Вернуться   Форум по искусству и инвестициям в искусство > Русский форум > Арт-калейдоскоп

Арт-калейдоскоп Интересные и актуальные материалы об искусстве. Обсуждение общих вопросов искусства и любых тем, не попадающих в другие тематические разделы. Здесь только искусство! Любовь, политика, спорт, другие увлечения — в «Беседке».

Ответ
 
Опции темы Опции просмотра
Старый 25.03.2017, 12:28 Язык оригинала: Русский       #941
Гуру
 
Аватар для Sevrov7
 
Регистрация: 30.10.2015
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 1,253
Спасибо: 1,764
Поблагодарили 1,114 раз(а) в 642 сообщениях
Репутация: 1901
По умолчанию Художник Бэнкси в палестинском Вифлееме.

Уличный художник Бэнкси, расписал все без исключения апартаменты "Отеля в застенках" в палестинском Вифлееме.
На мой взгляд, интересно.


https://www.google.ru/url?sa=t&rct=j...pBTiVg&cad=rjt
__________________
..если.. имею всякое познание..,а не имею любви,-то я ничто




Последний раз редактировалось Sevrov7; 25.03.2017 в 19:17.
Sevrov7 вне форума   Ответить с цитированием
Эти 2 пользователя(ей) сказали Спасибо Sevrov7 за это полезное сообщение:
Угрюмый (27.03.2017), Хранитель укропа (26.05.2017)
Старый 27.03.2017, 13:17 Язык оригинала: Русский       #942
Пользователь
 
Аватар для Угрюмый
 
Регистрация: 15.03.2012
Адрес: Москва
Сообщений: 89
Спасибо: 594
Поблагодарили 185 раз(а) в 68 сообщениях
Репутация: 369
По умолчанию Выставка Константина Сомова в Санкт-Петербурге

Революция закинула в XVIII век Константина Сомова и его работы.
В KGallery в Санкт-Петербурге открылась сколь долгожданная, столь и неожиданная выставка Константина Сомова — одного из самых известных и самых непонятых мирискусников. Рассказывает КИРА ДОЛИНИНА.
Монографических выставок Константина Сомова (1869-1939) не было с 1971 года, основная обойма текстов о художнике относится также к 1970-м. Умная, внимательная и острая "Короткая книга о Сомове" Галины Ельшевской (2003) действительно коротка и с сознательными лакунами ("без биографических подробностей"), которые не дают назвать ее исчерпывающей. Что, впрочем, хорошо: исчерпать Сомова оказывается не так легко, как казалось в 1970-х. Тогда он проходил как чистый мирискусник, самый виртуозный из них, педант и перфекционист, любимец публики и самоед, певец и маркиз кринолинов, поцелуев и всяческого рококо, переживший свой расцвет в 1900-х и увядший под самоповторами в эмиграции. Такому видению было много причин — от тьмы идеологических и "обличающих" гомосексуальность художника купюр в томе его писем и дневников (1979) до естественного неведения советских искусствоведов о том, что, собственно, делал Сомов в 1920-1930-е годы. Переиздание сомовских материалов полностью и с обновленным научным комментарием — дело будущего, а вот первую внятную попытку показать Сомова "целиком" сделала KGallery.
Эта галерея регулярно сочиняет большие экспозиции, посвященные мастерам Серебряного века, в которых участвуют не только коллекционеры, но и государственные музеи. На этот раз на выставке собраны работы из Государственного Русского музея, Санкт-Петербургского государственного музея театрального и музыкального искусства, Музея-квартиры им. И. И. Бродского, Музея Анны Ахматовой в Фонтанном доме, а также из нескольких десятков частных собраний Европы, Санкт-Петербурга и Москвы.
Для Русского или Третьяковки такая выставка (около сотни работ) считалась бы маленькой. Для частной галереи в несколько залов она очень велика. Но, что гораздо важнее, она очень трудозатратна. Тут нет хрестоматийных музейных полотен, но есть вещи, отвечающие за большинство жанров, техник и периодов. Портреты, пейзажи, жанровые сцены, виньетки, театральные афиши, иллюстрации; живопись, рисунок, гравюра, фарфор, книги; ранние домашние скетчи, мирискуснические вещи, натурные зарисовки, портреты эмигрантского периода, поздние сомовские иллюстрации ("Манон Леско", 1927; "Дафнис и Хлоя", 1931), увесистый корпус мужских ню 1930-х годов. Работы в большинстве своем небольшие, цвета, как водится у Сомова, приглушенные, карнавал пастельный, эротизм слишком галантный, чтобы быть эротизмом сегодня, пейзажи скромны, будто все сделаны на соседской даче, и только портреты, жесткие, некомплиментарные, холодные до ледяного портреты бьют наотмашь.
Особенность Сомова среди его современников остро ощущается, когда начинаешь читать их слова о нем. Тут все смешивается — и те, кто любит-обожает, и те, кто ненавидит, употребляют схожую лексику. Отец художника, хранитель Эрмитажа, коллекционер и тонкий знаток, ужасался опусам сына: "Что за фигуры урода с двухсаженными ногами и девочки с четырехсаженными, будто сидящие на лугу, а на самом деле лезущие вперед из картинной плоскости? Что это за луг, однообразно выкрашенный вблизи и вдали в яркую зеленую краску?" Уродов мы встретим и на восторженных страницах Бенуа, для которого его друг еще по гимназии Мая есть "настоящий, драгоценнейший алмаз". У Сомова по Бенуа "болезненность того же высокого качества, того же божественного начала, как болезненность некоторых экстатиков, пожалуй, даже и пророков. В их странной смеси уродливого и прекрасного, удивительного совершенства и странной немощи обнаруживается трагедия человеческой души...". Сотрудничавший с Сомовым и очень высоко его почитавший Михаил Кузмин за "пестротой маскарадных уродцев" видит "автоматичность любовных поз, мертвенность и жуткость любезных улыбок", "ужасное зеркало", "насмешку, отчаяние и опустошенный блеск", саму Смерть, наконец. Но и взбешенный проклятыми декадентами Стасов видит почти то же самое: "Противные куклы в громадных фижмах и париках, с уродливыми заостренными вниз лицами, раскоряченными ногами, с отвратительно жеманными позами и движениями, с намазанными лицами, с прескверно нарисованными глазами, ушами, носами и пальцами и с улыбками кадавров". Знаки плюс и минус тут разные, конечно, но попадание в нерв коллективного бессознательного эпохи оказывается идеальным. Вот это вот ""Красота страшна" — Вам скажут...", это уродство в прекрасном, манерность игр со смертью и неверие в прекрасное будущее, впрочем, так же как и в беззаботное прошлое, поэтика тотального обмана, ускользание реальности — это Сомов Блока и Кузмина.
Фривольность галантных сцен и вообще XIX век сослужили Сомову дурную службу. В эмиграции заказчики требовали от него узнаваемого: "порядочная пошлость эти мои картины, но все хотят именно их"; "опять условие: XVIII век — так, верно, и умру я в XVIII веке!". На родине советское искусствознание запихнуло его в пассеисты так глубоко, что никто не захотел увидеть в нем одного из самых мрачных, самых отчаянных русскоязычных певцов Эроса и Танатоса в их неразрывной связи. Человек мал перед этими силами, художник мал и слаб. Современники видели это куда четче. Остроязыкая Нина Берберова оставила вылитую в граните формулу Сомова: "Тишайший, скромнейший в своих одиноких вкусах хрупкий художник". Мы не видим этого на больших, парадных и смешанных выставках "Мира искусства". А вот один на один с Сомовым — видим.

