Арт-новости

[Хранитель укропа]

Раскрыт секрет скандальной картины с вагиной

Французский историк Клод Шопп раскрыл одну из главных загадок истории искусства. Об этом во вторник, 25 сентября, сообщает France Info.

Шоппу удалось установить личность модели, позировавшей для скандальной картины «Происхождение мира» французского живописца Гюстава Курбе, на которой изображена вагина женщины. Ранее считалось, что половые органы принадлежат ирландке Джоанне Хиффернан, которая, возможно, была любовницей автора. Искусствоведы сомневались, что на полотне изображена она из-за цвета волос — Хиффернан была рыжей, а лобковые волосы модели на картине темные.

Историк нашел свидетельства того, что половые органы на «Происхождении мира» принадлежат французской балерине Констанс Кеньо. Шопп изучил письма писателя Александра Дюма-младшего к писательнице Жорж Санд и установил, что один из отрывков переписки ранее понимали неправильно.

Его смутил фрагмент «Нельзя кистью передать деликатное и яркое интервью мадемуазель Кеньо из Оперы», и Шопп обратился к рукописному источнику — оказалось, что вместо «интервью» (interview) в письме было слово «нутро» (intérieur). «Это было словно озарение», — рассказал историк, чья книга об открытии выйдет в начале октября.
Курбе написал «Происхождение мира» в 1866 г. Полотно долгое время считалось провокацией и 120 лет не выставлялось публично. Картина находится в коллекции музея Орсе.

В феврале сообщалось, что суд во Франции рассмотрел иск учителя Фредерика Дюрана к Facebook, которая удалила его аккаунт после публикации картины. Дюран опубликовал «Происхождение мира» в 2011 г. После бана «без предупреждения и обоснования» он 7 лет добивался слушания во Франции, вопреки правилу Facebook, согласно которому решение конфликтов с компанией находится в юрисдикции США.

[Хранитель укропа]

Романтика осени. В Москве откроется выставка «Любовники»

Марк Шагал — один из величайших мастеров XX века. В своем творчестве он уделял огромное внимание любви как основе всего. И именно ей посвящена выставка «Любовники», которая откроется 27 сентября в Москве.

Екатерина Кудасова
«Для меня значение имеет только любовь, и я имею дело только с теми вещами, которые крутятся вокруг неё», — говорил Марк Шагал. Один из главных художников ХХ века познакомился со своей будущей женой Беллой в далеком 1909 году. В ту пору он был бедным молодым автором, не признанным и постоянно погруженным в живопись, которую он считал делом своей жизни. Она — дочь известного витебского ювелира. Между ними социальная пропасть. Но Белла сразу увидела в нем талант и твердость духа, она поверила в него еще тогда, поверила на всю жизнь.

Чувство, вспыхнувшее между молодыми людьми в первые минуты встречи, Шагал сохранит в своем сердце до глубокой старости. «Как будто мы давным-давно знакомы и она знает обо мне всё: моё детство, мою теперешнюю жизнь и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел её в первый раз. И я понял: это моя жена», — напишет спустя десятилетия художник. Позднее он писал: «Долгие годы её любовь освещала всё, что я делал».

25 июля 1915 г. они поженились. Белла стала первой женой и главной музой Марка Шагала. Любовная тема в искусстве Шагала неизменно связана с образом Беллы. С полотен всех периодов его творчества, включая более поздние (после смерти Беллы) на нас смотрят ее большие черные глаза. Ее черты узнаваемы в лицах почти всех изображенных им женщин.

«Всё можно изменить в жизни и в искусстве, и всё изменится, когда мы избавимся от стыда, произнося слово „любовь“. В нём настоящее искусство! Вот всё мое мастерство и вся моя религия», — говорил художник о своем творчестве. Неслучайно, что главной темой предстоящей выставки выбрана любовь, а вместе с ней романтика, нежность и верность, которыми так пронизаны работы Марка Шагала.

Название выставки перекликается с основной серией картин художника «Любовники» 1914-1917 гг., раскрывающей суть великого чувства в различных цветовых гаммах. Именно они — «Любовники» Марка Шагала — стали источником вдохновения для предстоящей выставки в международной галерее первых имен Altmans Gallery.

Не случайно в центре экспозиции работа «Любовники с красным солнцем». Цветовая составляющая литографии, как и в других работах Шагала, не имитирует реальную окраску вещей, но создает эмоциональную атмосферу, впечатление праздничной приподнятости происходящего над эмпирической реальностью.

Оформление выставки подготовила архитектор, основатель Бюро P.S.Culture Юлия Наполова. Винтажная мебель первой половины XX века, светильники с абажурами, архивная фотография семьи Марка и Беллы Шагал с дочерью Идой раскрывают атмосферу домашней жизни художника, неотделимой от его творчества. Уютная, интимная атмосфера места, в котором работал художник, помогает раскрыть его понимание темы любви и нежности, которой посвящена выставка.

Выставка «Любовники» в Altmans Gallery Moscow пройдет с 27 сентября по 5 ноября по адресу: Новинский бульвар д.31, ТДЦ «Новинский». Стоимость входного билета — 300 руб.

