Арт-новости

[Матфей]

Сообщение от Дилетант

что он имелв виду под загадочным словосочетанием "именитая школа живописи"?

Фильберт, Кошевой, Скубак, Козлов....

Сообщение от Дилетант

Музей в Луганске был прекрасный. Хочется верить,что коллекция не пострадала...

Музей целый, здание не пострадало, а что осталось???? С началом обстрелов планировалось часть вывезти у Киев, а вывезли или нет у меня информации нет.

[Дилетант]

Матфей, спасибо за добрые вести о музее. Знаю его очень давно, неоднократно бывала там (в том числе - и во время ежегодных поездок на (в) Украину).

А задавая риторический вопрос о "загадочном словосочетании", я имела в виду неуместность определения "именитая" по отношению к школе живописи...

[Хранитель укропа]

Известный британский историк и арт-дилер Адриан Гринвуд убит в университетском городе Оксфорд.

Оксфорд. По сообщениям полиции, уборщица обнаружила тело 42 летнего ученого, профессора с множественными ножевыми ранениями в холле его 4-х этажного дома. Смерть наступила в результате многочисленных ножевых ранений в область груди и шеи.
"Мы полагаем, что в вестибюле этого дома произошла драка. Патологоанатомическая экспертиза подтвердила, что Гринвуд умер в результате жестокого и продолжительного нападения. Очень похоже на то, что в результате этой драки у нападавшего могут остаться ранения", - сообщил глава подразделения полиции округа по расследованию особо тяжких преступлений Крис Уорд. Вскоре следователи сообщили о задержании подозреваемого. Им оказался 26-летний мужчина, имя и род занятий которого не уточняются.

Напомним, Гринвуда знают в Великобритании как историка и коллекционера антиквариата. Его перу принадлежат более сотни статей об искусстве и 2 книги про военную историю. Гринвуд прославился как биограф, коллекционер и предприниматель на рынке произведений искусства, исторических артефактов.. Как арт-дилер Гринвуд работал с такими крупными покупателями, как Британская библиотека и музей Гетти в США. Британский коллекционер стал известен общественности после того, как у него украли экземпляр самого первого издания «Гарри Поттера». Но, в первую очередь, он был известен как историк. Его последняя книга «По Испании с Веллингтоном» (Through Spain With Wellington) - вышла в свет в марте.

[Хранитель укропа]

«Борщ и Шампанское» современного искусства

Коллекционер Владимир Овчаренко основал одну из первых в России галерей современного искусства «Риджина» и вообще внёс огромный вклад в развитие отечественных художников.

Коллекционер Владимир Овчаренко – фигура в искусстве значимая. Он основал одну из первых в России галерей современного искусства «Риджина» и вообще внес огромный вклад в развитие отечественных художников. На днях в Московском музее современного искусства открылась выставка избранных произведений из его коллекции под названием «Борщ и Шампанское». В экспозицию вошли работы как известных российских, так и зарубежных художников конца XX – начала XXI века. Для съемочной группы «МИР 24» Владимир Овчаренко лично провел экскурсию.
О том, как он собирал свою коллекцию, смотрите в видеоролике - http://mir24.tv/video_news/14209967/14208865

[Хранитель укропа]

10 частных коллекций:
Институт русского реалистического искусства Алексея Ананьева

О своем музее рассказывает миллиардер Алексей Ананьев

Увлечение живописью у Алексея Ананьева началось лет в 9, когда он устал от музыкальной школы и отправился сдавать экзамены в художественную. «Простая городская детская художественная школа №3, не при Суриковском институте; 4 года там проучился – рисунок, живопись, композиция, скульптура и история искусств, — рассказывает он, пока мы осматриваем его коллекцию. — В детстве я все что-то рисовал — войну, самолеты, пароходы. Но уже к середине обучения в школе понял, что художника из меня не выйдет и надо жизнь свою строить каким-то другим способом. Тем не менее базу, позволяющую воспринимать искусство и видеть в нём что-то, в т.ч. и своё, я благодаря художественной школе получил».

Видео: http://www.forbes.ru/milliardery-vid...kogo-iskusstva
Ананьеву есть что рассказать практически о каждой картине, выставленной на всеобщее обозрение или украшающей стены закрытых от публики пространств. Вот, например, почему работа Гелия Коржева из серии «Дон Кихот» висит в его просторном кабинете?
«Тематически эта картина совершенно не вписывается в зал Коржева в постоянной экспозиции музея. И сам Гелий Михайлович не видел места этой картине в том зале. Основу моей коллекции работ Коржева составляет его социальная серия, — объясняет предприниматель. — Но это замечательная работа, одна из лучших. Санчо Пансу Коржев писал с художника Альберта Папикяна, своего большого друга, а образ Дон-Кихота портретно напоминает отца Гелия Михайловича. Коржеву Дон-Кихот как один из последних романтиков в классической литературе был очень интересен. Может быть, при обновлении постоянной экспозиции, которая планируется до конца года, мы эту работу куда-нибудь впишем». Кстати, 18 работ Коржева из коллекции Ананьева экспонируются сейчас в Третьяковской галерее на Крымском Валу на большой персональной выставке классика, ушедшего из жизни в 2012 г.