http://www.kommersant.ru/doc/3253813
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 01.jpg
Просмотров: 60
Размер:	50.5 Кб
ID:	3178372   Нажмите на изображение для увеличения
Название: 02.jpg
Просмотров: 92
Размер:	33.4 Кб
ID:	3178382   Нажмите на изображение для увеличения
Название: 03.jpg
Просмотров: 131
Размер:	44.6 Кб
ID:	3178392  



Угрюмый вне форума   Ответить с цитированием
Эти 4 пользователя(ей) сказали Спасибо Угрюмый за это полезное сообщение:
Flora (27.03.2017), Sevrov7 (31.03.2017), volodek (04.04.2017), Хранитель укропа (26.05.2017)
Старый 31.03.2017, 11:51 Язык оригинала: Русский       #943
Пользователь
 
Аватар для Угрюмый
 
Регистрация: 15.03.2012
Адрес: Москва
Сообщений: 89
Спасибо: 594
Поблагодарили 185 раз(а) в 68 сообщениях
Репутация: 369
По умолчанию Армянский импрессионизм. От Москвы до Парижа

Передвижники в сторону Парижа
Анна Толстова о том, чем был импрессионизм для армянской живописи
В Музее русского импрессионизма открывается выставка "Армянский импрессионизм. От Москвы до Парижа". Около шестидесяти работ двадцати армянских художников приедут в Москву из Национальной галереи Армении, Музея русского искусства Еревана и частных коллекций

"Париж создал импрессионизм, который так сильно повлиял на мировую живопись. Живопись вошла в быт, почти полностью освободившись от литературно-иллюстративных элементов. Импрессионисты основное внимание обратили как раз на живописность, считая излишним растянутый сюжет. Пейзаж и натюрморт в первую очередь дали возможность создать подобную систему живописи",— писал Мартирос Сарьян в воспоминаниях. В 1926-1928 годах он жил в Париже, готовя персональную выставку, и мог наблюдать импрессионизм и его всемирно-историческое влияние in situ. Выставка открылась в самом начале 1928-го, текст в каталог написал критик Луи Воксель — тот самый, злоязыкий, который придумал прозвище "диким" фовистам.

Казалось бы, какой Сарьян импрессионист? Скорее постимпрессионист или даже экспрессионист, если считать фовизм французским аналогом дикарской живописи немецкой группы "Мост". Но для него самого, судя по мемуарам, в выражении "французские импрессионисты" содержатся все "пост-" и "экс-", весь Сезанн и весь Матисс, оно становится синонимом модернизма как такового. В 1924-м, участвуя в Венецианской биеннале, он имел успех, привлек внимание итальянской прессы и в одном интервью высказал то, что уже через десять лет станет в СССР страшной крамолой: "Для современного искусства большое значение имеют французские импрессионисты. Работы последних, как и работы всех первоклассных художников Западной Европы, в довольно значительном количестве имеются в России, у известных коллекционеров. Как во всем мире, так и в России под влиянием французских импрессионистов созданы новые формы живописи. Их огромное влияние на наше искусство еще продолжается".
Для Сарьяна, как и для многих армян — подданных Российской империи, путь в Париж лежал через Москву — с ее более либеральными, нежели петербургская Императорская академия, учебными заведениями, где приветствовались парижские вольности, и купеческими коллекциями новейшего французского искусства. И описывая годы учения в реформированном Московском училище живописи, ваяния и зодчества, Сарьян упрямо гнет эту свою французскую линию: "Передвижники, очень способствовавшие развитию русского искусства, уже вышли из моды. Молодежь увлекалась новаторами, считая их более передовыми и интересными. Влияние французского импрессионизма, проникавшее в Россию, все больше и больше охватывало московских художников. Импрессионизм внес в искусство сильную свежую струю и открыл перед новым поколением художников большие перспективы. Влияние нового чувствовалось и в работах чудесного русского художника Сурикова, а еще больше и глубже в полотнах Левитана, Коровина, Серова, Архипова, Иванова и других. Естественно, что передовая молодежь следовала всему тому, что делали они".
Читать дальше... 
Французская линия Сарьяна шла наперерез генеральной линии официального советского искусствознания, провозгласившего передвижников живительным истоком прекрасного для всех без исключения национальных школ Страны Советов. Мемуары Сарьяна, несмотря на всю его правоверную (и, очевидно, вынужденную) советскость в социально-политическом плане, были полны такого плохо прикрытого эстетического диссидентства, что в России их издали лишь под конец перестройки. Он не пишет о борьбе с формализмом — повествование обрывается на 1928-м, но в автобиографии то и дело проявляются горькие нотки. И когда речь заходит о предъявленных ему партийной критикой обвинениях в "этюдизме", Сарьян берется отстаивать честь и достоинство этюда как законченной картины, причисляя к его вершинам работы Эдуарда Мане, Клода Моне, Валентина Серова, Константина Коровина, Седрака Аракеляна и Егише Тадевосяна. Последние, собственно, и есть главные — по крайней мере, в количественном плане — герои московской выставки, которая может служить развернутым комментарием к местами идеологически непонятной книге Сарьяна.
Оба, как и Сарьян, были выпускниками Московского училища. Только Егише Тадевосян, ученик и друг Василия Поленова, по окончании курса отправился в Европу и там смог изучить импрессионизм в оригинале — как "классический", так и более поздние модификации вроде дивизионизма. А Седрак Аракелян, учившийся в Москве у настоящих русских импрессионистов, Константина Коровина, Абрама Архипова и Сергей Иванова, из-за войны в Европу не попал — впоследствии его импрессионизм в большей степени окрасится московскими, бубнововалетскими и ларионово-гончаровскими обертонами. Из коровинских учеников, кроме Аракеляна и Сарьяна, покажут также Ованнеса Тер-Татевосяна и Ваграма Гайфеджяна, демонстрирующих по-московски разудалую "французистую" живописность.
Однако не для всех армян извилистая дорога к новому искусству пролегала через Первопрестольную. Происходившие из Западной — турецкой — Армении, ехали в Париж прямиком, многие прошли учебу в Академии Жюлиана, откуда выходили готовыми импрессионистами — не в строгом смысле слова, а в широком — сарьяновском — его понимании. Арсен Шабанян, Фанос Терлемезян, Шарль Адамян, Рафаэл Шишманян, Гиго Шарбабчян, Жан Алхазян, Саркис Хачатурян — типичные мастера Парижской школы. Впрочем, имелись и "парижачьи" родом из Российской империи. Жизнь Ерванда Кочара сложилась трагически: пожил в Париже героической эпохи, поработал бок о бок с Пабло Пикассо и Фернаном Леже, а в 1936-м сдуру вернулся на родину, которая сразу опознала в нем не просто "формалиста", но и "врага народа", следствием чего стала травля, арест, заключение и разлука с женой-француженкой. Степану Агаджаняну, в Париже будто бы сдружившемуся с самим Огюстом Ренуаром, Франция почему-то сошла с рук.