[Хранитель укропа]

ФСБ передаст Русскому музею пейзаж Саврасова и рисунки жены Шишкина

Москва. 26 сентября. INTERFAX.RU - В Михайловском дворце в среду состоится передача в Русский музей картины "Зимний пейзаж" Алексея Саврасова и альбома рисунков Ольги Лагоды-Шишкиной от УФСБ России по Петербургу.

Как сообщает пресс-служба музея, эти произведения были задержаны транспортной службой УФСБ 15 марта 2017 года у гражданина КНР при попытке их вывезти.
Картина "Зимний пейзаж" относится к числу малоизвестных работ позднего периода творчества Саврасова. Она дополнит коллекцию произведений художника, в которой не хватает его последних и редких полотен.
"Выбор популярного в последней четверти XIX в. мотива зимнего лесного пейзажа с избами, построение колорита на условной тональности цветов позволяют предположить, что живописное "сочинение" художника является собирательным образом его романтических представлений о природе", - говорится в сообщении.

Альбом рисунков Лагоды-Шишкиной, включающий 20 листов, относится к раннему периоду творчества художницы, когда она в числе учеников Ивана Шишкина в 1978 г. работала над пейзажными мотивами в Сиверской под Петербургом. Впоследствии она стала его женой. Альбом дополнит графическую коллекцию музея. В настоящее время в фонде отдела рисунка её творчество представлено лишь 23 работами.

Предыдущая передача культурных ценностей транспортной службой УФСБ ("Портрет Джека Хантера" авторства Н.Фешина) в собрание ГРМ состоялась 24 октября 2017 г. Также в коллекцию музея в ноябре 2017 г. поступили 13 икон - образцы живописи Нового времени XVIII-XIX века, написанные в разных художественных центрах России.

[Хранитель укропа]

..эхо выставки..

Лучистый гений

Крупнейшая экспозиция Михаила Ларионова впервые за 100 лет объединила его главные работы

Сергей Уваров
Третьяковская галерея представила новый выставочный блокбастер: крупнейшую за всю историю персональную ретроспективу Михаила Ларионова. Творчество художника-авангардиста, влияние которого испытали Маяковский и Малевич, Татлин и Гончарова, демонстрируется во всем многообразии — от импрессионизма 1900-х, неопримитивизма и лучизма 1910-х до работ парижского периода.

Уже в первых пейзажах, открывающих экспозицию, художник (ему тогда было немногим более 20 лет) обнаруживает мастерское владение цветом, линией, композицией, даже фактурой красочного слоя. Да, это импрессионизм — но импрессионизм, не похожий ни на кого из французов. Вот, например, «Дождь» из Центра Помпиду: потеки воды, сплошными вертикальными линиями пересекающие окно (и, следовательно, полотно), живописец передает, не закрашивая участки грунтованного холста. Или — поразительный, но до обидного малоизвестный «Индюк» (ок.1907) из Владикавказского художественного музея: шершавые мазки, выборочно покрытые лаком для блеска, вблизи кажутся чуть ли не абстракцией, но стоит отойти — и переливчатое оперенье птицы оживает.
Красавицы Михаила Ларионова: обнаженные Венеры и спутницы жизни
Как русский художник-авангардист взорвал представления о женском портрете и семейных отношениях

Анималистике Ларионова на выставке вообще уделено особое внимание: здесь и «Волы на отдыхе» (1908), и «Свиньи» (1906), и несколько роскошных изображений павлинов, и конечно, лучистая «Голова быка» (1912). Лучизму отведен один зал, но всё — сплошь хрестоматийные шедевры, съехавшиеся из Санкт-Петербурга, Парижа, Лондона, Кельна... Экспозиция объединяет и знаменитых ларионовских Венер, рассредоточенных по региональным музеям. Наконец, символическим событием можно назвать «встречу» трех «Времен года»: впервые с 1912 года «Зима» и «Весна», принадлежащие Третьяковке, демонстрируются вместе с «Осенью» из Центра Помпиду. А вот «Лето» к ним присоединить не удалось.

— Судьба этого полотна — загадка. Известно, что картина находится в частной коллекции. Но как мы ни пытались, владельцев найти не смогли, — поделилась с «Известиями» куратор выставки Евгения Илюхина.

В остальном практически все знаковые вещи русского периода представлены. А вот парижское творчество отражено лишь произведениями второй половины 1910-х – 1930-х г., и с явным креном в сторону театральных работ и графики. Здесь, однако, есть свои жемчужины. Например, серия «Море»: штрихи черной тушью складываются в изысканные абстракции, но зная название, видишь в них контуры волн.
В этом цикле можно усмотреть и влияние японского искусства, которое Ларионов прекрасно знал и собирал — наряду с русским лубком, изданиями по истории балета, художественными журналами... Некоторые экземпляры его обширной коллекции демонстрируются в Третьяковке. Зал, завершающий экспозицию, стилизован под кабинет: огромные книжные шкафы заполнены фолиантами, которые сам художник купил на букинистических развалах у Сены.