Читать дальше... 

На стенах в переговорной тоже картины. «Здесь работы, которые в полной мере отражают все то, что есть в музее. Это Ким Бритов, представитель владимирской школы живописи, братья Сергей и Алексей Ткачевы, работа Алексея Грицая, который очевидно продолжил традицию левитановского пейзажа настроения. Ну и Николай Богданов-Бельский и его знаменитая серия «Сельские дети», конца XIX – начало XX века. А вот это – просто очень эмоциональная работа «Бегущая по волнам» костромского художника Владимира Кутилина. Автор — не академик, не член-корреспондент Академии художеств, — указывает Алексей Ананьев на большое экспрессивное полотно 1960-х с водными лыжниками. — Но эта работа очень понравилась нашим коллегам из Sotheby’s и была в Лондоне на выставке «Soviet Art. Soviet Sport». Когда смотришь на нее, хочется не идти куда-то на очередное совещание, а просто жить. Автор, конечно, перемудрил с перспективой – работа не для постоянной экспозиции. Но здесь, в переговорной, пусть радует наших гостей».

На балюстраде переговорной — рабочие эскизы диорамы «Установление советской власти в Вятке»: «Это наш современник, Николай Николаевич Соломин, замечательный художник, академик. Эту работу он написал, когда работал в студии военных художников имени Митрофана Грекова».

Музейно-выставочный комплекс «Институт русского реалистического искусства», основанный Ананьевым в 2011 г., располагается в 3-х этажном здании бывшей котельной ситценабивной фабрики Цинделя на Дербеневской набережной. Эта фабрика, основанная в 1823 г., в конце 2000-х была отреставрирована девелоперской компанией «Промсвязьнедвижимость» братьев Алексея и Дмитрия Ананьевых — теперь здесь деловой квартал «Новоспасский двор». Коллекцию живописи председатель совета директоров Промсвязьбанка начал собирать в 2000 г. Сейчас в ней более 6000 работ. Правда, в последние годы Ананьев покупает русское реалистическое искусство далеко не так активно, как в 2000-е: «Тогда было дешевле, чем сейчас. И я цены поднял, и другие коллекционеры постарались». Конкурентов на этой части арт-рынка у Алексея Ананьева немного, но они, по его словам, «достойные».

В основном коллекция миллиардера ассоциируется с русскими реалистами XX века, но нижней исторической границы для покупок у собирателя нет. «Если мне нравится картина XIX века, которая будет вписываться в коллекцию и при этом я смогу ее себе позволить, – конечно, приобрету. Не в том смысле, что какие-то работы я совсем не могу себе позволить, — уточняет он. — Просто не считаю целесообразным платить те деньги, которые за них просят». Нынешний экономический кризис, по его словам, на цены не слишком повлиял: «Люди по-прежнему хотят получать за первоклассные работы хорошие деньги. Но в кризис могут стать доступными те работы, которые раньше на продажу не выставлялись. Потенциальная возможность приобрести шедевр сейчас выше, чем в середине 2000-х».

Отбор работ для коллекции осуществляют эксперты, но окончательное решение — за Ананьевым.

«Конечно, я представляю себе, какие имена мне хотелось бы иметь в коллекции. Но сказать, что я отодвинул в сторону все остальные дела и посвятил себя поиску работ того или иного автора, нельзя. Я все же доверяю нормальному течению жизни, и все эволюционно складывается. Те работы, которые я хотел бы приобрести, так или иначе появляются в коллекции», — говорит он.

Помимо обучения в художественной школе у Ананьева была и более весомая причина сфокусироваться именно на русском реализме, а не на авангарде: «Мне авангард понятен, многие работы — это действительно произведения искусства. Но я не стал коллекционировать авангард по следующим причинам: до меня его собирали очень многие; большая часть работ находится в музеях; кроме того, к большому сожалению, авангард стал популярен несколько ранее, чем я принял решение коллекционировать; еще один контраргумент — большое количество подделок. Если бы я принял решение собирать авангард, то, скорее всего, получилась бы очень небольшая коллекция работ первого уровня. А тратить время на формирование вторичной коллекции смысла, мне кажется, нет».

«Так что кубизма в этом музее нет, должен вас разочаровать, — добавляет он с улыбкой. — Но мне не скучно в окружении реализма. Он же разный».