В целом выставка представляет собой чрезвычайно пеструю стилистическую картину: есть здесь импрессионизм югендстильный — кисти Вардгеса Суренянца, учившегося в Мюнхене, есть импрессионизм передвижнический — кисти Габриэла Гюрджана, учившегося в Пензе, есть — и он в подавляющем большинстве — импрессионизм после Сезанна с Матиссом. Для чего же так нужен этот термин — "импрессионизм"? Для того, отвечают армянские искусствоведы, что, как справедливо пишет Сарьян, именно импрессионизм, а не передвижничество — при всем к нему уважении,— становится базисом для молодых национальных школ, а армянская — при всем уважении к древности ее восточной художественной традиции — в своем новом, западническом виде очень молода. Более того, для армян, народа диаспоры, импрессионизм был важен вдвойне: ведь, встречаясь в Москве или Париже, диаспора художественная тут же переходила на импрессионистскую lingua franca.

При советской власти эта lingua franca станет эзоповым языком тех, кого будут травить за "этюдизм", "пленэризм" и прочий "формализм", возможно, даже не догадываясь о его скрытых — "буржуазно-националистических" в сталинской терминологии — подтекстах. Национальный стиль, однако, не сдавался, развиваясь под прикрытием так называемой "передвижки" — многолетней изоэкспедиции, организованной Габриэлом Гюрджаном для того, чтобы, согласно официальной версии, мастера искусства могли воочию наблюдать и воспевать трудовые будни Советской Армении. В действительности эти поездки в далекие уголки Армянской ССР, обручавшие импрессионистский пленэр с краеведением, были шансом для армянских художников исследовать и запечатлеть древние памятники и красоты своей земли, которая вновь — пусть как советская республика — частично обрела государственность. Пейзаж со старинной церковью или монастырем становится тайным знаком армянской идентичности, красочная этюдность — манерой, оппозиционной сюжетно-тематическому официозу в "музейных", серо-бурых тонах.

Пожалуй, самый интересный сюжет выставки — это воскресение импрессионизма в армянской советской живописи в пору оттепели, у Оганеса Зардаряна, Григора Агасяна и Хачатура Есаяна, чей тбилисский пейзаж 1961 года не отличишь от монетовского "Бульвара Капуцинок". А Сейран Хатламаджян, постепенно эволюционировавший в сторону абстракции, что опять же подтверждает идеи Сарьяна об импрессионизме как основе основ новейшего искусства, движется к другой национальной вершине — живописи Аршила Горки. Словом, если под "русским импрессионизмом" сегодня принято понимать все, что мило русскому сердцу в советском искусстве, то "армянский импрессионизм" оказывается, по сути, явлением глубоко антисоветским.
«Армянский импрессионизм. От Москвы до Парижа». Музей русского импрессионизма, с 25 марта по 4 июня


http://www.kommersant.ru/doc/3242535
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: Вардгес Суренянц. Портрет А.Г. Идельсон. 1913.jpg
Просмотров: 62
Размер:	34.1 Кб
ID:	3181422   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Егише Тадевосян. Бурное море. 1909.jpg
Просмотров: 53
Размер:	76.7 Кб
ID:	3181432   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Ерванд Кочар. В Ессентуках..jpg
Просмотров: 69
Размер:	128.6 Кб
ID:	3181442   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Саркис Хачатурян. В парке. Ессентуки. 1918.jpg
Просмотров: 86
Размер:	64.7 Кб
ID:	3181452   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Седрак Аракелян. Дорога в сады. 1921-1922 гг.jpg
Просмотров: 74
Размер:	104.2 Кб
ID:	3181462  




Угрюмый вне форума   Ответить с цитированием
Эти 2 пользователя(ей) сказали Спасибо Угрюмый за это полезное сообщение:
Sevrov7 (31.03.2017), Хранитель укропа (26.05.2017)
Старый 26.04.2017, 11:21 Язык оригинала: Русский       #944
Пользователь
 
Аватар для Угрюмый
 
Регистрация: 15.03.2012
Адрес: Москва
Сообщений: 89
Спасибо: 594
Поблагодарили 185 раз(а) в 68 сообщениях
Репутация: 369
По умолчанию Разведчик с мольбертом. Василий Верещагин в Русском музее

В Государственном Русском музее открылась выставка, посвященная 175-летию со дня рождения Василия Верещагина (1842–1904). Михаил Трофименков, ностальгически вспомнив, что картинами Верещагина иллюстрировали в СССР школьные учебники истории, изумился, насколько же сложен, казалось бы, очень простой художник.


Верещагину мучительно тесно в залах корпуса Бенуа, куда буквально утрамбовали юбилейную экспозицию художника, превыше всего ценившего обретенные им на Востоке простор и волю: «Вместо парижской мансарды или комнаты Среднего проспекта Васильевского острова у меня была киргизская палатка, вместо “островов” или Meudon — снеговые горы». Верещагин относился к своим выставкам как к произведениям искусства, как к самим картинам или резным золоченым рамам, которые он за бешеные деньги для них заказывал. Русский музей реконструировал один из его фирменных приемов, дополнив экспозицию этнографическим «комментарием»: восточными костюмами и украшениями.

Любая выставка Верещагина обречена на неполноту. Самые сенсационные его картины погибли или пропали. Три скорбные работы, посвященные безвестно павшим при покорении Туркестана солдатам, уничтожил в 1874 году сам художник, уязвленный обвинениями в антипатриотизме. Наследник престола, будущий Александр III, высказался с подкупающей медвежьей прямотой: «Либо Верещагин скотина, или совершенно помешанный человек». Впрочем, и немецкий, и австрийский Генштабы наложили запрет на посещение выставок Верещагина военнослужащими.

Картина, изображающая варварскую казнь англичанами мятежных сипаев — их разрывали на части пушечными выстрелами,— куда-то подевалась из американского музея лет сто назад: не исключено, что ее выкупили и уничтожили оскорбленные британцы. Не все просто и с сохранившимися работами: «Казнь заговорщиков в России», хранящуюся в Музее политической истории и не выставлявшуюся с 1920-х годов, Русский музей не смог получить по техническим причинам.

В свое время Верещагин был самым известным в мире русским художником. Его картины объехали всю Америку, покорили европейские столицы. В России же его считали «не нашим» человеком. Ревнуя к успеху, клеймили за «бесцеремонное самолюбование» и в первую очередь — за «американизм». Он отвечал обществу взаимностью, держась в стороне от отечественного «арт-процесса» и коллег.

Так же, как на выставке, тесно Верещагину в истории искусства, режущей его творчество по живому. С одной стороны, «большое общественное значение» запечатленных им ужасов Туркестанского похода и Русско-турецкой войны или «Трилогии казней». Опять-таки военная доблесть и гибель на борту броненосца «Петропавловск» в Порт-Артуре принуждают даже недоброжелателей к уважительному тону. С другой стороны, «так же, как нельзя назвать Ливингстона или Пржевальского поэтами… так точно и Верещагина нельзя считать истинным художником».