Огромная — более 500 экспонатов — выставка разместилась на третьем этаже Новой Третьяковки, рядом с недавно открытой ретроспективой Ильи и Эмилии Кабаковых. И это соседство во времени и пространстве, конечно, не случайно. При всех различиях у Ларионова и Кабакова неожиданно много общего — и в творчестве, и в судьбе.

Оба — неутомимые экспериментаторы, открывавшие новые горизонты в искусстве; оба в какой-то момент оказались неформальными лидерами авангарда; наконец, и Ларионов, и Кабаков, уже будучи состоявшимися на родине мастерами, эмигрировали — и добились за рубежом невероятного успеха. Есть и более конкретное стилевое пересечение: Ларионов первым стал использовать текст как концептуальный и визуальный элемент картины, а Кабаков довел этот прием до абсолюта.

Впрочем, обе выставки доказывают, что творчество гениев шире любых клише и определений. И если работы нашего современника все-таки требуют от зрителя некоторого интеллектуального усилия, то Ларионов воздействует непосредственно и красочному вихрю его обаяния сложно не поддаться.

[Хранитель укропа]

Красавицы Михаила Ларионова: обнаженные Венеры и спутницы жизни

Как русский художник-авангардист взорвал представления о женском портрете и семейных отношениях

Сергей Уваров
В Новой Третьяковке открылась крупнейшая ретроспектива Михаила Ларионова. Работы одного из ведущих представителей русского авангарда рассредоточены по миру, поскольку долгое время он прожил за рубежом. Впервые его ключевые циклы «Венеры» и «Времена года» соберутся в одном месте. «Известия» расскажут, чем они примечательны и какова их роль в истории искусства.

Михаил Ларионов родился в 1881 г. в Тирасполе (тогда — город Российской империи), в 10-летнем возрасте с семьей переехал в Москву и поступил в Реальное училище К. П. Воскресенского, а затем — в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Валентина Серова и Исаака Левитана.
Попытка договорить за безъязыких: жизнь и продукция Кабаковых в кино
К 85-летию главного художника-концептуалиста мира Ильи Кабакова о нем выходит фильм автора «Бродский не поэт» и «Саша Соколов. Последний русский писатель»

Еще будучи студентом, Ларионов стал одним из наиболее активных деятелей московского авангарда, с успехом выставлялся, участвовал во множестве проектов. В 1907 г. картину совсем ещё молодого художника «Весенний пейзаж» приобрела Третьяковская галерея — настоящее признание! Впрочем, индивидуальный стиль Ларионова тогда ещё только формировался, художественные открытия, вписавшие это имя в историю искусства, случились позже — в начале 1910-х. И связаны они были с изображением обнаженной натуры.

От Леды до Олимпии

Вплоть до XIX в. было не так много ситуаций, которые позволяли художнику изобразить обнаженную женскую натуру. Полная нагота была связана, как правило, с античной мифологией. Благодаря той свободе, с которой древние греки и римляне описывали приключения своих богов, живописцы могли порадовать и себя, и заказчика фривольными образами. Достаточно вспомнить многочисленные вариации на тему соблазнения Леды Юпитером в образе лебедя, а также практически все сюжеты с Венерой («Рождение Венеры» Боттичелли, «Венера и Адонис» Тициана, «Спящая Венера» Джорджоне и др).

Кстати, «Леда и лебедь» — редкий пример ню у Леонардо да Винчи. Сама картина до нас не дошла, но сохранились эскизы, а также множество копий и подражаний, выполненных учениками мэтра. Позже сюжет с разной степенью откровенности воплощали Микеланджело, Веронезе, Рубенс, Буше, и всегда в этом читался явный эротизм. И все же привязка к мифологии или Библии (Адам и Ева) оставалась непременным условием полной женской наготы.

Все взорвал Эдуард Мане. Его «Олимпия», написанная в 1863-м и выставленная в 1865 г., произвела грандиозный скандал, хотя, глядя на это вполне реалистическое, изысканное полотно сегодня, нам сложно с ходу понять, что же так шокировало парижскую публику. Действительно, композиция «Олимпии» во многом повторяет «Венеру Урбинскую» Тициана, включая позу и «открытость» лежащей прелестницы. Но в том-то и было новаторство, что Мане не «прятался» за Овидия и Гомера. Более того, его героиня — куртизанка. И её прямой, дерзкий взгляд на зрителя воспринимается иначе, нежели чуть застенчивая полуулыбка Венеры, — как вызов женщины, осознающей свою сексуальность и использующей её.

В последней трети XIX и начале XX в. женские ню стали бесконечно разнообразными. Так, у Зинаиды Серебряковой это лишенное прямого сексуального подтекста изображение крестьянских девок, для которых нагота — естественна («Баня»). А у Густава Климта — воплощение изломанной чувственности модерна («Змеи», «Обнаженная истина»). Широко известна его же графика — в ней художник, не скованный общественными приличиями, зачастую балансировал на грани между эротикой и порнографией.