Мы спускаемся в лифте на 2-й этаж. «С учетом того, что мы делаем ремонт, у нас выставлено примерно 400 работ в постоянной экспозиции», — рассказывает хозяин. Билеты в музей платные, но основное финансирование все равно обеспечивает Ананьев: «Это ежемесячные денежные инъекции для поддержки инфраструктуры, коллекции и коллектива. Бюджет меняется от месяца к месяцу в зависимости от того, проводим ли выставки, печатаем ли каталоги и прочее». Размер этих затрат миллиардер не раскрывает.

Основной источник пополнения коллекции Ананьева – это личные контакты с художниками и их семьями: «На аукционах тоже много было куплено. Но более 50% коллекции – результат личного общения».

Нетрудно заметить, что сам процесс общения с художниками миллиардеру нравится не меньше самих картин.

Вот, например, история покупки первой знаковой работы для его собрания – «Свадьбы» Юрия Кугача. Однажды Ананьев пришел в Третьяковскую галерею и увидел там работу Кугача «Перед танцами», которая ему очень понравилась. Он поинтересовался у одного из коллег, который помогал ему устанавливать контакты с художниками: «Разве работы такого уровня еще можно купить?» «Можно, — ответил тот. — У Кугача есть еще «Свадьба», тоже музейного уровня. Нужно только пообщаться с его сыном, Михаилом Юрьевичем, тоже художником» (Кугач-отец в то время уже жил на академической даче, а «Свадьба» хранилась в мастерской сына на Масловке).

Ананьев лично приехал к Кугачу-младшему и долго беседовал с ним о художественном творчестве. В результате начинающему коллекционеру удалось приобрести большое количество работ и Юрия, и Михаила Кугачей. «А Михаил Юрьевич специально для нас написал «Возвращение» – это повтор его, на мой взгляд, одной из самых удачных работ, — рассказывает Ананьев. — Она хороша тем, что это не банально-заказная работа про войну – в ней нет выдуманного, показного героизма. Простой русский мужик, мужичонка даже, я бы сказал, в гимнастерке, со спины. Он возвращается с войны, а на том берегу реки его ждут жена с сыном. И торжество природы. Небо, свет…Я увидел первый вариант этой работы в мастерской, он был поменьше размером, и мы сразу договорились с Михаилом Юрьевичем, что он сделает для нас еще один авторский вариант, с небом побольше. И по идее, и по исполнению это одна из лучших его вещей».

Мы заглядываем в зал, где идет ремонт: в конце апреля здесь откроется персональная выставка живого классика Виктора Иванова, одного из основателей «сурового стиля». «Человеку 91 год с половиной, и он работает! И очень хорошо работает – у него прекрасный глаз и твердая рука, — восхищается Ананьев. — Зимой не пишет, но летом уезжает к себе в рязанскую деревню и привозит оттуда большое количество работ, причем не вторичных, отличного уровня. Виктор Иванович максималист, на выставку предоставил 400 своих вещей. Мы, конечно же, все здесь не повесим – просто не поместится. Но порядка 60-80 обязательно получится».

На первом этаже сейчас проходит выставка живописи и графики 1920-1990 г. «Россия в пути. Самолетом, поездом, автомобилем». Идея сделать этот проект совместно с несколькими музеями появилась у коллекционера и арт-директора Института русского реалистического искусства Надежды Степановой года полтора назад. А весной прошлого года к ним обратились итальянские коллеги из Palazzo del Exposizione и фонда Arco с предложением сделать выставку, которая могла бы открыться осенью в Риме. По оценкам итальянских организаторов, ее посетило около 100 000 человек. «Итоги московской выставки пока еще рано подводить. Но свой внутренний рекорд мы уже побили. В первый год работы у нас через музей проходило около 15 000 человек. Уже сейчас на «Россию в пути» пришло больше народа».

На этой выставке экспонируются 2 картины Георгия Нисского – одни из самых дорогих в коллекции Ананьева. «В пути» стала эмблемой выставки. «Все ожидали, что я буду биться за нее на Sotheby’s, но я биться не стал, а купил её после аукциона. Интерес к ней на торгах проявился, но по тем или иным причинам люди её купить не смогли, и это сделал я», — рассказывает бизнесмен. В аукционах он обычно участвует по телефону, но в тот раз поехал в Лондон лично убедиться, что это именно та работа, которая ему нужна.

А вот за работу Нисского «Над снегами» Ананьев на Sotheby’s торговался всерьез: при оценке в 500 000 фунтов картина досталась ему за полтора миллиона.