Выставка явочным порядком аннулирует этот приговор, вынесенный Александром Бенуа. Верещагин — живописец, да еще какой. Становится очевидным, что «фотографическая четкость» того же «Смертельно раненного» не свидетельствует о скудости живописного воображения. Отчетлива сама реальность, опаленная азиатским солнцем, а солнцу Верещагин поклонялся. Он не гнался за живописностью ради живописности, но, когда этого требовал замысел, пространство кремлевских соборов, превращенных солдатами Наполеона в конюшни, представало в картинах цикла «1812 год» волшебным мерцающим ковром. Таинственно заманчивы порталы буддистских и синтоистских храмов, горные пейзажи с их световыми эффектами заставляют вопреки логике и хронологии вспоминать о северном модерне.
С «общественным значением» все так же неочевидно, как и с живописным качеством Верещагина. Недаром его картины так любят помещать на обложки изданий Редьярда Киплинга. Верещагин такой же «певец империализма», только, в отличие от Киплинга, пороха не нюхавшего, он идеальный мультипрофессионал колониальной эпохи. Он художник в той же степени, что и этнограф, и, безусловно, военный разведчик. Пожалуй, неслучайно в его картинах впервые в истории появился мотив допросов и казней шпионов и диверсантов: в туркестанском цикле, и в «1812», и в работах, сделанных на Филиппинах в 1901 году. Что, как не секретная миссия, могло понести Верещагина на острова, где США вели истребительную войну против повстанцев?

И еще он предтеча военных фотокоров и операторов, в циклах картин, как на кинопленке, проматывающий ход сражений. Но не с божественной точки зрения полководца, а с точки зрения неизвестного солдата. Такой взгляд на войну был потрясающе революционным. Верещагин впервые представил ее не как игру в солдатики, не в жанре «ура, мы ломим, гнутся шведы». Славные походы против туземцев — мясная лавка отрезанных голов, Шипка — огромный морг под открытым небом, и смерть не сразу настигает мертвого солдата, продолжающего по инерции свой бег. Не будет преувеличением удостоить Верещагина титула певца-обличителя «бедствий войны», который до него заслужили лишь Жак Калло и Франсиско Гойя.

http://www.kommersant.ru/doc/3280538..._campaign=four
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: KMO_090981_08559_1_t222_201351.jpg
Просмотров: 77
Размер:	47.9 Кб
ID:	3198812   Нажмите на изображение для увеличения
Название: KMO_090981_08560_1_t222_201326.jpg
Просмотров: 65
Размер:	40.9 Кб
ID:	3198822   Нажмите на изображение для увеличения
Название: KMO_090981_08561_1_t222_201306.jpg
Просмотров: 75
Размер:	38.6 Кб
ID:	3198832   Нажмите на изображение для увеличения
Название: KMO_090981_08562_1_t222_201048.jpg
Просмотров: 69
Размер:	62.3 Кб
ID:	3198842   Нажмите на изображение для увеличения
Название: KMO_090981_08563_1_t222_201034.jpg
Просмотров: 69
Размер:	153.1 Кб
ID:	3198852  




Угрюмый вне форума   Ответить с цитированием
Этот пользователь сказал Спасибо Угрюмый за это полезное сообщение:
Старый 28.04.2017, 11:15 Язык оригинала: Русский       #945
Пользователь
 
Аватар для Угрюмый
 
Регистрация: 15.03.2012
Адрес: Москва
Сообщений: 89
Спасибо: 594
Поблагодарили 185 раз(а) в 68 сообщениях
Репутация: 369
По умолчанию Ретроспектива Джорджо Моранди в ГМИИ им. А.С. Пушкина

Спустя более чем 40 лет после выставки работ Джорджо Моранди, проводившейся в ГМИИ им. А.С. Пушкина 1973 году, Музей проводит масштабную ретроспективу творчества Моранди (1890–1964), одного из ведущих художников Италии ХХ века и знаковой фигуры современной европейской живописи. Творчество Моранди давно получило мировое признание, а сегодня его произведения в центре внимания международной зрительской аудитории и художников, для которых они не теряют своей актуальности.

На выставке, проведение которой запланировано в Пушкинском музее с 25 апреля по 10 сентября 2017 года, будет представлено более 90 экспонатов, среди которых 82 шедевра мастера из всемирно известных музеев и частных коллекций.

Цель выставки – показать масштабность творчества Джорджо Моранди. Отобранные для экспонирования в Москве произведения охватывают весь творческий путь художника, плодотворно работавшего на протяжении полувека. В экспозиции будет показано около 70 живописных полотен и акварелей, с достаточной полнотой характеризующих этапы творческого пути мастера – от авангардных метафизических композиций до самых поздних эмоционально взволнованных работ, отличающихся строгостью и образной глубиной. На протяжении всей жизни художник сохранял верность двум жанрам – натюрморту и пейзажу, изображая предметный мир и природу, которые его окружали.


Экспозиция построена в хронологической последовательности и тематически будет разделена на главные направления: автопортрет, натюрморт, пейзаж и цветы. В некоторых случаях особый акцент сделан на работах, которые сам Моранди называет «вариантами» – это схожие, но всегда отличающиеся друг от друга композиции с изображением одних и тех же предметов.

Чтобы предоставить зрителям возможность более подробно ознакомиться с методом работы Моранди, в отдельном разделе выставки будет представлено около 20 гравюр, демонстрирующих талант Моранди-гравера – этот его талант получил мировое признание, и впервые за свои гравюры мастер был награжден премией на биеннале в Сан-Паулу в 1953 году. Наряду с гравюрами экспозиция включает и несколько оригинальных гравировальных досок из собрания Национального центра графики (Рим).

Произведения для выставки скрупулезно отбирались кураторами в крупных музейных коллекциях: в Музее Моранди в Болонье – официальной институции, представляющей работы художника, в фондах, в частности в Фонде Маньяни Рокка (Траверсетоло, Парма) и Фонде Роберто Лонги (Флоренция), а также в авторитетных частных коллекциях.
Кроме того, на выставке будут показаны некоторые предметы из мастерской Моранди, предоставленные Объединением музеев Болоньи. Этот раздел выставки будет сопровождаться фотографиями художника и мастерской Моранди.