Читать дальше... 

Однако у Климта же наметилась другая тенденция, которая и станет доминирующей во втором десятилетии XX века: рисовать женское тело не прекрасным, а отталкивающим; сознательно нарушать каноны красоты. Теперь ню — не просто услада для мужских глаз и тайное потворство инстинктам, а выражение душевного состояния — даже не модели, а живописца и всей эпохи. Именно в творчестве Климта и, в большей степени, его младшего товарища Эгона Шиле сформировался экспрессионизм — художественный ответ на мрачные предчувствия грядущего апокалипсиса и ужасы Первой мировой войны.

Самые откровенные акварели австрийского гения — не возбуждающие, а пугающие угловатой диссонантностью поз, неестественностью цветовой и анатомической. Параллельно с Шиле экспериментировал и Пикассо: в «Авиньонских девицах» (оригинальное название — «Философский бордель») он, как и Мане, изобразил дам полусвета, но исказил лица и нагие фигуры, превратив их в геометрические конструкции. Так родился кубизм.

В общем, к началу 1910-х г. обнаженную женщину можно было изображать в каком угодно контексте — сюжетном, стилевом, эмоциональном. Конечно, эксперименты всё равно вызывали скандалы — например, как только не упражнялись критики после показа портрета Иды Рубинштейн кисти Валентина Серова. Отмечали неестественную худобу танцовщицы, трупный оттенок её кожи… И всё же было чувство, что теперь уже допустимо если не всё, то почти всё.

Новый миф

На этой богатой, эстетически разнообразной почве и появились ню Ларионова. За 1912 . он создал ряд полотен с изображением обнаженных женщин, и большинство из них получили название со словом «Венера»: «Солдатская Венера», «Еврейская Венера», «Кацапская Венера», «Венера» (также известна по надписям «Венера Михаил»). Кроме того, сохранился карандашный эскиз еще одной картины, которая так и не была написана, — «Венера негритянская».

В своих «Венерах» Ларионов, конечно, вступает в диалог с Тицианом и Джорджоне. Героини лежат на кровати, опираясь на высокие подушки, их взгляд направлен либо на зрителя, либо немного вбок, но ни тени стыдливости у них нет. Напротив, листок, закрывающий лоно еврейской Венеры, выглядит издевкой над традицией изображения Евы. Пародией на ренессансный мифологизм читаются и сами названия, поскольку ничего божественного и даже просто возвышенного у ларионовских дам не заметно.

Но вместе с тем, если Серов и Климт, Шиле и Пикассо сознательно очищали женскую наготу от естественной притягательности, Ларионов, наоборот, возвращает моделям эротизм, воспевает сочные формы своих «венер», поданные с залихватским жизнелюбием. Это не эстетское экспериментаторство богемы, а грубоватое, утрированное воплощение солдатской, мещанской мечты.

Если до XIX столетия художники воспевали возвышенную красоту тела, во 2-й половине века эмансипировали сексуальность, а в начале XX и сексуальность, и красоту наготы было решено «отменить», то в 1910-х г. Ларионов снова дарует обнаженной женщине сексуальность, но не привязывает её к идеальным стандартам красоты. На фоне современных дискуссий о «боди-позитивизме» этот подход выглядит особенно актуальным.
Особняком в этом ряду стоит «Венера» («Венера Михаил»). Хотя полотно и примыкает к той же серии — как сюжетно, так и хронологически, однако оно открывает новые горизонты, причем не только в искусстве Ларионова, но и в мировой живописи. Эта «Венера» близка персонажам ларионовского цикла «Времена года». Анатомическое подобие, которое было в других «Венерах», здесь сменяется символическим образом, нарочито наивным и оторванным от реальности.

Элементы пародии на Венер прошлого остаются (причем можно усмотреть здесь и иронию над собственными «национальными» Венерами), но любые связи с анатомией исчезают окончательно: трехмерность (пусть даже «неправильная») сменяется двухмерностью, а все фигуры выглядят будто детскими рисунками. Вкупе с радостно-желтым фоном и общим светлым колоритом это сообщает картине какой-то фантастический солнечный оптимизм.

В работе «Венера» появляется еще один важнейший элемент: текст. Помимо изображения фигур и фона, здесь присутствует надпись — такая же нарочито корявая, детская: «Венера Михаил». Сложно поверить, но Ларионов, пожалуй, первый художник, который стал использовать текст как визуальный и концептуальный элемент картины.

Более полувека спустя текст поверх изображения (или даже вместо него) станет одним из главных художественных приемов родоначальника московского концептуализма Ильи Кабакова. И есть несомненный символизм в том, что Третьяковка проводит ретроспективу Кабакова «В будущее возьмут не всех» параллельно с выставкой Ларионова.

Впрочем, на картине «Венера» текстовый элемент фигурирует, скорее, декоративно и не несет концептуальной или формообразующей нагрузки. Иное дело — цикл «Времена года», созданный в том же 1912-м.
Четыре разноформатных полотна символизируют 4 времени года. Каждая композиция разделена на столько же неравных прямоугольников, внутри трех из которых — плоские двухмерные изображения, а четвертый отдан под текст.
«Осень счастливая блестящая как золото с зрелым виноградом с хмельным вином» — гласит одна из них. «Весна ясная прекрасная с яркими цветами с белыми облаками» — значится на другой... Лубочность текста подчеркнута его написанием — без знаков препинания, с «неправильными» переносами и будто бы случайными цветовыми акцентами.

Та же нарочитая наивность характерна и для центральных фигур каждого полотна: это обнаженные дамы в окружении ангелочков, птиц и деревьев. Впрочем, их нагота — совершенно условна. От ню эротического Ларионов приходит к ню символическому, от мужского взгляда на модель (пусть даже и с оттенком карикатурности) к взгляду детскому.

Усиливает ощущение инфантильности изображений почти однотонный фон: светло-оранжевый в «Весне», коричневый в «Зиме», синий в «Осени» и фиолетово-черный в «Лете».

И вот что интересно: если во второй половине XIX в. изобразительное искусство освободилось от оков мифа, прежде незыблемых, по крайней мере, в отношении ню, то в XX столетии Ларионов снова возвращается к первоосновам — не только европейским (Венеры), но и русским: «Времена года» отсылают к нашему язычеству, а отнюдь не греко-римскому. Уместно провести параллель с «Весной священной» — знаменитым балетом дягилевских «Русских сезонов», музыка которого была написана Игорем Стравинским в том же 1912 г.

Красавицы и спутницы жизни

За свою жизнь и даже за относительно недолгий русский период Михаил Ларионов сменил множество стилей, манер письма. Что, в общем-то, было обычным явлением для авангарда. Но необычно другое: во всех экспериментах он сохранял светлый, удивительно оптимистичный, подчас даже праздничный взгляд на мир. Идиллия «Времен года», задорный эротизм «Венер», лучезарные квази-абстракции, для которых Ларионов придумал свой термин — «лучизм»...

Во всем, что делал Ларионов, чувствуется гармония с собой и с миром. И, наверное, не в последнюю очередь это следствие его счастливой семейной жизни. Наталья Гончарова, а не абстрактные венеры, была главной его красавицей и вдохновительницей. Её он изображал неоднократно, и некоторые из портретов можно будет увидеть на выставке Третьяковки.

Союз Ларионова и Гончаровой вообще уникален, причем по многим параметрам. Во-первых, в артистической среде такие долгие и крепкие браки — в принципе редкость. Во-вторых, это отношения не художника и музы (как, например, у Дали и Галы), а 2-х равновеликих творческих личностей; без них обоих история авангарда немыслима. И в-третьих, несмотря на стабильность их союза, сам его формат был далек от традиционного. И дело вовсе не в том, что вплоть до 1955 г. они не были ни венчаны, ни расписаны.

Обосновавшись в Париже, супруги дали друг другу нетипичную свободу: начиная с 1920-х годов Ларионов нашел постоянную спутницу жизни и новую модель — библиотекаршу Александру Томилину, которая жила в том же доме, что и он с Гончаровой. В свою очередь, в жизни Гончаровой появился издатель Орест Розенфельд. Нередко они отдыхали вчетвером; в письмах друг другу Ларионов и Гончарова передавали приветы Оре и Шурочке. И Розенфельд, и Томилина поддерживали художников: первый — заказами от издательства, вторая — уходом и помощью по хозяйству. Гончарова, не умевшая готовить, шутила, что, если в доме есть несколько женщин, старшая из них может ничего не делать. И отмечала, что ревновать им друг к другу не стоит.

Во время Второй мировой войны Розенфельд попал в концлагерь, Гончарова предпринимала отчаянные усилия для его вызволения. И хотя её труды оказались напрасны, он чудом остался жив, но после 1945 г. уехал и женился на другой женщине. Томилина же прожила с Ларионовым и Гончаровой вплоть до смерти последней, после чего стала законной супругой пожилого мэтра. Правда, практического смысла в этом браке было больше, чем романтического: тяжело больной художник чувствовал, что скоро и он уйдет в мир иной, а о его и Гончаровой живописном наследии и огромном архиве сможет позаботиться только Томилина.
И действительно, всю дальнейшую жизнь после смерти Ларионова она посвятила выполнению последней воли мужа: передать то, что осталось от художников, на их родину. Она же организовала единственную советскую выставку Ларионова — в 1980 г. экспозиция была показана в Русском музее, а затем — в Третьяковской галерее. Теперь же Ларионов возвращается к нам во всей полноте своего радостного гения.

- Эскиз картины «Леда и лебедь» художника Леонардо да Винчи
- Картина «Леда и лебедь» художника Питера Пауля Рубенса
- Картина «Олимпия» художника Эдуарда Мане
- Картина «Водяные змеи II» художника Густава Климта
- Картина «Авиньонские девицы» художника Пабло Пикассо
- Картины «Кацапская Венера» художника Михаила Ларионова (слева) и «Венера Урбинская» художника Тициана
- Картина «Солдатская Венера» художника Михаила Ларионова
- Серия «Времена года (новый примитив). Зима» художника Михаила Ларионова. 1912
- Серия «Времена года (новый примитив). Осень» художника Михаила Ларионова. 1912
- Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов. Фотография. [Начало 1950-х, Лондон]

[Хранитель укропа]

ЗАЧЕМ НУЖЕН СОЮЗ ХУДОЖНИКОВ ???