«Не могу сказать, что это обыденная вещь – платить такие деньги за картину. К тому же не так много работ, которые находятся в доступе и могли бы быть так оценены. Но когда я торговался за нее, то понимал, что эта работа должна оказаться у нас – и сколько бы они ни стоила, она будет положительно влиять на коллекцию и экспозицию музея», —комментирует Ананьев.

Мы проходим мимо триптиха Андрея Волкова «Утро», который в начале 1990-х украшал кабинет вице-премьера Егора Гайдара, но затем вернулся к автору. Ананьев говорит, что и на выставки музей старается заимствовать работу напрямую у художников.

«Я покупаю и экспонирую русских художников потому, что они понятны. Творчество американских или, если такие есть, индийских реалистов, наверное, тоже было бы мне понятно. Но только их произведения, очевидно, не будут иметь никакой связи с моей жизнью, — рассуждает миллиардер. — Большинство картин, которые мы здесь видим, так или иначе отражают действительность, в который вы и я росли, даже если мы застали только отголоски прошлой жизни. Это единая материя искусства».

Впрочем, дома у председателя совета директоров Промсвязьбанка висит несколько картин бретонского художника XIX века.

Его пейзажи Бретани напоминают Ананьеву ту Атлантику, которую он знает по любимой Португалии. Но в музейную экспозицию эти полотна никак не вписываются.

Порой к Ананьеву обращаются аукционные дома с предложением выставить что-то на продажу, но он пока на это не соглашался. «Мне было бы приятно, если бы мои дети тоже продолжили коллекционировать и восприняли бы коллекционирование и это направление живописи как что-то близкое им и понятное, — говорит он. — Младший еще школьник, средний учится в университете, а старший сын уже работает. Им здесь нравится, они бывают на открытии всех выставок и приезжают сюда время от времени и без повода. И я интересуюсь их мнением — что им нравится и не нравится. Но они пока очень осторожно относятся к коллекционированию. Может быть, потому, что им кажется, что я пока сам активно занят собирательством и они не хотят каких-то интерференций».

В художественную школу дети Алексея Ананьева, в отличие от отца, не ходили. «И талантов как-то не наблюдалось, и мыслей таких не возникало. Они росли в 1990-е. Наверное, художественные школы тогда работали, но я как-то не думал об этом в те времена», — улыбается предприниматель.

- Гелий Коржев «Дон Кихот и Санчо», 1987 Фото Института русского реалистического искусства
- Владимир «Кутилин Бегущая по волнам», 1959 Фото Института русского реалистического искусства
- Юрий Кугач «Свадьба», 2000 Фото Института русского реалистического искусства
- Георгий Нисский «Над снегами», 1964 Фото Института русского реалистического искусства
- Георгий Нисский «В пути», 1958-1964 Фото Института русского реалистического искусства

[Угрюмый]

Выставка «До востребования» в Еврейском музее и центре толерантности

В Еврейском музее и центре толерантности при поддержке фонда Михаила Гуцериева САФМАР открылась масштабная выставка русского авангарда из коллекций региональных музеев. Рассказывает ВАЛЕНТИН ДЬЯКОНОВ.

В июне прошлого года Еврейский музей представил обновленную версию Центра авангарда. Самая первая под руководством Александры Селивановой успела отметиться впечатляющей выставкой "Авангард и авиация", занявшей в 2014 году почетные места в списках лучших выставок года. После увольнения Селивановой центр, казалось, не возродится, но в 2015 году место директора занял Андрей Сарабьянов, основатель издательства RA и крупнейший специалист по авангарду. "До востребования" — наглядный результат его работы: более ста картин, скульптур и графики из 19 городов России. Правда, некоторые музеи уже привозили сокровища XX века в Москву, например в рамках многолетнего проекта Третьяковской галереи "Золотая карта России", но выставок, посвященных только авангарду из провинции, не было.

Перед нами — следствие грандиозной образовательной инициативы первых лет советской власти. Музейное бюро при отделе изобразительного искусства Наркомата просвещения закупило 1926 работ у представителей левых течений с целью распространить их по всей стране, начиная с городов, где уже были художественные училища. Авангард должен был служить образцом нового, революционного искусства и вплоть до конца 1920-х действительно использовался в этом качестве, не создав, однако, почти нигде мощных местных школ. Затем пришли 30-е — с запретом художественных объединений и единым стилем, вещи отправились в запасники, а некоторые и на помойку. Востребованными они оказались сначала в 60-е, когда западный мир снова осознал историческое значение русского авангарда, а потом уже в перестройку на родине. С тех пор вышло множество монографий, сделаны сотни выставок, но название экспозиции в Еврейском музее все еще остается актуальным: авангарду еще не удалось добиться сколько-нибудь устойчивого места в общем культурном коде. Вернее, из него не удавалось еще сделать зрелище, и выставка в Еврейском музее вроде бы должна эту ситуацию изменить. Оттого-то здесь не только новые для зрителей имена, но и вполне хрестоматийные работы — сиреневое "Море" Михаила Ларионова и "Двойной автопортрет" Виктора Барта напечатаны во всех сколько-нибудь подробных книгах, не говоря уже о супрематических композициях Малевича.

