслоениями Гурьянов счистил и часть первоначальной живописи, а потом записал икону вновь и покрыл олифой. С одной стороны он открыл «Троицу», с другой – нанес немало вреда.

Но уже тогда стало понятно, что «Троица» великолепна не только своей историей, но является глубоким и философским образом, который встает в один ряд с шедеврами великих итальянских мастеров, предвосхитивших Возрождение, таких, как Джотто и Симон Мартини. «Реставрация» Гурьянова была далека от современных щадящих методов. К тому же он оставил часть прописей эпохи Бориса Годунова и более позднего времени, а спустя некоторое время образ снова начал темнеть. Поэтому в 1918 году по инициативе ведущих искусствоведов своего времени, в числе которых был Игорь Грабарь, возглавлявший Третьяковскую галерею, началась следующая реставрация. Открылись яркие солнечные краски, «райские» одежды ангелов, словом, подлинная «Троица». К реставрации потом возвращались не раз, но надо понимать, что и сегодня перед нами не авторский слой. Полностью счистить поздние наслоения оказалось невозможно, при этом многое из рублевской живописи стерто.

Исследование, проведенное в 2008-10 годах заведующим кафедрой реставрации темперной живописи ГосНИИРа, профессором Виктором Барановым, показывает, что авторская позолота фона, полей, нимбов, а также изображение дерева, утрачены. Сильно потёрт красочный слой стола, авторский золотой ассист крыльев, седалищ, клава (нашивная вертикальная полоса на одежде) центрального ангела и крыши архитектуры, ступня правой ноги правого ангела.

Кстати, исследование Баранова показало, что у центральной фигуры ангела был нимб, в отличие от двух остальных. Что добавляет загадок в трактовке иконы Рублева. Словом, какой икона была в момент создания, мы не можем себе до конца представить.

Волнения искусствоведов по поводу перемещения иконы связаны не только с хрупкостью красочного слоя и возрастом «Троицы». В 2007 году, когда шедевр перенесли на Крымский вал, была повреждена одна из досок, на которых написана икона. Эта трещина в древесине и по сей день «ноет» и напоминает о себе. Собственно, после того случая над «Троицей» трясутся еще больше, чем прежде. Не случайно на все просьбы о дальних путешествиях иконы искусствоведы-реставраторы всегда отвечали отказом. Сейчас отказать не получилось. За бенефис придется платить: иконе прописали покой.


Ранее - Патриарх Кирилл рассказал, кто попросил вывезти "Троицу" Рублева из Третьяковки - https://www.mk.ru/culture/2022/07/17...etyakovki.html

[Хранитель укропа]

В Национальный музей РТ передан подлинник картины «Тувинка»

В Национальный музей Тувы передан подлинник живописной картины Татьяны Евгеньевны Левертовской «Тувинка».

Благодаря первому директору Национального музея Владимиру Ермолаеву в Туве увидели светскую живопись. В 1929 году в основу художественного фонда музея легли старинные произведения русских и европейских мастеров, подаренные Эрмитажем и Русским музеем.

Картина Татьяны Левертовской хранилась в Доме культуры села Кызыл-Мажалык Барун-Хемчикского района. Она была подарена Минкультуры Тувинской АССР при открытии Дома культуры села Кызыл-Мажалык. В связи с тем, что картина начала рассыпаться, её передали в Национальный музей им. Алдан-Маадыр. Там была проведена частичная реставрация.

На фоне голубых гор в национальной одежде с букетом цветов в руках изображен портрет молодой девушки. Работы Левертовской, её картины о тружениках Тувы и пейзажи у республики хранятся в фондах музея.

Татьяна Евгеньевна внесла значительный вклад в развитие изобразительного искусства Советской Тувы.

[Хранитель укропа]

Мошенники хотели продать картину Джентилески XVII века за €2 млн

Т.Дворянчикова
20 июля 2022 г.

Полиция Италии предотвратила незаконную продажу картины XVII века художницы Артемизии Джентилески, пишет «Газета.Ru».

Мошенники представили её как полотно последователя Джентилески, а не самой художницы, чтобы обманным путем получить разрешение на вывоз за границу от итальянского правительства.