24 сентября · Санкт-Петербург
(fb статья Ирины Дудиной)
15 лет назад, работая в журнале «Нам Невском», я написала глуповатый текст про Союз художников С-Петербурга - «Сундук с нафталином». Но через 10 лет именно в него я вступала с трепетом и уважением. После того, как грубо снесли здание на углу Невского и Восстания, я начала шить на машинке «политические коврики», в которых призывала: «Пока вы спите- рушат Питер», «Закон выше власти денег» и т.д. Коврики стали пользоваться успехом, выставляться в музеях, галереях.
Однажды ко мне подошел пожилой художник и сказал: «У вас такие замечательные коврики! Вступайте к нам в Союз художников!». Я была изумлена, и уже на следующий день в «сундуке с нафталином» меня страстно обласкала секция плаката со словами «Где же вы раньше были», вскоре меня приняли в СХ и даже дали мастерскую- очень тяжкую, разваленную, с лестницей, усиженной бомжами, но я была счастлива, ибо теперь мне было где строчить свои остросоциальные ткани, не мучая домочадцев тюками с тряпками, пылью и стрёкотом.
Моё отношение к СХ резко изменилось, я изнутри увидела организацию, жаждущую обновления и омоложения, но при этом прежде всего уважающую профессионализм, талант и качество работ. СХ оказался отнюдь не прибежищем окаменевших академистов, тут можно встретить «леваков» всех сортов. Среди членов СХ я увидела модного у нас и в Европе Андрея Люблинского, любимца Эрарты Арона Зинштейна, певца женской плоти Виктора Ляпкало, наследницу космизма Любу Иночкину, митьков Ирину Васильеву и Владимира Яшке, чья выставка в Русском музее беспрецедентно была продлена на 2 срока.

Мне понравилась секция плаката. Она объединяет остроумных, талантливых людей, продолжателей знаменитого ленинградского «Боевого карандаша». В секцию плаката не приняли скандального Колю Копейкина, отчего он обиделся и создал галерею «Свиное рыло». Я считаю, что зря его не приняли, был бы членом - его галерея была бы типа «Кошачий глаз» вместо свинства. Когда-то к секции плаката принадлежал веселый Гага Ковенчук, внук генерала, врача, отца авангардистов и «Бродячей собаки» Николая Кульбина (сейчас в Инженерном замке проходит его выставка)… Ныне в Русском музее выставляется потомственный художник Игорь Пестов со своим супер модным гиперреализмом и мясом. В городе можно увидеть произведения превращающихся в классиков Каминкера, Шорина, Едомского.
Тут в одном из интервью в СМИ прозвучал вопрос журналиста: «А собственно кто они, эти люди, члены СХ? Кому они в городе нужны, кто их знает?». Похоже, что этот малообразованный журналист из тех, кто как рыба в воде плавает только в том мире, который сам и создал. Кроме Киркорова и Петросяна, «Мишек в лесу» и «художника Павленского», он вряд ли кого знает. Ещё слегка просветим его и ему подобных.
Альберт Серафимович Чаркин, председатель СХ с 1997 по 2017- автор самых популярных скульптур в городе. Городовой. Александр Невский, Чкалов, Остап Бендер, Есенин, бюст Петра-I на Московском вокзале и стела возле него - это всё он. В Мраморном дворце можно было видеть грандиозные выставки наших современников и членов СХ Лукки, Сажина, Вячеслава Михайлова, Казбекова, Яхнина, Аршакуни, Феликса Волосенкова.
Членом СХ и его председателем в 1962-1972 г. был знаменитый скульптор Аникушин… Всё в городе, что привлекает глаз и выглядит достойно в метро и общественных зданиях, сделано членами СХ. Члены СХ - это высочайшие профессионалы- эмальеры, витражисты, керамисты, работающие в Эрмитаже и восстанавливающие культурные ценности разных эпох, это кузнецы и художники по текстилю, имеющие международные призы, авторы работ, получивших признание в Европе, Китае. Работы многих членов СХ выставляются в самых престижных московских, европейских и китайских галереях, стоят десятки тысяч долларов. Но СМИ и те, кто хотят скушать здание и ликвидировать Союз, об этом ничего не знают…
Профессионализм – вот главная уза Союза художников. Что такое был и есть СХ ? Это средневековый цех профессионалов своей области, это профсоюз, это знак качества художника. Ежегодно сотни молодых людей получают дипломы Академии Художеств, Мухинского, художественных факультетов других ВУЗов. Не все становятся художниками. Но те, кто продолжают творить, очень нуждаются в Цехе, Союзе, организации профессионалов, где эксперты поставят или нет «печать ГОСТа». Коричнево-красная книжица членства продолжает стоить очень многого. Она заменяет трудовой стаж при выходе на пенсию, она дает возможность художникам работать в мастерских. Главное - художников, работающих в разных сферах нашего капиталистической экономики, она соединяет в одной точке пространства.
Хлеб художника ныне не прост, большинство преподают, занимаются дизайном и рекламой, издательским делом, интерьерами, реставрацией и даже просто строительными работами, работают на киностудиях. Единицы могут похвалиться тем, что живут только на доходы от продажи картин. Но именно в здании СХ на Б.Морской минимум 2 раз в год они все могут проверить свой профессионализм, принести свои именно художественные произведения, показать свое мастерство.
Работа художника - одна из самых странных и тяжких. Один на один с холстом и красками, в полной тишине и одиночестве, и так каждый день. Настоящие художники часто похожи на глухонемых. У них детские, пронзительные глаза, замедленные улыбки и медленная речь. И в наши времена, когда сделать выставку в галерее – это целый коммерческий подвиг с дорогой арендой и часто нулевым эффектом, бесплатное участие в выставках СХ - это даже не подарок, это необходимая норма.
Художники выходят из своего одинокого безмолвия в люди, они сменяют свои заскорузлые халаты на приличную одежду, отчищают ногти от красок, они встречают подобных себе чудаков и мастеров… Многих удивляют на вернисажах группки художников, объединяющихся вокруг бутылочки с коньяком и бутербродиков. Но надо понять, что за этим праздником жизни стоит тяжкий труд людей, которые продолжают дело живописания и рисования мира таким, каким они его видят, не обращая внимание на успех или неуспех.
Общие выставки СХ, которые многих удручают преобладанием пейзажей с избушкой и березкой без возможности идентифицировать время изготовления пейзажа и авторский почерк, я увидела по-новому. В СХ много художников, выдрессированных академизмом и стремящихся показать именно профессионализм в реалистической школе, густоту и точность мазка, тонкую передачу настроения природы. И ведь именно эти работы - золотой фонд страны, противостоящий тиражам принтов, непрофессиональным поделкам художников-любителей, возгордившимся тем, что умеют по квадратикам нарисовать подсолнухи прямо как Ван-Гога. Китайцы это поняли, и тоннами вывозили картины петербургских реалистов и их самих в свою страну. Пока мастерски не переняли наш опыт и не подготовили свою реалистическую школу, наводняющую Китай с его квартирным бумом реалистическими пейзажами и натюрмортами, созданными молодыми китайскими художниками. По фэн-шую положено каждой квартире иметь написанную живой рукой картину с духовным содержанием. У нас тоже квартирный бум, но наши соотечественники ничего не понимают в целительной ценности живой живописи и украшают стены дешевыми принтами с котиками из Икеи, чья стоимость – это стоимость картонки.
В трагической разлучённости горожан со своими художниками и их картинами злую роль играют СМИ, полностью убравшие художников с экранов ТВ и страниц газет и журналов
Многие художники, ныне известные и успешные, стали членами СХ далеко не с первого раза. Секции некоторым претендентам советовали набраться мастерства, другие выглядели несерьёзно, имея за душой 10 работ и ни 1 выставки. СХ стимулирует, его знак качества пока имеет цену, СХ не пускает в свои ряды любителей и профанаторов от искусства. Во многих «передовых странах» всё давно не так. В США достаточно 2-м соседям пойти в полицейский участок и сказать, что 3-й сосед рисует картинки, которые им нравятся, как сосед этот объявляется художником и получает некие преференции. У нас это не так, и Слава Богу.
У нас культурная столица, у нас СХ- это место, куда следует идти тем, кто ищет высокопрофессиональных мастеров, когда нужно расписать стены, получить портрет жены, купить картину для офиса или в подарок юбиляру. Это место, которое постоянно посещают коллекционеры, думающие о будущих ценах на настоящее искусство. Диваны развалятся, деньги в гроб не унесешь, а картины только растут в цене… На общих выставках СХ всегда так много посетителей. Кому надо, тот внимательно исследует работы, ищет новые имена и контакты. Ни одна галерея в городе не делает таких выставок, где звучат все имена.
Да, в СХ в период капитализма накопилась масса негативных явлений, к детям художникам, которых «каждый обидеть может», просочились совсем не навивные люди и увлечения коммерцией в некоммерческой организации. Но это не повод, чтобы лишать художников Питера профессионального Союза и исторического здания, идеально подходящего для того, чтобы быть объединяющим центром их общения.
Если негативный сценарий осуществится, то вскоре и у нас, чтобы называться художником, достаточно будет тёте Глаше пойти с дядей Мишей и соседкой Зульфиёй в полицейский участок за справкой, что дядя Миша неплохо рисует котиков и потому должен получить справку, что он художник. А потом и вузы можно позакрывать… И пусть свобода всех накроет пластиковым тазом!....

[Sevrov7]

Паспорт Виктора Цоя продали на аукционе в Москве. Лот ушёл за 9 млн рублей, при этом стартовая цена составляла 2,5 млн, сообщает LIFE SHOT.

Также были проданы автограф и рукопись песни (3,6 млн рублей), записная книжка с телефонами рок-тусовки Москвы и Петербурга тех времён (3 млн), черновик (550 тысяч). Почти все лоты, кроме последнего, достались одному покупателю.

Записную книжку до торгов оценивали в 500 тысяч рублей, рукописи песен — в 250 тысяч.

http://yandex.ru/clck/jsredir?bu=e15...&hdtime=372121

[Хранитель укропа]

Сообщение от Sevrov7

Паспорт Виктора Цоя продали на аукционе в Москве. Лот ушёл за 9 млн рублей, при этом стартовая цена составляла 2,5 млн, сообщает LIFE SHOT.

Хорошо лот выстрелил, не думал, что
на такую большую сумму выйдут.

[Хранитель укропа]

..пишут в СМИ..

В центре Киева появилась гигантская "зига"

Удивительный монумент стал объектом издевательства

Вероника ПОДСТРЕХИНА

Украинские власти решили занять пустующее место на Бессарабке, там, где до ноября 2013 г. стоял памятник Ленину. Напротив опустевшего пьедестала они поставили огромную руку цвета лазури.
Самым популярным у пользователей Сети, которых повеселил новый арт-объект, стало определение "рука Кремля", но были и те, кто выдвинул другие версии.

Так, журналист Олеся Медведева решила провести опрос, что может означать сия конечность в нынешних украинских реалиях: канонизированную "зигу", рвущегося из ада Бандеру либо это попросту рука, просящая милостыню, правда, установленная под неправильным углом.
В комментариях подписчики посчитали, что, скорее всего, это символ борьбы с коррупцией. "Синяя? Отрубили и умерла – неужели рука коррупции? Кто автор – НАБУ, ГПУ и т.д.?" – задали они вопросы и сами же себе и ответили: "Только на руку денег хватило, туловище на офшоры ушло".
Многие посчитали, что это нынешняя тонущая Украина. "Похоже, как кто-то тонет. В столице Украины", "страна тонет", "Тонет вся бывшая Украина в собственной столице", – написали они, добавив, что это очень "символично".
"Не надо искать смысла. <…> Она там, где и должно быть современное искусство, – в ж..е мира. Торчит и мозолит всем глаза", – отметил один из комментаторов.
https://scontent-arn2-1.xx.fbcdn.net...mp;oe=5C5B581E
Блогер Андрей Плахонин уверен, что новый памятник стал символом дружбы страны с МВФ.
"А к огромной руке, которую собрались установить на месте Ленина у Бессарабки, будут привозить миссии МВФ <…> в мэрии говорят, протянутая рука это символ дружбы. А ее огромный размер наглядно демонстрирует, как сильно мы хотим с МВФ дружить".

Однако один из авторов, видимо, помнящий советские мультфильмы, заявил, что "это рука водяного. Помните сказку? Рука высовывалась из воды, грозила пальцем и при этом звучали слова "должок".

"Символично, но вспомнилось: эти руки ничего не крали", – заключает журналист Елена Скидан.

В киевской мэрии пояснили, что арт-объект создан румынским скульптором Богданом Раци и называется Middle Way ("Золотая середина"). Скульптура символизирует дружбу и общение в рамках проекта "Киев – город мира", пишет издание "Страна.UA".

[Хранитель укропа]

.. путь в искусство..

Младшая сестра Водяновой.

Многие знают, что у супермодели Натальи Водяновой есть 30-летняя сестра Оксана, страдающая аутизмом и ДЦП. Манекенщица часто рассказывает об «особенной» родственнице, уверяя, что именно она подвигла ее создать благотворительный фонд «Открытые сердца».
Однако у звезды мировых подиумов есть ещё одна сестра по матери — Кристина Кусакина.
Девушка нечасто светится в обществе, однако у неё с Водяновой довольно близкие отношения. 22-летняя сестра манекенщицы не стала пробовать свои силы в мире моды, но не осталась она и в Нижнем Новгороде. В 11 лет Кристина уехала учиться в закрытую школу-интернат для девочек в Англии, где в то время жила Водянова с семьей, а потом окончила факультет искусствоведения American University в Вашингтоне.
Теперь же Кусакина намерена связать свою жизнь с миром искусства, тем более что за ее плечами уже есть стажировка в аукционном доме Christie' s.
Однако многие интернет-пользователи считают, что девушка могла бы повторить успех Натальи. Это доказывает и свежее фото Кристины с отдыха в Италии. Сестра модели покрасовалась перед камерой в стильном белом купальнике, продемонстрировав, что обладает не только хорошей внешностью, но и прекрасной фигурой.
Сама Водянова очень хвалит родственницу, отмечая, что та всегда усердно училась, а теперь сфокусирована на карьере. Между тем в личной жизни у Кристины тоже все хорошо: она уже несколько лет встречается с молодым человеком по имени Макс, которого успела познакомить со всей семьей Водяновой.