Этот выставочный проект во всей своей полноте ставит целью ознакомить российских зрителей с творческими идеями и масштабом личности Джорджо Моранди, который, как говорил он сам, в своих произведениях стремился «дотронуться до дна, до самой сути вещей».
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: Джорджо Моранди. Натюрморт. 1941. Холст, масло.jpg
Просмотров: 82
Размер:	48.4 Кб
ID:	3200352   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Джорджо Моранди. Натюрморт. 1958. Холст, масло..jpg
Просмотров: 70
Размер:	71.0 Кб
ID:	3200362   Нажмите на изображение для увеличения
Название: Джорджо Моранди. Цветы. 1918. Холст, масло.jpg
Просмотров: 38
Размер:	93.8 Кб
ID:	3200372  



Угрюмый вне форума   Ответить с цитированием
Этот пользователь сказал Спасибо Угрюмый за это полезное сообщение:
Старый 26.05.2017, 20:56 Язык оригинала: Русский       #946
Гуру
 
Регистрация: 19.09.2012
Сообщений: 2,915
Спасибо: 2,776
Поблагодарили 3,955 раз(а) в 1,881 сообщениях
Репутация: 7604
По умолчанию

«Навыки ручного письма связаны с уровнем IQ»
Йенс Хеннинг Кох: знаток перьев, чернил и современного искусства


В начале мая 2017 г. в Мадриде прошла очередная церемония вручения премии «Покровители культуры и искусства», учрежденной компанией-производителем пишущих инструментов и часов Montblanc. Вице-президент компании по маркетингу Йенс Хеннинг Кох рассказал о лауреате нынешнего года, галеристке Солидад Лоренцо, о своем личном отношении к современному искусству и важности сохранения навыков ручного письма в современном цифровом мире.

О персональных отношениях с искусством

В своей жизни я прошел несколько стадий персональных взаимоотношений с современным искусством. Началось все, как водится, с полного непонимания: я смотрел на произведение современного художника и не мог понять, что это вообще такое. Сейчас, когда я стал больше разбираться в искусстве, некоторые вещи меня просто поражают, оставаясь при этом не слишком понятными. Они сложны для восприятия, но очень интересны. Некоторые современные работы производят ошеломляющее впечатление, но вряд ли я захочу рассматривать их несколько раз или подолгу. А вот к полотнам Сезанна, скажем, я возвращаюсь раз за разом. Я не искусствовед и не могу давать рекомендации или заявлять, что вот это хорошо, а вот то — плохо. Я даже не всегда могу предположить заранее, какое впечатление произведет на меня та или иная выставка. Но интересна уже сама дискуссия, обсуждение особенностей восприятия работ с другими обычными зрителями, такими как я.

Об искусстве как выражении свободы

Я однажды осознал, что искусство — это отражение жизни во всем ее многообразии. Например, знаете ли вы, что в 20-30-е годы прошлого века, «темные годы», период, который в Европе никак нельзя назвать свободным, в Египте были свобода творчества и настоящий расцвет сюрреализма? Я узнал об этом в связи с проектом «Покровители искусств», и это шло вразрез со всем, что я знал о современной истории Египта, разрушило мои предубеждения. Искусство — то, что опровергает любые стереотипы. Это иная реальность, гораздо более свободная, если хотите.

О покровителях искусства прошлого

Разные люди поддерживали искусство в разное время множеством разных способов. В нашей серии пишущих инструментов «Покровители искусства» мы отмечаем разных меценатов: в прошлом году это была Пегги Гуггенхайм, одна из самых заметных фигур арт-мира прошлого столетия, в нынешнем году — Шипионе Боргезе, итальянский кардинал-филантроп, живший в XVII столетии. Он собирал произведения искусства (у него были, например, картины Рафаэля), покровительствовал художникам — своим современникам, в том числе Бернини. Его вилла Боргезе в Риме — уникальный музей, а предметы его собрания есть даже в Лувре.

О современных меценатах

С 1992 г. Montblanc вручает награды современным покровителям искусств. В 2017 г. награждение проходит уже в 26 раз, состоится 17 церемоний по всему миру: жюри в разных странах выбирает своего мецената. В Испании, например, выбрали Соледад Лоренцо, куратора и галеристку, которая открыла и сделала известными многих современных художников, а затем подарила 400 работ из своего собственного собрания национальному музею «Центр искусств королевы Софии», открытому для всех желающих. Меценаты — люди, открывающие и зрителям, и художникам (а значит, и искусству в целом) новые перспективы. Ведь для того, чтобы продавать свои работы и зарабатывать на жизнь, мастеру нужна известность. Но дело не только в этом. Настоящие покровители искусства способны показать его через призму собственного видения, дать новый импульс его развитию.

Читать дальше... 
О важности грамотности и образования

Сейчас, когда в развитых странах большинство взрослых людей почти не пишет ручкой, а набирает текст на компьютере, многие недооценивают важность обучения письму. Мы в Montblanc считаем это очень важной частью культуры, поэтому поддерживаем программу ЮНИСЕФ, финансируя программу обучения детей в беднейших странах мира грамоте. Более 630 миллионов детей (возраста младшей школы, от 5 до 9 лет) в мире из-за бедственного материального положения родителей не имеют доступа к начальному образованию, а значит, не могут оценить силу письменного и печатного слова. Это создает огромную общемировую проблему, масштабы которой станут ясны уже в ближайшем будущем. Поэтому уже около 13 лет мы отчисляем часть средств от продажи пишущих инструментов из специальных коллекций в фонд ЮНИСЕФ, дающий таким детям возможность учиться писать и читать. За эти годы Montblanc пожертвовал на эти цели более 10 миллионов долларов, и останавливаться на достигнутом мы не собираемся.

О пишущих инструментах

Ручки, или, как мы их называем, пишущие инструменты, — это синтез искусства (поскольку их корпуса — настоящее произведение прикладного искусства), дизайна и технологий. Для создания пишущих инструментов Montblanc используются золото и платина, драгоценные и поделочные камни, смола и китайский лак, фарфор с росписью. При этом ручка — не предмет роскоши, а необходимый повседневный предмет. Я сам постоянно, каждый день что-то записываю ручкой и стремлюсь, чтобы мои дети делали так же. Причем если в командировках и поездках практичности ради я пользуюсь шариковой ручкой, то дома и в офисе это только перьевая. Она удобнее и мягче при письме. У меня есть несколько разных пишущих инструментов и чернила разного цвета. У меня прекрасная работа, потому что она дает мне возможность тестировать самые новые ручки.
О будущем ручного письма

Я очень надеюсь и как бизнесмен рассчитываю на то, что навык ручного письма не будет утрачен ни в ближайшем, ни в отдаленном будущем. Это лучший способ фиксации идей и мыслей, на мой взгляд, гораздо более естественный, чем набор текста на компьютере. Я могу сказать из собственного опыта, что даже в университете записывание лекций эффективнее в плане запоминания, чем печатание. Это особый вид контакта с информацией, с преподавателем. Написанное рукой слово более наглядно, лучше запоминается. Доказано, что навыки ручного письма связаны с уровнем IQ, письмо развивает интеллект. Наконец, письмо — это форма визуального самовыражения, очень личная форма, что персонально для меня крайне важно. Наш мир все более и более унифицируется, и если ты пишешь рукой, у тебя твой собственный, индивидуальный почерк, то ты не превращаешься в «номер», в безликую единицу, а остаешься уникальной личностью. Несмотря на функциональность цифровых девайсов, именно это позволяет пишущим инструментам оставаться востребованными.