Что касается зрелищности, то архитектура выставки и сам принцип экспонирования действительно производят впечатление. Это полная противоположность обычным способам показывать искусство. Три громадные стены с бордюрами на уровне глаз покрашены в пастельные тона. Нижняя граница рам располагается примерно там, где в традиционных музеях заканчивается верхняя. Картины висят почти сплошным узором, напоминающим кирпичную кладку. Даже если зритель способен сконцентрироваться на одной детали, в поле зрения попадает с десяток других — на соседних полотнах. Архитектор выставки Кирилл Асс объясняет, что дополнительные стены в выставочном помещении строить нельзя, а идею установить лестницы, как в архивах и библиотеках, музей отверг из соображений безопасности. Асс сравнивает свое произведение (а он тут, безусловно, соавтор художников) с Северным вокзалом и Осенним салоном в Париже.

Не совсем ясно, почему в качестве источника вдохновения выбран образчик индустриального классицизма, законченный в 1864 году, за десять лет до первой выставки импрессионистов в мастерской Надара на бульваре Капуцинок. Фотографий Осеннего салона, давшего пристанище многочисленным "измам" начала XX века, где бы полотна висели так высоко, корреспонденту "Ъ" обнаружить не удалось.

Все это очень напоминает тотальную инсталляцию живого классика московского концептуализма Ильи Кабакова "Где наше место?" 2003 года. Там зрители оказывались на выставке плохих фотографий разнообразных архитектурных памятников советской эпохи, а рядом с посетителями высились громадные ноги гигантов в нарядах XIX века. Кабаков прозрачно намекал на то, что мы пигмеи по сравнению с великим искусством и выдающимся зрителем прошлого. Кирилл Асс вольно или невольно стоит на том же, превращая русский авангард в разноцветную плитку, чисто декоративное искусство. Правда, на первых выставках "Бубнового валета" картины тоже демонстрировались сплошной лентой, и плюсом экспозиции можно было бы считать демонстрацию авангарда как единого и неразрывного течения от символизма до супрематизма. Для второй части "До востребования" можно пойти еще дальше и стилизовать все не под салон картин, а под салон обоев — снять полотна с подрамников и натянуть на валики, согласовав по цвету и фактуре. Жаль, состояние вещей не позволяет таких экспериментов, хотя Еврейский музей и так вложился в реставрацию нескольких картин на выставке.

Подробнее:http://www.kommersant.ru/doc/2961340

[Хранитель укропа]

Киев пообещал вернуть голландские картины Нидерландам после экспертиз

Голландские картины, украденные в 2005 году и найденные недавно Службой безопасности Украины, будут возвращены Нидерландам, сообщил министр иностранных дел Украины Павел Климкин.

"Что касается передачи, то конечно, это должно происходить в соответствии с установленными процедурами - сначала экспертиза, потом совместная с голландцами экспертиза, а потом по соответствующей процедуре картины будут передаваться назад. Очень надеюсь, что когда-нибудь мы вместе с голландцами сможем увидеть эти картины", - сказал Климкин на встрече с представителями бизнеса, организованной "Европейской бизнес-ассоциацией" в Киеве в понедельник.

По его словам, остальные картины находятся, по некоторой информации, на не подконтрольной Киеву территории Донбасса, "возможно, под контролем криминальных группировок".

Министр подчеркнул, что 2 картины были найдены непосредственно перед референдумом в Нидерландах, но было принято решение не объявлять об этом.

"Если бы эта информация пошла дальше, то шансы найти остальные картины были бы минимальными. Поэтому было принято решение - и я считаю, что очень ответственное, работать дальше, без лишнего пиара, только бы не навредить поискам остальных картин. Насколько я знаю, многие политики из Нидерландов положительно оценили это решение, насколько оно было ответственным, а также то, что несколько месяцев продолжалась эта действительно сложная операция", - рассказал Климкин.

[Хранитель укропа]

10 частных коллекций: галерея «Эритаж» Кристины Краснянской

Forbes продолжает серию историй о создателях частных коллекций, открывших публике доступ к своим собраниям.