«Картина была на грани продажи с аукциона», — указали правоохранители.
Артемизия Джентилески — первая художница, которая стала членом Академии живописного искусства во Флоренции.

Зимой 2017 года её ранее неизвестная работа «Автопортрет в образе святой Екатерины» ушла с молотка на аукционе в Drouot за €2 360 600.

[Хранитель укропа]

Ольга Хохлова и Пабло Пикассо: история любви с жестоким финалом

Большая любовь художника и русской балерины обернулась не менее грандиозной драмой

20 июля 2022 г.

Русская балерина Ольга Хохлова и основатель кубизма Пабло Пикассо встретились в феврале 1917-го в Риме: художник работал там над костюмами и декорациями к балету "Парад" труппы Сергея Дягилева, а Ольга пропадала в репетиционных залах, готовясь к премьере. Утонченные манеры, грация и роскошная грива темно-рыжих волос не оставили Пикассо равнодушным. Роман захватил его целиком, он ухаживал так бурно и настойчиво, что в итоге Ольга сдалась. Их союз поначалу складывался настолько идеально, что предугадать последующую драму с катастрофическим финалом не решился бы ни один человек из их ближайшего окружения.

Упорство и труд

Ольга Хохлова родилась 17 июня 1891 г. в небольшом украинском городе Нежин в семье полковника императорской армии. Балет появился в её жизни довольно поздно: она начала учиться в частной студии Евгении Соколовой в Петербурге только в 14 лет. Родители, не одобрявшие увлечение дочери, все же оплатили ее обучение.

Выбор педагога был идеальным: Евгения Соколова, ведущая балерина, а затем репетитор Мариинского театра, отличалась необыкновенными педагогическими способностями – среди ее учениц были, к примеру, прославленные Анна Павлова и Тамара Карсавина.

Ольга тренировалась упорно и самоотверженно, что особо оценил Сергей Дягилев. Когда в 1911 г. он создавал постоянную труппу "Русского балета", юная балерина была зачислена в нее одной из первых. Злые языки говорили потом, что никакого особого таланта у Хохловой не было. Но Дягилев, известный своей бескомпромиссностью при отборе танцовщиков, никогда не взял бы в труппу слабую балерину и тем более не работал бы с ней долгие 8 лет.

Влюбленный Пикассо

Пикассо был совершенно покорен Ольгой, он буквально преследовал её. Благовоспитанная скромница поначалу не отвечала на его ухаживания, но все же не устояла под напором темпераментного андалузца. Дягилев, заметив их взаимный интерес к друг другу, вежливо предупреждает художника: "На русских девушках принято жениться". "Шутите!" - восклицает Пикассо, но предложение тем не менее делает и везет Ольгу в Барселону знакомиться с матерью. Та от выбора сына не в восторге, однако находит в себе силы предостеречь будущую невестку.

"Бедная девочка, ты понятия не имеешь, на что ты обрекаешь себя. Будь я твоей подругой, посоветовала бы тебе не выходить за него ни под каким видом. Я не верю, что с моим сыном женщина может быть счастлива. Он озабочен только собой", – говорила мать художника.

Скорее всего, Ольга и сама понимала, что с Пикассо легко не будет. 25 марта 1918-го, за несколько месяцев до свадьбы, она пишет жениху: "Ты никогда не сможешь любить меня так, как люблю тебя я, потому что любовь случается раз в жизни, а ты уже любил раньше, и это приносит мне боль. Ты не представляешь, как мне тяжело, как я мучаюсь. Я не могу успокоиться и перестать плакать. Я люблю тебя, и я совершенно несчастна".

Хохлова и Пикассо поженились 12 июля 1918 г., тогда же прошла церемония венчания в русской церкви на улице Дарю в Париже. На нее пригласили Сергея Дягилева, Жана Кокто, Гертруду Стайн, Анри Матисса, Гийома Аполлинера – весь цвет литературно-музыкального Парижа 1920-х. Влюбленный Пикассо был даже не против брачного контракта, по условиям которого в случае развода всё имущество супругов, в т.ч. произведения искусства, делилось пополам. Через несколько лет он горько пожалеет об этом.

Новый стиль

В это время Пикассо отходит от прославившего его кубизма в сторону неоклассики, которую часто называют энгризмом по имени французского классического живописца Жана Огюста Доминика Энгра (1780–1867). И во многом обращение к классической фигуративной живописи вызвано желанием его возлюбленной "узнавать на картинах свое лицо". Некоторые современные исследователи назовут этот период просто – "период Ольги".

Первые работы в этом стиле художник создает еще в Барселоне, там он пишет один из лучших портретов будущей жены – "Ольга Хохлова в мантилье". Эффектной деталью её наряда была как раз мантилья – атрибут традиционного испанского костюма, для имитации которого Пикассо использовал скатерть.

"Портрет Ольги в кресле", написанный несколько недель спустя с постановочной фотографии, обозначил полноправное вступление Хохловой в творчество Пабло Пикассо.

Светская жизнь

После свадьбы они переезжают в просторные апартаменты в центре Парижа, которые Ольга обставляет на свой вкус, оставив мужу студию на 2-м этаже. Их соседом становится известный арт-дилер Поль Розенберг, который с этих пор начинает продавать картины Пикассо, что очень способствует успеху художника.

Пабло и Ольга ведут светский образ жизни. Среди их друзей Игорь Стравинский, Антон Рубинштейн, Коко Шанель, Марсель Пруст, Джеймс Джойс. Пикассо очень льстит успех Ольги в свете, она чувствует себя в своей стихии и наслаждается вниманием представителей богемы.

В письмах своей близкой подруге, американской писательнице Гертруде Стайн Пикассо писал, что его покорили мудрость и спокойствие супруги, что является гораздо более редким даром, чем умение танцевать. Ольга превратила мужа из художника, окруженного безвестными натурщицами, в уважаемого буржуа, которому рады на любом светском рауте.

"Задумчивая Ольга"

В 1919 г. Ольга получает печальные новости из России: её брат Евгений погиб, отец пропал без вести, двое других братьев примкнули к Белому движению, а мать и сестра находятся в Тифлисе на грани нищеты. Эти трагические известия очень сказываются на душевном состоянии Хохловой, что отражается в работах Пикассо: на всех картинах тех лет (например, "Задумчивая Ольга") Хохлова погружена в себя, она кажется отрешенной и опустошенной; в ее застывшем взгляде читается тревога.

Ольга не радуется жизни, она испытывает чувство вины за то, что находится в благополучии и семейной гармонии, в то время как ее родные терпят нужду. Она пытается помочь им с помощью Пикассо – пересылает деньги и рисунки в Сербию, чтобы брат Николай, осевший в Белграде, мог заручиться поддержкой влиятельных лиц. Пытается через Красный Крест отправлять посылки матери и сестре, они доходят через раз или не доходят вовсе.

К волнению за близких добавилось еще одно несчастье: из-за травмы ноги балерина завершает свою карьеру.

Старший сын

В феврале 1921 г. у пары рождается сын Пауло (Поль). Его рождение вдохновило Пикассо на создание целой серии произведений, центральными персонажами которых стали Ольга и Поль. С этого момента в его творчестве формируется новое настроение и новое направление – монументализм. На первый план выходят образы семьи, матери и ребенка. Фигуры при этом внушительные, полнотелые, но не угловатые, как во времена кубизма, а мягкие, устойчивые.

В картинах этого периода царит покой, которому оказался созвучен интерес Пикассо к античности и Ренессансу, возникший во время его знакомства с Ольгой в Италии и вновь оживший в 1921 г., когда семья проводила лето в Фонтенбло. Ольга отдавала сыну все свое внимание, для отца Поль стал предметом гордости. Во множестве портретов сына Пикассо символически передает ему свои увлечения, наряжая мальчика в костюмы персонажей комедии дель арте, в частности Арлекина, с которым в молодости, как свидетельствуют картины "розового периода", он отождествлял себя сам.

Крах семьи и конец "периода Ольги"

К 1925 году в семейной идиллии появляются первые трещинки: Пикассо постепенно чувствует пресыщение семейной жизнью, его начинает раздражать великосветский образ жизни, он пропускает один званый прием, потом другой. Смокингу и манишке он теперь предпочитает шорты и рубашку. Пикассо начинает осознавать, что их счастливый брак с Ольгой близится к концу.

В апреле 1925-го они вместе отправляются в Монте-Карло, где встречаются с Дягилевым. Пабло увлеченно рисует танцующих балерин. Несомненно, это ранит Ольгу, которая тяжело переживает окончание карьеры танцовщицы. Однако именно в образе балерины Пикассо решил представить ее в своей большой картине "Танец". Упрощенные, примитивистские формы и резкие цветовые контрасты этого полотна позволяют считать его первым проявлением перемен во взгляде художника на свою жену.

Искусствоведы полагают, что именно в 1925 г. в работах Пикассо завершился период классической красоты – тот самый "период Ольги". В следующие 10 лет ее образ претерпевает пугающие превращения.

Сюрреализм расставания

В январе 1927-го Пикассо знакомится с семнадцатилетней Марией-Терезой Вальтер у входа в парижский универмаг Galeries Lafayette. Он подходит к ней со словами: "Я Пикассо. Вы и я вместе совершим великие вещи". У них завязывается роман. Именно Мария-Тереза станет его главной натурщицей периода сюрреализма.

Но если её изображения будут радостными, светлыми и чувственными, то Ольга выглядит на новых полотнах довольно агрессивно. Глядя на "Большую обнаженную в красном кресле", трудно сопоставить её с Ольгой 10-летней давности – хрупкой, нежной балериной, написанной в духе энгризма.

Теперь Ольга предстает в чудовищной изломанной позе с безвольно растекающимися по полотну конечностями, с открытым ртом, если это вообще можно назвать ртом, а не пастью. Можно себе представить, насколько чуждым и унизительным такое изображение казалось Ольге, эстетически далекой от художественных экспериментов супруга.

Жизнь на две семьи

Пикассо несколько лет удается сохранять отношения с любовницей в тайне. Он даже снимал ей квартиру в доме напротив их с Ольгой парижских апартаментов. А летом, когда они всей семьей уезжали на курорт в Бретань, Мария-Тереза, как ни в чем не бывало, останавливалась неподалеку от них.

Ольга узнает об этой связи лишь к 1929-му году и не уйдет от мужа еще семь лет. Семь лет продолжались ее страдания, которые в итоге привели к почти безумию. Пикассо нравилась борьба женщин за него – ее финал пришелся на 1935 год. Мария-Тереза прибегла к самому сильному аргументу: она появилась на пороге Ольги с новорожденной дочкой на руках. И заявила: "Вот произведение Пикассо". От этого удара Ольга не оправилась.

Забрав сына, она уехала на Лазурный берег и поручила своему адвокату составить опись всего имущества Пикассо, чего художник ей так и не простил. Дать жене развод он тоже отказался, ведь в этом случае ей отошла бы и половина его картин. До последнего дня своей жизни Ольга оставалась мадам Пикассо.

Когда Гертруду Стайн попросили охарактеризовать Пикассо, культовая писательница своего поколения сделала такой вывод: "Если он был чудовищем, то нам ничего не остается, как принять его таким, каков он есть. Он поставил на то, чтобы проникнуть в тайну бытия, однако он делает это с полнейшим пренебрежением к тем тонкостям, которые называются человеческой ответственностью".

Тяжелая болезнь

Ольга мучительно переживала разрыв и не смирилась с ним. Она еще долго будет преследовать Пикассо и его новых пассий, отправлять ему письма с призывом вернуться в семью и фотоколлажи, где они все еще вместе. Последние годы жизни Ольги были очень тяжелыми, она перенесла инсульт, потеряла возможность ходить.

Ее внучка Марина так писала в своей книге: "Моя бабушка Ольга, со всем смирившаяся, оболганная, опустившаяся после стольких пережитых ею предательств, закончила жизнь парализованной старухой. А дед ни разу даже не соизволил навестить ее на ложе отчаяния и скорби. А ведь она бросила ради него все: свою страну, свою карьеру, свои мечты, свою честь".

Ольга умерла от рака в 1955 г. На ее похороны Пикассо не пришел. Пережив ее на 18 лет, он обзавелся ещё двумя внебрачными детьми и еще одной официальной женой.

[Хранитель укропа]

Шедевры Серова и Айвазовского таинственно исчезли из музея в Бердянске

Похитители могли припрятать часть сокровищ прямо в городе

В Бердянске сейчас расследуют крупную кражу – из местного музея пропали ценные экспонаты. Исчезли творения Серова, Куинджи, Верещагина. Теперь вместо картин русских художников остались только рамы.

Исчезновение шедевров искусства

Пустые рамы и стеллаж, голые стены и запертые двери. Здесь должны быть более 7000 тысяч произведений искусства, работы всемирно известных художников и скульпторов. Бердянский художественный музей имени Исаака Бродского всегда гордился своей коллекцией. Но сейчас почти ничего не осталось.
Абсолютное большинство самых ценных экспонатов исчезло. В этом зале остались только рамы, причем вот там, в углу, висит замотанная камера наблюдения. Видимо, чтобы никто не мог ничего узнать. Чтобы была понятна ценность: в одном из помещений находилась картина Айвазовского "Буря на море". В специально подготовленной брошюре показано, где она должна быть. Найдут эту картину или нет, неизвестно.
Здесь были картины Серова, Куинджи, Верещагина, самого Исаака Бродского. Пропали самые редкие произведения кисти великих русских художников.

"Здесь представлены, экспонированы передвижники. Это целый пласт культурного наследия России, который собирал Бродский. Мы когда зашли, увидели здесь пустые работы. Одни рамы", – говорит директор художественного музея имени И.И. Бродского Арсений Мироненко.

Спрятанные сокровища

Музей не разграблен. Замки не взломаны, решетки и окна на месте. Произведения искусства, судя по всему, вынесли сотрудники, работавшие тут при киевской власти. И, как пираты, спрятали картины в каком-то схроне.

"Наиболее ценные картины были изъяты бывшими сотрудниками музея для дальнейшей их переправки на подконтрольную Киеву территорию. Сейчас проводятся оперативно-разыскные мероприятия. И по имеющейся информации, эти картины могут до сих пор находиться в городе", – пояснил оперативный сотрудник Михаил.
Новые руководители музея пока не могут даже составить предварительный список потерь. Каталоги, описывавшие богатство музея, тоже исчезли. Что-то выясняют из надписей на пустых рамах, что-то есть в интернете.

"Матвеев, Зарянко, Крамской, Беную, Рылов, Куинджи, Жуковский, Кустодиев, Богданов-Бельский. Это те авторы, которых любил сам коллекционер - Исаак Израилевич. И ничего этого нет", – добавил Арсений Мироненко.

Оставшиеся экспонаты музея в Бердянске

Более того, предыдущие сотрудники, похитители произведения искусства, теперь могут ещё и получить деньги по страховке, если сами сообщат о пропаже картин. Документы ведь тоже остались у них. Впрочем, вывезти явно удалось не все. И для нас уже проводят экскурсию, показывая оставшиеся уникальные экспонаты.

"Это полотна... Соцреализм. Здесь и Мурашко есть, и другие. Здесь разные полотна. Это мы для выставки готовили", – объясняют в музее.
Разграбили не все музеи. Остался нетронутым музей истории Бердянска, которая неразрывно связана с Россией. На главном экспонате – диораме «Бердянск в прошлом» теперь развевается флаг России. Как это было во время основания города.
Экскурсии в музеях Бердянска уже проводятся для широкого зрителя. Но сотрудники учреждений культуры надеются, что в ближайшее время они станут еще интереснее. Поиски похищенных экспонатов продолжаются, и есть надежда – если они действительно спрятаны где-то в городе – все-таки увенчаются успехом.

[Хранитель укропа]

Отец русского футуризма: 140 лет со дня рождения художника Давида Бурлюка

Поэт и художник Давид Бурлюк родился 21 июля 1882 года. Бурлюк был одним из лидеров авангардного движения, состоял во многих творческих объединениях, таких как «Бубновый валет» и «Ослиный хвост».

Его картины не раз участвовали в российских и зарубежных международных выставках.

Кроме того, Бурлюк выпускал совместные сборники стихотворений с такими поэтами, как Владимир Маяковский и Велимир Хлебников.

В 1902 г. Давид Бурлюк не смог поступить в Императорскую Академию художеств, поэтому уехал изучать живопись в Германию. Там он учился в мюнхенской Королевской академии художеств. Еще Бурлюк посещал частную художественную школу живописца Антона Ажбе. Через несколько лет он переехал в Париж, где ходил на занятия художника и педагога Фернана Кормона в Национальной школе изящных искусств.

Из Европы Давид Бурлюк вернулся в середине 1900-х годов. Он сразу же погрузился в российскую художественную жизнь и вскоре стал одним из лидеров творческого объединения «Стефанос». Его участники выступали за новейшее искусство, поиск свежих техник и приемов живописи. В их творчестве большую роль играли западные течения: фовизм, пуантилизм, постимпрессионизм. В основной состав группы входили, помимо Давида Бурлюка, его младший брат Владимир и сестра Людмила, а также Михаил Ларионов, Аристарх Лентулов, Александра Экстер.
Они устраивали выставки, но их творчество большинство искусствоведов не одобряло.

"Когда входишь на выставку, то получаешь впечатление, что, кроме Бурлюков, здесь никого нет, и кажется, что их много: 10, может быть, 20 Бурлюков. Потом оказывается, что их только 3 и что один пишет квадратами и цифрами, другой запятыми, а третий — шваброй". (Из статьи Игоря Грабаря для журнала «Весы»)

[Хранитель укропа]

«Баловство все это»: Лепс создал выставку в стиле Пикассо

Григорий Лепс представил выставку своих работ в стиле Пикассо

Анастасия Трибесёнкова

Накануне 60-летия народный артист совершил художественный дебют и показал свои авторские эскизы.

Григорий Лепс накануне своего 60-летия решил показать поклонникам тайный талант. Как оказалось, кроме пения Лепс серьезно увлекается живописью и пробует себя в качестве художника. В Музее победы открылась выставка его авторских работ под необычным названием «Голос Пальцы».

Как объяснил артист, на съемках шоу «Голос» он коротал время тем, что делал зарисовки пальцев на листках бумаги. Эти эскизы увидел художник Григорий Гукасов и предложил Лепсу сделать вместе полноценные работы в стиле абстракционизма и добавить в них цвета.

«Он скромничает, говоря, что большую часть сделал я. Без его пластических идей для меня было бы сложно окунуться в совершенно другое пространство», — похвалил Гукасов художника-любителя.

А сам Лепс, напротив, творческими успехами хвастаться не любит и скромничает в ответ на комплименты.

«Да, баловство все это. Это просто маленький всплеск эмоций, который больше не повторится. Так, по большому счету останется для смеха», — цитирует слова Григория Викторовича издание KP.RU.

Свои авторские работы Лепс не собирается выставлять на аукцион, утверждая, что они «никому не нужны». Однако сам артист долгие годы коллекционирует картины и старинные иконы, о чем говорит с гордостью.

«Я, думаю, что вхожу в десятку крупнейших коллекционеров мира. По иконам точно. А может и в пятерочку», — заявил певец.

[Хранитель укропа]

В Южной Корее демонтировали арт-объект с умирающими золотыми рыбками

Александра Лисица
https://storage.myseldon.com/news-pi...1A11F558166DC9

В Художественном музее Чоннам в Южной Корее демонтировали работу художника Ю Бака после жалоб посетителей на жестокое обращение с животными. Об этом сообщает Insider.

Ю Бак сконструировал в музее арт-объект с 15 умирающими золотыми рыбками, помещенными в подвешенные к потолку капельницы. Работа Fish («Рыба») была частью выставки «Траур: после утраты, кураторское эссе», открывшейся 30 июня. Пять из 15 рыбок в капельницах умерли в первые недели после открытия экспозиции.

Работу демонтировали после консультации с самим Ю Баком. «Медленное умирание золотых рыбок должно было стать частью моей работы. Теперь, когда рыбок больше нет, она потеряла свой смысл как произведение искусства. Хотя работа может показаться публике дискомфортной, художник думает и выражает себя иначе, чем зрители», — поделился своим видением ситуации Ю Бак.