Записала Вероника Гудкова
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 17а.jpg
Просмотров: 77
Размер:	72.5 Кб
ID:	3219742  



Хранитель укропа вне форума   Ответить с цитированием
Этот пользователь сказал Спасибо Хранитель укропа за это полезное сообщение:
Sevrov7 (27.05.2017)
Старый 26.05.2017, 21:11 Язык оригинала: Русский       #947
Гуру
 
Регистрация: 19.09.2012
Сообщений: 2,915
Спасибо: 2,776
Поблагодарили 3,955 раз(а) в 1,881 сообщениях
Репутация: 7604
По умолчанию

Точка зрения...
«Надо было Путина сделать главным художником Русского павильона» — о биеннале в Венеции

Владимир Овчаренко Forbes Contributor

Венецианская биеннале — это ринг, где страны бьются на фоне искусства. Галерист Владимир Овчаренко уверен, что Россия эту битву проиграла


Фактически Россия только что проиграла чемпионат мира по искусству. Будь я министром культуры, уволил бы к черту всех ответственных, увидев такой Русский павильон.

Современного, насмотренного, забитого информацией человека задержать даже на 5 минут в одном месте — это надо умудриться. Вот немцы смогли: их павильон — это торжество инсталляции. На час, на полчаса — кто сколько выдержит, — но они хватали зрителя за душу и перебрасывали его в другой мир. За это им и дали главный приз. А в Русский павильон мы никаких очередей и не видели. Большинство проходили мимо, потому что понимали или слышали, что в Русском — фигня, как обычно. От русских никто ничего не ждет.

Как была при Совке вата, так и осталась. Ладно еще внутри страны вата — плитки, тротуары, пробки, 5-этажки — черт с ним, все всё понимают. Но там-то зачем это всё? Вы думаете, это кому-нибудь интересно? Мир живет вообще другими идеями.

«Все боятся русских хакеров — хакните американский павильон»


Хорошо, вы не хотите жить как остальной мир. Хотите показать Западу кузькину мать. Так покажите! Забейте гвоздь в гроб Дэмиена Херста: выкопайте пару трупов из Кремлевской стены, пускай они всем расскажут, как жить, — вызовите ад из подземелья или поставьте священников, пусть поют на весь Джардини. Но сделайте хоть что-то! Столько мозгов в стране — объедините математиков с биологами, художников с кинорежиссерами. Все боятся русских хакеров — хакните американский павильон. Хотите православие и ценности нести миру — так несите. Не важно даже, о чем будет высказывание. Хоть плиткой своей уложите всю Сан-Марко, чтобы вся Венеция гудела: «Приехали эти русские со своей плиткой». Что-нибудь сделайте, что запомнится. Не делайте никому не нужную безликую муть. В гигантскую выставку Дэмиена Херста вложено под 100 миллионов долларов, а если продать все работы, прибыль будет под миллиард. А вы тратите миллиарды долларов на какую-то Russia Today. Потратьте здесь хоть немного, выиграйте идейно.

Читать дальше... 
Давайте хоть кого-то взбудоражим — но нет, такой задачи в принципе не ставится. Наши кураторы об одном думают: лишь бы им пинка под зад не дали, заделаем оливьешку, смешаем героическое с модненьким, глядишь, что и получится. Вы кого боитесь, Путина или Мединского? Так Путин вам наоборот скажет: «Я что, за вас еще и павильон должен делать?» Надо было Путина сделать главным художником Русского павильона. Все оглядываются на государство, ну так пусть государство тогда вдарит как следует. Импотенция — вот состояние российского общества и госкураторства, и-м-п-о-т-е-н-ц-и-я.

«Посмотрели, как в мире люди живут, и вернулись в нашу деревеньку»


Биеннале проехали — в июне все едут на «Документу», а после еще и на «Арт Базель». Цирк современного искусства разъезжает по миру! Художники, коллекционеры, галеристы гудят, все обсуждают сделки, цены, тенденции. А русские бизнесмены искусство покупать боятся: «Ну я куплю, дома повешу, потом ко мне кто-нибудь из приятелей-чиновников придет в гости, скажет: «Ты что, этих упырей поддерживаешь, ты что, за Pussy Riot?» Оно мне надо? Я лучше просто в Венецию съезжу посмотрю, потусуюсь». Вот наш народ все больше и тусуется. Но на этом празднике жизни мы сидим на обочине. Посмотрели, как в мире люди живут, и вернулись в нашу деревеньку.

Понятно, мы кое-как у себя в селе крутимся — аукционы, галереи, художники — на хлеб с маслом хватает. Но вообще-то круто же не только в своем околотке сидеть, а взять и выехать на большую дорогу: потрындеть там, да и поторговать с соседями выгодно. Но нам оно не надо. Напились просекко и дальше будем дрова колоть.



Хранитель укропа вне форума   Ответить с цитированием
Этот пользователь сказал Спасибо Хранитель укропа за это полезное сообщение:
Sevrov7 (27.05.2017)
Старый 26.05.2017, 21:23 Язык оригинала: Русский       #948
Гуру
 
Регистрация: 19.09.2012
Сообщений: 2,915
Спасибо: 2,776
Поблагодарили 3,955 раз(а) в 1,881 сообщениях
Репутация: 7604
По умолчанию

Миллиардеры в Венеции: подробности о выставочных проектах Леонида Михельсона и Бориса Минца


Яна Жиляева Forbes Staff

Громкие дела на Венецианской биеннале: перформансы, открытия и сахарная голова Ленина. Forbes Life наблюдает за жизнью в искусстве участников списка Forbes


Борис Минц: выставка «Не переставая строить утопию»

Борис Минц F 72, создатель Музея русского импрессионизма, многолетний коллекционер и меценат художника Валерия Кошлякова, лично открывал выставку в университете Ка’Фоскари на Гранд-канале. «Не переставая строить утопию» — проект художника, посвященный архитектуре разных миров и народов, от сталинских и нью-йоркских небоскребов до площади Святого Петра в Ватикане и Сан-Марко в Венеции. Пока итальянский куратор Данило Эккер вдохновенно минут 20 говорил на итальянском (в его речи отчетливо звучали слова «архитектура», «Венеция» и «сталинизм»), приглашенные покорно слушали. Среди них была основатель «Винзавода» Софья Троценко, куратор Иосиф Бакштейн, галерист Марат Гельман, галерист Ксения Подойницына, художник Ольга Солдатова. В честь открытия выставки Солдатова повязала себе на шею пионерский галстук, а её приятельница итальянка надела бороду. Следом к микрофону вышел Борис Минц.

Поприветствовав гостей, Минц перешел к сути: «Валерий накануне открытия сказал мне: «Ты меня один только любишь». А вот видишь, Валера, сколько людей пришли к тебе на открытие».

В Венеции представлен уменьшенный вариант проекта, созданного художником к открытию Музея русского импрессионизма в прошлом сентябре.

«В Москве мы под выставку отвели 12 000 кв. м, а здесь не больше 500 и потолки невысокие. Некоторые работы пришлось даже увезти обратно в Париж», — рассказал Forbes Life Борис Минц. Борис и Мария Минц добавили, что были уже опытными собирателями, когда 8 лет назад пришли в мастерскую Валерия Кошлякова в Париже. «И влюбились», — подытожил Минц. Сейчас в семейном собрании 36 работ Валерия Кошлякова, но что-то ушло в музей. «Музей отбирает у нас все лучшее: как увидит — сразу старается забрать к себе» — так Минц определил разницу между музейной и семейной коллекциями.