Галерист Кристина Краснянская провела экскурсию по выставке советского модернизма и рассказала о мотивациях коллекциониров.
http://www.forbes.ru/forbeslife-vide...y-krasnyanskoi

Кристина Краснянская — дочь известного предпринимателя Георгия Краснянского (бывший партнер Филарета Гальчева 47 он ныне возглавляет совет директоров угольной компании «Каракан инвест»). Она курирует сразу 3 коллекции — семейную, личную и галерейную. «Семейная коллекция начала формироваться лет 15 назад. Мы как-то попали в общую тенденцию, когда все стали покупать искусство, — рассказывает Кристина Краснянская. — Но есть какие-то вещи, которые я сейчас покупаю для себя. Это непростой процесс, поскольку нужно все время отделять себя как коллекционера от себя как галериста».

Начинали Краснянские, как многие российские коллекционеры, с классической русской живописи XIX-XX века – Айвазовский, Жуковский, Мещерский, Кончаловский, Кустодиев. Галерея «Эритаж», которую Кристина открыла на Петровке в феврале 2008 г., сперва специализировалась на художниках русского зарубежья. Но лет 5 назад девушка увлеклась дизайном. «Родители интересуются дизайном в меньшей степени, хотя у них тоже есть предметы скандинавского модерна. Мне кажется, в России люди только-только начали в эту тему погружаться», — говорит Кристина.

Сама она пошла в своем увлечении еще дальше и к европейскому дизайну добавила предметы, созданные в СССР. Когда мы встретились в «Эритаже» на выставке «Советский модернизм – феномен культуры и дизайна XX века», там как раз демонстрировались вещи из ее личной коллекции.
По словам Краснянской, до нее советской мебелью как таковой российские коллекционеры практически не занимались.

Задачу своих музейных проектов девушка видит в том, чтобы «показать советское не по-советски». Ей нравится интегрировать советский дизайн в международный контекст.

Читать дальше... 

С этой целью Краснянская уже не первый год вывозит вещи из своего собрания на престижную международную ярмарку Art Basel Miami. Многие экспонаты – настоящая редкость, и западные кураторы это ценят, говорит она: «У меня есть 23 предмета из дома-коммуны в Смоленске конца 1930-х гг., сделанные ленинградским скульптором Крестовским, это такой переход от конструктивизма к позднему ар-деко. Недавно я их выставляла на Art Miaimi Basel – это был проект, посвященный культурному феномену домов-коммун. Ко мне после этого обратились из лондонского Музея Виктории и Альберта с предложением сделать совместный проект. На все, что связано с агитационным дизайном, иностранцы мгновенно реагируют».

Ее коллекция дизайна насчитывает уже несколько сотен экземпляров. «Есть достаточно внушительная коллекция мебели — конструктивистские объекты Бориса Иофана 1929 г., в частности, его знаменитый стул из Дома на набережной, уникальные авторские предметы агитационного дизайна из дома-коммуны 1937 г.; есть авторские вещи сталинского ампира, есть советское ар-деко Николая Лансере, которое будет выставлено у нас в мае — и заключительный большой стиль, который выставлен сейчас: так называемый советский модернизм, с 1955 по 1985 гг., — перечисляет Кристина, проходя по выставочному залу. — Как раз в начале этого периода появляются так не любимые многими хрущевки – и вместе с ними новый стиль. Прежде всего, это малогабаритная мебель, которая была бы удобна в маленьких квартирах».

Советский модернистский дизайн, надо сказать, на рынке встречается редко – по словам Краснянской, за исключением раритетов музейного уровня, мебель 1960-х часто выбрасывали на свалки, сжигали, отправляли на дачи. Но ей повезло с партнерами: «Когда мы начинали заниматься этой темой, то очень плотно сотрудничали со Строгановской академией, на базе которой в свое время был создан экспериментальный цех. Там делали образцы, которые выставлялись на 3-х основных выставках, посвященных новому дизайну — 1958, 1964 и 1967 гг.»

«Когда мы в первый раз ехали на Art Miami Basel, то в Строгановке нам помогли найти вещи с этих выставок, которые после показов распределялись по дачам и квартирам тех, кто мог себе это позволить. Так у нас оказались вещи из этих квартир - прототипы, которые делались из более качественных материалов, чем в массовом производстве. Но мы не отказываемся и от мебели массового производства, потому что ее сегодня практически не сохранилось».

Советская мебель у Краснянской выглядит не по-советски во многом благодаря качественной реставрации. «У нас нет задачи один в один повторить ткани, которые использовались в оригинале, - говорит она. - Конечно, подбираем так, чтобы сохранился дух времени, ощущение эпохи – но эти вещи получают уже новое прочтение благодаря какому-то игровому моменту. Например, вот эти стулья конца 1960-х – начала 1970-х обтянуты тканью Loro Piana, которую трудно было бы представить себе в Советском Союзе». Стулья входят в ее собственную коллекцию и уже участвовали в нескольких выставках.