За время дружбы мецената с художником Минц не раз организовывал выставки Кошлякова, в т.ч. и в Венеции в 2015 г. как превью своего нового музея, и подарил работу «Министерство иностранных дел» Центру Помпиду в Париже в рамках проекта «Коллекция: российское и советское искусство, 1950-2000».

Леонид Михельсон: проект «Пространство, сила, конструкция»


На набережной Дзаттере в здании палаццо XIX века фонд V-A-C, созданный Леонидом Михельсоном F 1, открыл новое выставочное пространство в Венеции. На площади 2000 кв. м на 4-х этажах — проект «Пространство, сила, конструкция», организованный фондом совместно с Чикагским институтом искусств, включающий более 100 работ авторов советского периода 1920-1930-х годов и современных художников со всего мира. Проект посвящен трансформациям, которые повлекла за собой Октябрьская революция, и исследует связи между искусством и обществом.

Читать дальше... 
Многие художники создали свои работы специально для выставки, а с 16 до 18 ч. в новом пространстве идут перформансы. Среди современных авторов — Барбара Крюгер, Таня Бругера, Вольфганг Тильманс, Ирина Корина, Таус Махачева (обе художницы участвуют и в основном проекте Биеннале).

Гостей встречали Леонид Михельсон с дочерью Викторией и директор фонда V-A-C Тереза Мавика. На открытие пришли коллекционер Франсуа Пино с женой Маривон, Франсуа-Анри Пино с Сельмой Хайек, Стелла Кесаева, коллекционер, создатель Stella Art Foundation, трижды комиссар российского павильона на биеннале, директор Пушкинского музея Марина Лошак, директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова, директор МАММ Ольга Свиблова, основатель ярмарки Cosmoscow Маргарита Пушкина.

При входе девушки в белом вручали гостям по 2 морковки, завернутые в крафтовую бумагу и завязанные пеньковой бечевкой.

Буквальное соответствие Маяковскому («Не домой, не на суп, а к любимой в гости 2 морковинки несу за зеленый хвостик») объяснялось просто — начался перформанс Таус Махачевой Stomach it. Главным маркером для погружения зрителя в атмосферу времени художник выбрала голод. За морковкой, на лестнице на 2-ой этаж, последовали леденцы из жженого сахара в форме головы Ленина с начинкой из жвачки. Мне, кстати, Ленина на палочке не досталось — гости были из тех, что и раньше едали что послаще морковки, так что с вождем расправились первым делом. Затем дали талон на дневную пайку хлеба. Квадратик из бумаги со штампом полагалось съесть как облатку, чтоб лучше понять, о чем история. В брошюре, составленной к перформансу, есть такие цифры: в 1929-м году рабочим полагалось 800 г хлеба в день, семьям рабочих — 400 г, служащим — 300 г, безработным, инвалидам, пенсионерам — 200 г, священнослужителям, спекулянтам и домохозяйкам старше 56 лет — 0 г. Потом дали понюхать пустую кастрюлю с засохшими каплями бульона, предложили кусочек угля и стакан воды.

Съев по хлебному талону и помахивая морковными хвостиками, приглашенные осматривали экспозицию, где не только обыграны, по-новому осмыслены и представлены работы русского авангарда и советского реалистического периода, но и многое реконструировано — мобили Родченко, театральные работы Варвары Степановой, дрезденский кабинет Эль Лисицкого — и выставлено рядом с работами современных авторов.

Выставка разделена на тематические зоны: фабрика, поле боя, театр, выставка, пресса, школа и дом. Перформансы показывают сразу несколько художников. Например, в отдельно выгороженной комнатке предлагают составлять пазлы — черно-белые портреты бородатых очкастых старцев. Внимание, вопрос: кто здесь Троцкий, а кто Калинин. С запинкой, но русские посетители все же отличают Троцкого от Калинина. А вот с анкетированием на тему политических взглядов что у русских, что у иностранных зрителей проблемы — никто толком не в курсе. Хотя иностранцам устроители «Оптики Бронштейна» — перформанс Пабло Хельгуэра и Евгений Фикс про разные системы тестов для определения политической ориентации — дополнительно рассказывают, что Троцкий — это Бронштейн, а Бронштейн — Троцкий.

Вдохновленные зрители отправились затем в театр Гольдони, где оркестр Пермского театра оперы и балета MusicAeterna под управлением Теодора Курентзиса исполнил Первую симфонию Густава Малера. После концерта гостей пригласили на поздний ужин под открытым небом в саду.
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 17а1.jpg
Просмотров: 79
Размер:	63.9 Кб
ID:	3219782  



Хранитель укропа вне форума   Ответить с цитированием
Этот пользователь сказал Спасибо Хранитель укропа за это полезное сообщение:
Sevrov7 (27.05.2017)
Старый 27.05.2017, 10:47 Язык оригинала: Русский       #949
Гуру
 
Регистрация: 19.09.2012
Сообщений: 2,915
Спасибо: 2,776
Поблагодарили 3,955 раз(а) в 1,881 сообщениях
Репутация: 7604
По умолчанию

Шедевр в чашке. Улыбнитесь

Бариста из Сеула пишет картины на кофейной пенке
Вас уже ничем не удивить? В столице Южной Кореи подают бодрящий напиток по-особенному: художник-бариста напишет картину прямо на пенке вашего кофе.
https://russian.rt.com/nopolitics/vi...kofejnoj-penke



Хранитель укропа вне форума   Ответить с цитированием
Старый 27.05.2017, 17:55 Язык оригинала: Русский       #950
Гуру
 
Регистрация: 19.09.2012
Сообщений: 2,915
Спасибо: 2,776
Поблагодарили 3,955 раз(а) в 1,881 сообщениях
Репутация: 7604
По умолчанию

..бывает..
Сокровища за бесценок

Самые удивительные клады, которые нашли в купленном за копейки барахле

В июне на аукцион Sotheby’s выставят кольцо с крупным бриллиантом, которое оценивается в сотни тысяч фунтов стерлингов. Женщина, которой принадлежал камень, купила его на блошином рынке в Лондоне всего за 10 фунтов. Это не уникальный случай: на барахолках время от времени всплывают сокровища, которые стоят миллионы долларов. Вот некоторые истории самых потрясающих находок.

Новичкам везет

Голландский коллекционер Лео Везел, живущий на юге Франции, каждый понедельник встает в 5 утра и отправляется на блошиный рынок. Он собирает старые картины и заметил, что в старье порой встречаются забытые и потерянные работы знаменитых мастеров. «Несколько недель назад увидел тут крохотный эстамп Шагала с подписью художника, — поделился он с «Би-би-си». — Я мгновенно узнал его стиль и купил всего за 10 евро. Когда такие продают в интернете, они стоят 330 евро».

Если знать, что искать, и приходить пораньше, в таких местах всегда можно найти что-то интересное, считает он. Впрочем, нужна и определенная удача. Поиск скрытых сокровищ — это лотерея, в которой нельзя победить только за счет настойчивости или умения. Действительно крупные находки, как правило, совершают везучие дилетанты, которые даже не понимают, с чем именно они столкнулись.