В новой квартире Краснянской тоже стоит пара советских кресел – она видит в них «определенный шик». Многие предметы модернистской мебели, представленные в ее галерее, нетрудно спутать со скандинавским дизайном, очень востребованным в последнее время на арт-рынке.
За те 4 года, что она собирает мебель и предметы интерьера, скандинавский дизайн 1950-1960-х вырос в цене в 3 раза.

В вещах с пометкой «сделано в СССР» Кристина тоже видит инвестиционный потенциал: «Безусловно, к советскому дизайну интерес нарастает. Коллекционные супер-вещи, которых на рынке практически нет, всегда востребованы и стоят дорого. Но я уверена, что вещи, которые массово производились и на этой выставке присутствуют просто как отражение эпохи, рано или поздно тоже будут цениться».

Пожалуй, самые впечатляющие объекты из личной коллекции Краснянской, представленные здесь – это советское художественное стекло. «Я считаю, что в отличие от фарфора, эта ниша еще не настолько популяризована. Начнем с того, что художественное стекло воссоздала Вера Мухина, автор «Рабочего и колхозницы» и гранёного стакана. С 1934 г. она возглавляла экспериментальный цех на Ленинградском зеркальном заводе. У меня есть ее совершенно потрясающая ваза из плексиглаза конца 1940-х», — говорит она.

В «Эритаже» Кристина выставила стеклянную вазу конца 1960-х с основанием в форме линейных изоляторов и выгравированными по кругу ЛЭП. Автор – эстонская художница Хелен Пыльд, работавшая в том самом экспериментальном цехе Ленинградского зеркального завода. «Потрясающая вещь — тонкая работа и при этом производственный месседж, — комментирует Кристина. — Тираж был очень маленький, такие вещи стоят всего в нескольких музеях. Чистое искусство!» К той же категории она относит и триптих конца 1970-х с неожиданно актуальным названием «Украинское восстание» – мощные выразительные вазы из экспериментального двуслойного красно-белого стекла, напоминающаего о работах Эмиля Галле. Краснянская нашла их в частном собрании на Украине: «Они не использовались в быту — стояли как арт-объект. На Украине было несколько производств стекла, в Киеве и в других местах».

Сама Кристина родилась в Киеве, как и ее мать, и первая вещь в их семейной коллекции искусства как раз оттуда: акварель работы Тараса Шевченко с киевским видом – главный украинский поэт был еще и художником. За полтора десятка лет им удалось собрать коллекцию русской живописи и графики, как говорит Краснянская, музейного уровня. Она мечтает однажды показать все семейное собрание в каком-то из крупных музеев. Площадей её галереи на это просто не хватит: семейное собрание Краснянских содержится в 4-х хранилищах — 3 в Москве и 1 в Женеве.

Оценочную стоимость коллекции Краснянская не называет, равно как и не раскрывает расходы на ее формирование. В ее галерее работает 5 человек, но все решения о покупке или продаже объектов она, будучи искусствоведом по образованию принимает сама. Разве что с друзьями-коллекционерами советуется по поводу подлинности или ценоообразования, если есть какие-то сомнения. И в аукционах в последнее время участвует только через представителей, а не лично – говорит, что эмоциональная атмосфера там как в казино, отчего легко можно вылететь из заранее спланированного бюджета.

Пока большой семейной выставки не случилось, Краснянская показывает в «Эритаже» всем желающим экспонаты из собственного собрания предметов дизайна и коллекций её друзей. Платы за посещение она не берет.

Еще одна особенность галереи Краснянской – это ужины коллекционеров. «На Западе так делается часто, а мы были одни из первых в России. Цель – чтобы частные коллекционеры показали свои приобретения в приятной обстановке, - рассказывает она, когда наша экскурсия подошла к концу. - Мы делали серьезную музыкальную программу для этих встреч. Тут выступали Юрий Башмет, Денис Мацуев, Любовь Казарновская, Владимир Спиваков и мой хороший друг Юрий Розум. Коммерческих целей никаких не было – просто жест со стороны галереи. Любому колллекционеру, что бы он там ни говорил, хочется похвастаться своими приобретениями».

Виктор Пивоваров, «Абстрактная композиция. Диптих» 1979, оргалит, нитроэмаль
Ваза «Электрификация». Автор Х.Пыльд, Ленинградский завод художественного стекла, 1968
Вазы, триптих. Тема «Украинское восстание». Конец 1970-х

[Хранитель укропа]

Россия посмотрит в лицо Великобритании

Национальная портретная галерея открывает выставку в Третьяковке

В Третьяковской галерее на Лаврушинском переулке открывается масштабная выставка портретов из собрания лондонской Национальной портретной галереи, многие из которых никогда не покидали границы Великобритании, под названием «От Елизаветы до Виктории». С этого проекта в России официально стартует перекрестный Год языка и литературы Великобритании и России, проходящий при поддержке Британского союза.

В 2016 г. свое 160-летие со дня основания отмечают Государственная Третьяковская галерея в Москве и Национальная портретная галерея в Лондоне. Две масштабные обменные выставки – «Россия и искусство: век Толстого и Чайковского» и «От Елизаветы до Виктории» – приурочены не только к юбилейным датам, но и Году языка и литературы Великобритании и России.

В Москву отправились 49 живописных работ, среди которых оказались портреты королевы Елизаветы I и королевы Виктории (в честь которых и названа выставка), Оливера Кромвеля, Горацио Нельсона, Исаака Ньютона, Джеймса Кука, Уильяма Шекспира, Роберта Бёрнса, Джорджа Г. Байрона, Вальтера Скотта, Джерома К. Джерома и многих других. Герои этих портретов –– знаковые фигуры для британской истории и культуры. Экспозиция также представляет собой панораму развития английской портретной живописи на протяжении более 300 лет. Среди этих портретов есть совершенно уникальные образцы. Так, например, на выставке можно будет увидеть знаменитый ростовой прижизненный портрет королевы Елизаветы I, так называемый «Портрет из Дичли». На этом полотне кисти Маркуса Герартса Младшего Елизавета стоит на географической карте Англии. В помещенном с правой стороны сонете королева именуется «повелительницей света». Залы экспозиции Лондонской национальной портретной галереи портрет Уильяма Шекспира, первое произведение, подаренное галерее в 1856 году по случаю ее основания, почти не покидал. С портретом знаменитой куртизанки Китти Фишер (1765, Н. Хоун) соседствует театрализованный портрет лорда Байрона (1835, Т. Филлипс). На необычном двойном портрете — образы Джозефа Чемберлена и Артура Бальфура (ок.1895, С. П. Холл), лидеров двух противоборствующих политических партий.

Читать дальше... 

С 22 апреля по 14 июля будет также проходить лекционная программа «400 лет истории Великобритании в портретах». Британский совет организует серию из 11 открытых вечерних лекций с участием ведущих писателей, кураторов, журналистов и ученых Великобритании и России. Свои лекции прочтут специалисты из Британии: Би Ролатт, Тим Марлоу, Клер Томалин, ведущий исследователь творчества Шекспира Эндрю Диксон, валлийский генетик Стив Джонсон, писатель-мультипликатор Мартин Роусон. Также в стенах Третьяковки выступят филологи, литературоведы и кураторы из России: Дмитрий Копелев, Андрей Аствацатуров, Дмитрий Иванов и Ольга Дмитриева. Круг тем затронет историю английской неокуртуазной культуры, путешествия текстов Шекспира по миру, роль женщины в XVIII веке и зарождении феминизма, жизнь Джеймса Кука и развитие Великобритании как морской державы, теорию Дарвина, викторианскую литературу и многое другое.

Образовательная программа откроется 22 апреля обзорной лекцией старшего куратора лондонской Национальной портретной галереи Питера Фаннелла об истории создания галереи, о том, как формировалась ее коллекция и какой облик она обрела в настоящее время.

Коммерсант.ru Елена Кравцун

[Хранитель укропа]

.. чем больше гипотез,
тем меньше истины..

Итальянский ученый увидел в "Джоконде" любовника Леонардо да Винчи

Итальянский ученый Сильвано Винчети (Silvano Vinceti) предположил, что на полотне «Джоконда» живописец Леонардо да Винчи изобразил андрогина — полумужчину, полуженщину. В портрете Лизы Герардини он нашел черты предполагаемого любовника художника и его подмастерья Джан Джакомо Капротти, больше известного как Салаи (Дьяволенок).
Об этом сообщает The Independent.

Винчети провел инфракрасный анализ полотна и установил, что «Мона Лиза» объединяет в себе обе модели — и Лизу Герардини, и Салаи. Сходство с юношей обнаруживается, в частности, в улыбке Джоконды.

Другие искусствоведы не согласились с выводами Винчети. Ведущий эксперт по творчеству да Винчи Мартин Кемп назвал его исследование «смесью известного, полуизвестного и вымышленного». «Инфракрасный анализ в данном случае не может подтвердить, что на картине есть Салаи», — подчеркнул он.

Полное название «Моны Лизы», или «Джоконды», — «Портрет госпожи Лизы Джокондо». Картина написана Леонардо да Винчи в 1503-1505 годах. Принято считать, что на полотне изображена супруга торговца шелком из Флоренции Лиза Герардини.

Подмастерье Салаи, как предполагают ученые, начал работать у Леонардо в возрасте 10 лет. Их интимная связь не подтверждается.