История про алмаз, купленный в Лондоне за 10 фунтов, — хорошая иллюстрация этого факта. Ни продавец, ни покупатель не осознавали, что перед ними драгоценный камень, весящий больше 24 каратов. В противном случае сделка не состоялась бы. Когда аукционный дом Sotheby’s обратился в Геммологический институт Америки, камень оценили в 350 тысяч фунтов стерлингов (около 26 миллионов рублей). Остается неясным, как такой бриллиант очутился на барахолке и кому он мог принадлежать в прошлом.

Антиквары и аукционисты знают, что подобные истории вовсе не редкость. Никто не ожидает найти сокровища у себя под носом. Несколько лет назад житель американского штата Нью-Йорк принес оценщику непримечательную фарфоровую чашу. Он купил ее за 3 доллара на гаражной распродаже ненужного барахла по соседству и поставил у себя в гостиной. Спустя несколько лет его заинтересовало происхождение покупки — и не напрасно.

Оказалось, что вещицу изготовили в Китае почти 1000 лет назад. Более того, это редчайший образец керамики времен правления династии Сун. Известна только 1 похожая чаша, и она хранится в Британском музее в Лондоне. Эксперты оценили ее в 200-300 тысяч долларов, но в итоге она ушла с молотка за 2,225 миллиона долларов (125 миллионов рублей).

Читать дальше... 
Сокровище нации

Шедевры знаменитых художников, исторические реликвии и драгоценности могут скрываться в самых неожиданных местах. В 2007 г. студентка из Берлина с удивлением обнаружила, что целый год спала на картине венецианского живописца Карло Сарачени, написанной 400 лет назад. Полотно лежало в подержанном раскладном диване, который девушка купила за 150 евро и ни разу не открывала. Гамбургский аукционный дом Ketterer Kunst продал картину за 19,2 тысячи евро (около 1,5 миллионов рублей).

Самая известная находка подобного рода была сделана в Соединенных Штатах без малого 30 лет назад. В 1989 г. житель Филадельфии привез с блошиного рынка старую потрепанную картину. Мрачный сельский пейзаж, написанный неизвестным художником, ему совершенно не понравился, зато рама была ничего — во всяком случае, на первый взгляд.

Он заплатил 4 доллара и принес покупку домой. Полотно оказалось порванным, а рама, пока он с ней возился, развалилась. Из-под нее выпал сложенный в несколько раз лист бумаги, который был спрятан между картиной и деревянным задником. Документ казался довольно старым. Мужчина предположил, что ему, возможно, лет 100, а то и больше, и решил сохранить.
Через пару лет знакомый, узнавший о находке, посоветовал показать её специалисту. Нетрудно догадаться, что было дальше. В картине с барахолки скрывалась одна из немногих уцелевших копий 1-го издания Декларации независимости США. Из 500 экземпляров, напечатанных 4 июля 1776 г., сохранились только 24.

«Даже фрагмент или поврежденная копия 1-го издания Декларации были бы потрясающим открытием, — утверждал эксперт Sotheby’s Селби Киффер. — Но в данном случае состояние документа выше всяких похвал». Находку выставили на аукцион. Поскольку почти все остальные экземпляры принадлежат государству, торги были бурными. Документ ушел с молотка за 2,42 млн. долларов (около 137 млн. рублей).

Все или ничего

В начале 1990-х американка Тери Хортон заглянула в магазин подержанных вещей. Она заметила на стене уродливую абстрактную картину и решила купить для своей приятельницы. Такой нелепый подарок её развеселит, а потом полотно можно приспособить в качестве мишени для дартса. Продавщица просила 8 долларов, но Тери выторговала 3-х долларовую скидку. «Я, конечно, люблю свою подругу, но не до такой степени, чтобы столько платить», — объяснила она.

Полотно оказалось таким большим, что не пролезло в дверь вагончика, где жила знакомая Тери. С дартсом тоже ничего не вышло. «Мы слишком много выпили и так и не собрались сходить в вагончик за дротиками», — вспоминала потом женщина. Картина долго валялась во дворе, а потом Тери отнесла её на блошиный рынок.

Там полотно увидел преподаватель из ближайшего колледжа. «Я, конечно, не специалист, но эту картину вполне мог написать Джексон Поллок», — сообщил он. Тери закончила 8 классов средней школы, 20 лет работала дальнобойщиком и никогда не слышала этого имени. «Это еще кто такой?» — спросила она. Мужчина долго смеялся, но потом все же объяснил.
Джексон Поллок — знаменитый абстракционист, известнейший американский художник XX века. В Музее современного искусства в Нью-Йорке для его произведений отведен целый зал. Коллекционеры готовы платить за них огромные деньги. В 2006 г. неизвестный ценитель купил одно из полотен Поллока за 140 млн. долларов.

Тери охотно поверила, что ей достался Поллок. Убедить в этом искусствоведов оказалось труднее. «Картина приятна, поверхностна и фривольна, — говорит бывший директор нью-йоркского Метрополитен-музея Томас Ховинг. — Не верю, что это действительно Джексон Поллок. Нет притягательной силы». Он подозревает, что женщине попалась дешевая копия, изготовленная для оформления интерьера.

Тери не поверила мнению ценителей и обратилась к специалисту по судебной экспертизе произведений искусства Полу Байро. Тот изучил полотно и нашел на обратной стороне отпечаток пальца, который совпал с отпечатками пальцев Поллока, сохранившимися на банке с краской в мастерской художника и на картине в Современной галерее Тейт в Лондоне.

После этого к Тери потянулись коллекционеры. Ей предлагали 2 миллиона долларов — она отказалась. Покупатель из Саудовской Аравии обещал 9 миллионов, но и эта сумма ее не устроила. Женщина решила, что не отдаст картину меньше чем за 50 миллионов долларов, и в результате не получила ничего.

Олег Парамонов

https://www.youtube.com/watch?v=tnaEAqs3f68
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 17а2.jpg
Просмотров: 60
Размер:	137.1 Кб
ID:	3220182   Нажмите на изображение для увеличения
Название: 17а3.jpg
Просмотров: 62
Размер:	63.1 Кб
ID:	3220192   Нажмите на изображение для увеличения
Название: 17а4.jpg
Просмотров: 74
Размер:	234.3 Кб
ID:	3220202  




Последний раз редактировалось Хранитель укропа; 27.05.2017 в 18:16.
Хранитель укропа вне форума   Ответить с цитированием
Ответ

Опции темы
Опции просмотра

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход

Похожие темы
Тема Автор Разделы Ответов Последние сообщения
Новости на сайте Wladzislaw Обсуждение сайта и форума 2 01.05.2011 15:46
Новости о ЦДХ Пар-И Выставки, события 20 11.01.2010 00:13
Вот такие новости! eva777 Беседка 6 24.04.2009 23:27

Облако меток
painting графика живопись офорт

















Часовой пояс GMT +3, время: 08:50.


Powered by vBulletin® Version 3.8.3
Copyright ©2000 - 2019, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot