Старый 16.12.2013, 19:21 Язык оригинала: Русский       #331
Гуру
 
Аватар для iside
 
Регистрация: 06.07.2009
Адрес: Другая Планета
Сообщений: 1,119
Спасибо: 3,965
Поблагодарили 3,149 раз(а) в 834 сообщениях
Записей в дневнике: 31
Репутация: 6318
По умолчанию

Сегодня 16-го декабря - День Рождения Василия Кандинского.

Цитата:
Василий Кандинский (1866—1944) сделал переворот в изобразительном искусстве. И сначала он сделал его буквально: вернувшись поздно из мастерской, он обнаружил в полумраке своего дома неизвестную чудесную картину.

Когда он приблизился к ней, оказалось, что это его собственная работа, случайно (случайно?) повешенная вверх ногами. Было совершенно непонятно, что за предмет изображен на картине, и это поразило художника. На следующий день он захотел испытать те же ощущения, но особого восторга не почувствовал. Да и предмет на полотне теперь можно было узнать даже вверх тормашками. Художник решил: долой предмет и саму «предметность»!

Вряд ли, правда, мастер был трезв в тот судьбоносный вечер (это объясняет и почему утром он был несколько разочарован), но, так или иначе, открытие было сделано. Хотя вообще-то Василия Васильевича отличает, я бы сказал, рафинированная трезвость. Достаточно посмотреть его карандашные эскизы, поражающие филигранностью. Поэтому забавно сейчас читать, как некоторые современные исследователи его творчества упирают на знание Кандинским шаманских практик Сибири (откуда был родом его отец). И различают на его холстах «галлюциногенные грибы, инкрустированные узорами». Так сказать, нажравшегося поганок Василия Васильевича (ни дать ни взять пелевинский герой) регулярно глючило, а как отпустит — сразу за кисть! Ведь разве нормальный человек способен узреть такое?
Читать дальше... 

А вот представьте себе!

Кандинский напечатал десятки статей, рефератов, эссе и автобиографическую повесть. Где довольно подробно изложил свой художественный метод и мировоззрение. Конечно, «специалисты» презрительно хмыкнут: так он и опишет запретное. Но Берроуза или Хаксли такие резоны не останавливали. Художника вообще мало что может остановить, ежели ему «песня крылья расправит».

Кандинский, в частности, говорил, что избавиться от «внешнего» ему помогали болезни. Ещё в детстве, из-за большой температуры, он наблюдал парочку видений. И позднее случались рецидивы (в рамках здоровой психики). А при развитом воображении он добивался точного воспроизведения виденных «духовных пейзажей».

Кандинский как художник эволюционировал постепенно, меняя стили и техники. «Долгие годы я себе казался обезьяной, запутавшейся в сети, — откровенничал он. — И только после больших усилий мне удалось опрокинуть эту «стену на пути к искусству». Развитие искусства, подобно развитию нематериального знания, не состоит из новых открытий, вычёркивающих старые истины и провозглашающих их заблуждениями. Его развитие состоит во внезапных вспышках, подобно молнии, из взрывов, подобно «букету» фейерверка, разрывающемуся высоко в небе и рассыпающему вокруг себя разноцветные звёзды…»

Результаты его усилий таковы, что только два русских художника в рейтинге мирового искусства проходят по разряду «тяжеловесов»: Кандинский и Малевич. Когда в 2007 году организаторы самой крупной премии (40 тыс. евро) в области российского contemporary art решали, чьим именем её назвать, выбирали исключительно между этими двумя авангардистами. В пользу Кандинского, как было заявлено, были такие аргументы: он гражданин мира (жил в Германии и Франции) и его картина «Фуга» (1914) удерживала ценовой рекорд 17 лет — она была продана в 1990 году на аукционе Sotheby's за 19 млн долларов.

Однако уже в 2008-м «Супрематическая композиция» Малевича была продана за 60 млн долларов. «Логика денег» в искусстве — вещь хоть и влиятельная, но сомнительная. Как сказал другой российско-французский классик, художник-эмигрант Оскар Рабин, «если мои картины в 60-е стоили на порядок меньше, они что, были хуже? Или когда цена поднялась на мои работы — они улучшились?»

Но вернёмся к основателю абстракционизма.

Кандинский пришёл к своему призванию только в тридцать лет. Он был доцентом на юридическом факультете МГУ. В 1895 году Кандинский отказывается от должности профессора Дерптского университета в Тарту и решает стать художником-профи. И отправляется в «царство модерна» — в Мюнхен.

Этому решению предшествовало несколько событий.

Во-первых, этнографическая экспедиция в Вологодскую область в 1889 году. «Помню, как я впервые вошёл в крестьянский дом, — вспоминал экс-юрист, — остановился на пороге как вкопанный. Стол, лавки, печь — всё сплошь было покрыто простыми, наивными орнаментами разнообразных цветов. На стенах — народные картины. Красный угол был заставлен образами и заклеен репродукциями икон. Когда, наконец, я прошёл внутрь избы, сам оказался в Картине».

Узоры в народном творчестве несут символическое и магическое значение. Под влиянием этой экспедиции Кандинский обратится к фольклору, былинам. Героями его полотен временно станут богатыри, драконы и красавицы в кокошниках. Но выполнять эти работы Кандинский будет в мозаичном стиле Климта.

Во-вторых, Кандинского потряс пейзаж Моне «Стог сена» на выставке импрессионистов в Москве. В.В. (как в случае с перевёрнутой картиной) понял, что там изображено, только прочитав название. Позднее он переосмыслил новую французскую живопись, отражающую распад цельной картины мира: от точек пуантилиста Сера до широких мазков Моне и геометризированных холстов Сезанна. На картинах самого прогрессивного тогда австрийского модерниста Густава Климта мир напоминал мозаику. Как сказали бы сейчас, Кандинский узрел точку сборки. Дополнительное впечатление на Кандинского произвело открытие деления атома. Материальный мир стремительно терял прочность! Оказывается, его можно было «разобрать». Но что там дальше?

В-третьих, Кандинского поразила опера Вагнера «Лоэнгрин» в Большом театре: тогда в сознании московского доктора права звуки отчётливо окрасились в определённые цвета…

По схожему с Кандинским пути двигался голландец Пит Мондриан. Так же, как Кандинский, он был увлечён французскими живописными новациями и модными мистическими учениями: теософией и антропософией. Но, в отличие от пластичного, восприимчивого к музыке Кандинского, Пит был холодным философом. Под его «распадающимися» пейзажами обнаружилась структура мира, его «скелет» в виде крестов и квадратов. Холсты Мондриана похожи на конструктор Lego. Этот мир статичен.

Кандинского же увлекала динамика: «Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путём борьбы создать новый мир, который зовётся произведением. Каждое произведение технически возникает, как возник космос, путём катастроф, подобных хаотическому рёву оркестра, выливающемуся в конце концов в симфонию, имя которой — музыка сфер. Создание произведения есть мироздание».

То есть при помощи красок художник моделирует космические процессы, которые сравнимы с симфониями. И наоборот. На пересечении живописи и музыки Кандинский-теоретик сделал важный вывод: для художника отпала обязательная необходимость рисовать с натуры. Он может творить, повинуясь внутренним импульсам: «Произведение возникает целиком «из художника», что известно в музыке в течение нескольких столетий. В этом смысле живопись догнала музыку».

Продолжая линию «звучащих» картин, Кандинский свои работы называет «композициями», «импровизациями» и «фугами». К концу 10-х годов XX века он начинает выдавать подлинные шедевры.

Из полуабстрактных это «Деталь композиции IV», или «Казаки» (1910). Художник утверждал, что её сюжет навеян казаками, спускающимися по улице в 1905 году.

В верхнем левом углу картины двое казаков дерутся на саблях. Справа, внизу, — стоят с пиками. Вдалеке синий холм с дворцом. От зрителя к замку ведёт мост в виде радуги. Этот мотив близок будущей поэме Блока «Двенадцать»: пройдя горнило революции, наши граждане поднимутся по радуге-мосту в духовные чертоги…

В это время Кандинский опубликовал труд «О духовном в искусстве» (1912) и составил (вместе со своим другом немецким художником Францем Марком) альманах «Синий всадник» (1912). Была торжественно объявлена эпоха Великого Духовного, когда произойдёт синтез искусств, потому как при внешних различиях налицо «внутренняя тождественность звука, цвета, слова». (В русле этих идей — цветомузыкальные симфонические поэмы Александра Скрябина.)

Уже сложившимся мастером Кандинский в 1914 году возвращается на родину.

Франц Марк убит в Первую мировую осколком снаряда.

Уже поменьше «радужных» красок в программной картине Кандинского «Москва. Красная площадь» (1916). По существу, на полотне — теософская планета Москвы (вроде планет-миров в сказке Экзюпери «Маленький принц»).

В центре холста мужчина и женщина, вокруг них несколько сфер, на которых расположились высотки, соборы, кладбища, река. Из верхнего угла сквозь облака бьёт солнце, из правого — готова проклюнуться луна. За пологом жёлто-голубого неба открывается звёздная бездна — это лирико-мистическое полотно, словно иллюстрация к ещё не написанному Булгаковым роману «Мастер и Маргарита».

О любимом городе Кандинский напишет: «Москва: двойственность, сложность, высшая степень подвижности, столкновение и путаница отдельных элементов внешности… Эту внешнюю и внутреннюю Москву я считаю исходной точкой моих исканий. Москва — мой живописный камертон».

Октябрьскую революцию Кандинский принял восторженно, поскольку большевики поначалу поддерживали левые течения в искусстве. Социальные катаклизмы вдохновили художника на создание ярких апокалипсических холстов, на которых, кажется, борьба идёт на разных планах реальности («Смутное», 1917, «Импрессия», 1917, «В сумерках», 1919).

Кандинский попытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что ему, потомку дворян и космополиту, не по пути с диктатурой пролетариата. В 1921-м он отправляется обратно в Германию.

За границей он продолжает развивать принципы беспредметной живописи: его картины спокойны, медитативны и сбалансированы. Он преподаёт в Веймаре в академии Баухауз. В 1933 году Баухауз был объявлен «опасным гнездом большевизма» и закрыт нацистами.

Кандинский эмигрирует в Париж.

В 1937-м пятьдесят работ Кандинского попадут на выставку в Мюнхене «Дегенеративное искусство». Во Франции же ему респект: в гости часто наведываются знаменитости, но у публики к В.В. интерес сдержанный. Перед войной он получил французское гражданство.

Его картины конца 30-х становятся холодны и безжизненны. С 1940 года он «населяет» полотна существами, смахивающими на планктон. Возможно, в этих простейших организмах Кандинский видел наиболее точное воплощение законов космической гармонии (как, к примеру, в раковине моллюска).

Умер художник в своём доме в западном предместье Парижа Нёйи-сюр-Сен 13 декабря 1944 года.

Бум абстрактного искусства начнётся в 50-е, но уже в США.

Представители американского абстрактного экспрессионизма (Арчил Горки, Марк Ротко, Виллем де Куниг) назовут Кандинского своим учителем.

Напоследок хотелось бы процитировать некоторые высказывания Мастера. Уж больно хороши!

Принципы ответственности художника за свои творения, сформулированные Кандинским в книге «О духовном в искусстве», не потеряли актуальности. А показанная им ситуация в арт-среде будто списана с наших современников.

«Конкуренция» растёт. Дикая погоня за успехом делает искания всё более внешними. Маленькие группы, которые случайно пробились из этого хаоса художников и картин, окапываются на завоёванных местах. Оставшаяся публика смотрит, не понимая, теряет интерес к такому искусству и спокойно поворачивается к нему спиной».

«Иногда художник пользуется своей силой для потворства низменным потребностям: в якобы художественной форме он изображает нечистое содержание, он привлекает к себе слабые элементы, постоянно смешивает их с дурными, обманывает людей и помогает им обманывать себя, убеждая себя и других, что они жаждут духовно и удовлетворяют эту жажду из чистого источника. Такого рода произведения не помогают движению ввысь, они тормозят, оттесняют назад стремящихся вперёд и распространяют вокруг себя заразу».

«Художник — служитель высшим целям, обязательства которого точны, велики и святы. Он должен воспитывать себя и научиться углубляться, должен прежде всего культивировать душу и развивать её, чтобы его талант стал облачением чего-то, а не был бы потерянной перчаткой с незнакомой руки — пустым и бессмысленным подобием руки».

«Художник несёт троякую ответственность, по сравнению с не-художником: 1) он должен продуктивно использовать данный ему талант, 2) поступки, мысли и чувства его, как и любого другого человека, образуют духовную атмосферу, очищая или заражая окружающую среду, и 3) поступки, мысли и чувства являются материалом для его творений, которые, в свою очередь, воздействуют на духовную атмосферу. Художник — «царь». ......
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: Vassily-Kandinsky.jpeg
Просмотров: 205
Размер:	11.3 Кб
ID:	2191631  
__________________
Per aspera ad astra



iside вне форума   Ответить с цитированием
Эти 4 пользователя(ей) сказали Спасибо iside за это полезное сообщение:
Art-lover (18.12.2013), Jasmin (16.12.2013), prosto_valentina (11.03.2014), REM (22.12.2013)
Старый 18.12.2013, 23:09 Язык оригинала: Русский       #332
Авторитет
 
Аватар для Art-lover
 
Регистрация: 25.10.2008
Адрес: Киев
Сообщений: 825
Спасибо: 1,587
Поблагодарили 2,452 раз(а) в 384 сообщениях
Записей в дневнике: 2
Репутация: 3846
По умолчанию ложка дегтя )

Цитата:
Сообщение от iside Посмотреть сообщение
Вот сижу читаю Екатерину Деготь, к которой в последнее время прониклась большим уважением и почтением, а она пишет следующее:

Цитата:
После линейки была дана команда «вольно» и было предложено осмотреть выставку поздних работ Марка Ротко, которой музей очень гордится. Все магазины Tate заставлены чашками в соответствующую полосочку — темно-красного цвета, цвета запекшейся крови (такое у позднего Ротко было видение мира). Выставка как выставка, но посетители явно делились на две группы: просто посетители и те, кто недавно побывал на выставке Кабакова в Москве. Первые ходили с восхищенным видом, а вторые с несколько растерянным (это не моя выдумка, я кое-кого спросила). Дело в том, что после кабаковских персонажей типа Шарля Розенталя ни одну выставку «поздних работ», особенно таких пафосных, смотреть без смеха невозможно. Длинная череда темно-серых стен с абсолютно одинаковыми — и по размеру, и по цвету — абстрактными картинами, излучающими немыслимую и ни на чем не основанную духовную претензию. Это, конечно, чистой воды Шарль Розенталь, если не Васисуалий Лоханкин.

Все-таки нельзя забывать, что изначально абстрактное искусство задумывалось как грандиозное надувательство, как грубый отказ дать обывателю картинку с голой теткой. Тем-то и велик Малевич, что у него это очень откровенно. Когда этот момент надувательства начинают тщательно камуфлировать, а VIP-обыватель подыгрывает и с умным видом утверждает, что только и мечтал о темно-красных полосочках и никакая голая баба ему не нужна, — это все достойно пера Даниила Хармса. Или Кабакова.
Есть целых две причины, по которым на этот легкий стеб из колонки светской арт-хроники 2008 года стоит как-то отреагировать.

Первая: он здесь процитирован. Так сказать, дегустация ложки Дегтя в нашей бочке абстракции.
Вторая: приведеный пассаж дает забавный и поучительный пример мутации восприятия текста в зависимости от контекста.

Ведь что можно вычитать из него в том виде, как он приведен (в почтительном наклонении к Е.Д.) Iside?
1. Кабаков сделал проект, в свете (или в тени) которого весь Ротко и проч. пафосная братия выглядят анекдотично. Отныне и навеки.
2. Абстрактное искусство задумывалось грюндерами как фига обывателю, рынок же конвертировал фигу в конфетку. И теперь Вери Импотентные Персоны - регрессировавшие от ГБ (Голой Бабы) реализма к ГБ (Грандиозной Бессмылице) беспредметного - имитируют экстаз от этой конфетки.
Прививка чувства юмора, по мысли Е.Деготь, должна вернуть бедолагам угасшие рефлексы. В общем, всем обывателям строем марш на "Жизнь и Творчество Шарля Розенталя".

А теперь сопоставьте исходную цитату с комментарием Кабакова к его проекту "Розенталь" (который, в свою очередь, суть подмножество метапроекта "Тотальная инсталяция"):
Цитата:
О «ХУДОЖНИКЕ-ПЕРСОНАЖЕ»

Под этим понятием мы будем иметь в виду результат процесса, в котором автор (он же креатор, «создатель») создает не художественные объекты картины, скульптуры и т. д., а создает главное и важнейшее свое произведение «художника-персонажа», который уже, в свою очередь, создает, «творит» соответствующие художественные изделия: картины, скульптуры и т. д. ...

Сегодняшняя арт-сцена наполнена, по этой версии, многочисленными «художниками-персонажами», но чтобы описать их возникновение, следует обратиться к началу и середине XIX века. Это время, когда вся система художественного производства работала, если можно так выразиться, в автоматическом режиме, и только с появлением романтизма и реализма меняется отчасти «луч внимания» художников: с возвышенных, идеальных образов, принятых в академизме, этот луч спускается ниже к земле, освещая новые темы и образы.

Параллельно, сначала медленно, потом все быстрее, этот «луч» перестает быть лучом пристального, подробного внимания, теряет свою фокусировку и заменяется быстрым, почти мгновенным «впечатлением», где на первый план выходят совсем другие эффекты расфокусированного мира цвет, свет, белые и черные пятна, зигзаги и точки, а не формы, объемы и четкие контуры, как это было раньше.

Соответственно меняется и взгляд на картину, изображающую такое видение, меняется техника и метод ее исполнения.
Читать дальше... 

Но не менее важным становится одновременный процесс депрофессионализации художника, неполнота и недостаточность его художественного образования, деградация классической школы обучения. На фоне сегодняшнего почти полного отсутствия художественного образования в Европе и Америке это замечание может выглядеть не совсем убедительным, но в свое время, в конце XIX века, «утрата мастерства» широко обсуждалась; но ни вернуть прошлое, ни остановить происходящее не представлялось возможным. На независимой сцене появляются постепенно произведения людей, отвергавшихся до определенной поры художественным профессиональным сообществом как «профессионально беспомощные». Речь в данном случае идет о Сезанне и Ван-Гоге.

Я не оговорился, написав слово «людей». Сезанн, не прошедший академическую школу и работавший в первый период своего творчества как автодидакт (по сегодняшней терминологии), пошел в дальнейшем по пути создания «полноценной» картины при помощи им самим придуманной технологии, бесконечно трудоемкого, мучительного метода (превращения в глазу реального ландшафта в набор цветовых пятен, а потом перенос этих пятен на холст в определенной последовательности). Любопытно, что в результате должен был возникнуть на картине все тот же реалистический ландшафт, натюрморт или портрет.

Здесь, как нам кажется, впервые возникает деятельность «художника-персонажа»: самодеятельный практик-экспериментатор, выращивающий в одиночку в колбе искусственный продукт, который, при правильном течении процесса, должен стать схожим с продуктом, полученным органическим способом.

В Ван-Гоге мы видим другой тип «художника-персонажа»: настоящий художник это безумец, впадающий в неистовство во время приближения к холсту, соединяющий в этом приступе движения кисти, появление раздражающих нервы красок и доведенного до максимальной пронзительности впечатления от натуры в единое целое. Описание ухода сознания в безумие, понимание, что только при этом условии возможен подлинный художественный процесс и качественный результат, принятие этого условия обмена сознания на искусство звучит с каждой страницы его писем к брату.

Прекращение необходимости художника изображать внешний мир приводит к еще одному примеру «художника-персонажа»: возникновение интеллектуала наблюдателя за процессами функционирования художественной вещи в арт-мире, провоцирующего и наблюдающего результаты этих провокаций сам оставаясь в стороне, на позиции вполне «нормального», человека со здравым смыслом (имеется в виду М. Дюшан).

В начале XIX века характерна и много раз воспроизводима фигура художника-авангардиста, тоже по существу «персонажа». Это человек, берущий на себя тяжкое бремя вождя и пророка, соединившего свою судьбу с духовной миссией. Ослабление церковного влияния на общество привело к тому, что это место стали занимать художественно одаренные натуры, смешавшие воедино эстетическую концепцию и религиозную экзальтацию, открывшие при этом соединении новые символы и знаки. Речь в данном случае идет о некоторых художниках русского авангарда (Малевиче, Филонове, Кандинском и др.).

Во всех перечисленных случаях речь идет о характерной для модернизма раздвоенности человека и художника, сложной драматургии их отношений внутри одной личности, контроле то человека над «художником», то «художника» над человеком. В первом случае происходит наблюдение или эксперимент над деятельностью «персонажа» (Сезанн, Серра, Дюшан). Во втором наоборот, захват «персонажем» человека, растворение его или в «безумии» или в «профетичности» (Ван-Гог, Кандинский, Малевич). Но в обоих случаях эта пара действует как единое целое, проживая до конца свою общую судьбу. При этом возникает одна особенность деятельности «художника-персонажа» акцент смещается с производимого продукта на общую стратегию и смысл его художественной практики, на его основной, как сейчас бы сказали, «проект». «Художник-персонаж» не ориентирован на производство «шедевра». Его главным произведением, предметом его постоянного внимания становится он сам, вся его деятельность в качестве персонажа, понимаемая им как единое целое, как единый продукт всей его жизни. ...

В довоенную эпоху XX столетия все ценностные характеристики в описываемой паре человек персонаж были акцентированы на втором понятии персонаже. Он приковывал к себе внимание общества, точнее околохудожественной среды, был в ней любим и правильно понят. Естественной, и даже обязательной, была его странность, исключительность, болезненность, безумность. Его удачливость и успех в этой среде приписывались его вдохновенности и талантливости, недоступной остальным смертным и присущие только художнику как особому антропологическому существу.

После войны эта устойчивая, казалось, ситуация постепенно стала меняться, и акцент внимания разбираемой пары «человек персонаж» стал смещаться в сторону «человека», в сторону его обычных человеческих ролей в так называемом цивилизованном мире.

На то были свои причины. Постепенно контакт с модернистским произведением искусства у общества начинает уменьшаться и попросту иссякать и вместе с этим исчезает авторитет и уважение к этому занятию; иными словами можно сказать, что и произведения и даже занятие искусством теряют в обществе ту «ауру», которая, казалось, навсегда присуща была изобразительному искусству. Теряется то, что называется «престижностью» в этом занятии, и художник перестает быть магом, волшебником, жителем иного, возвышенного мира искусства, общение с которым составляет особый ритуал и смысл.

Одновременно с этим завершается к 80-м годам XX столетия формирование глобального интернационального арт-мира с четко определенными арт-институциями: галереями, музеями и аукционами. Так же четко определяются профессии и распределение мест в этом гигантском учреждении: кураторов, критиков, художников, директоров, борддиректоров музеев, свободных дилеров, историков икусства и т. д.

Параллельно четко и стабильно стал функционировать интернациональный арт-рынок (речь идет о рынке современного искусства), который пронизывает и в большей степени влияет на ситуации в арт-институциях.

В этом новом, завершенном на себя и функционирующем уже по собственным, внутри себя выработанным законам и правилам арт-мире автор (разумеется, если он туда попал, если его туда приняли, а это далеко не просто) ищет для себя новые формы «персонажности», успешные в новой ситуации. Хочется еще раз повторить, что успех понимается здесь исключительно в рамках институции, а отнюдь не среди «художественно образованной публики», как это было до войны и еще раньше, в XIX веке, где мнение этой «публики» было чрезвычайно важно. Новый институционализированный арт-мир больше не нуждается для своего функционирования в мнении этой публики, она не включена в число «сотрудников» нового гигантского предприятия, и ей предоставлена лишь роль пассивного наблюдателя и зрителя со стороны за всем тем, что производится и показывается в качестве производимого там, за стеклом, продукта.

Возвращаясь к ситуации автора, можно сказать, что эта герметичность, автономность, относительная изоляция арт-мира от внешнего мира предоставила неожиданные и интересные возможности перенесения различных форм человеческой деятельности и поведения и даже определенные профессиональные занятия из внешнего, реального мира внутрь арт-мира, причем благодаря статусу этого мира как художественного, легитимно наследующего эстетические традиции, все эти хорошо известные в нормальной жизни и быту практики немедленно в арт-мире получают статус «произведения искусства» и «художественности». Снова, но уже в глобальном измерении, повторяется эффект «редимейда» Дюшана. При этом так же немедленно стало ясно, что поведение, которое в «нормальной» жизни может характеризоваться как опасное, общественно предосудительное и судебно наказуемое, в рамках арт-мира становится не только разрешенным, но и желательным в качестве каждый раз следующего «нового» шага в развитии модернизма, реализации императива «свободы» и «эксперимента».

.....

В самое последнее время, по мнению многих, происходит процесс быстрого коллапсирования и растворения арт-мира в окружающем его мире масс-медиа, расширение и одновременно размывание его границ. В этой ситуации на арт-сцену выходят новые типы «художников-персонажей». Мы здесь упомянем только два, наиболее активно и массированно заявивших о себе в последние годы: это «ребенок, страдающий амнезией и знающий только образы компьютера» и «персонажи веселой компании», у которых занятия «визуальным искусством» сочетаются с музыкой, танцами и составляют по существу часть образа жизни такой группы. Общее для этих новых типов «персонажности» непременное требование игры, легкости, необязательности, «веселости», но при всем этом и непременное требование публичности всей этой деятельности, рекламы, видео- и аудиопубликаций и т. п.

Я по инерции написал «персонажи», но на самом деле это не так. Новые действующие лица на новой сцене вовсе, как кажется, не чувствуют необходимости быть кем-то. Они «работают» вполне естественно, так же, как живут, они «такие, какие они есть», они не считают нужным приспосабливаться, менять облик «подо что-то», они «реальные», «реалистичные», в точном смысле этого слова.

Но не такими ли же «реалистичными» были ортодоксальные (в смысле стиля) художники середины и конца XIX века, да, собственно, и во все время модернизма, но не втянутые в его орбиту? Не считали ли они нужным честно, естественно изображать реальную жизнь за своим холстом, в натуральность, естественность которой верили? Не сомкнулось ли начало с концом? В таком случае вся история модернизма это, быть может, особое образование, странное и искусственное, где одна из особенностей его действующих лиц обязательно быть персонажами и где хорошо известно, когда это произошло и кончилось, где это было, и в названии которого «арт-мир» хорошо просматриваются его края, самодостаточность и удаленность от всего окружающего, и прежде всего, как это ни парадоксально звучит, от зрителя. Последнее отказ «от зрителя» настолько интересная сама по себе проблема современной арт-сцены, что наверняка заслуживает отдельного подробного рассмотрения.

.... Здесь, в этом обзоре, мы упоминали лишь о востребованных в сфере арт-мира «художниках-персонажах». Но за пределами так называемой арт-сцены существуют другие, до сих пор еще не знакомые: «художник-любитель», «художник, который «хотел» что-то нарисовать», «художник-аутотерапевт» и другие. Возможно, что при новом повороте арт-истории они выйдут из тени и зазвучат новые громкие имена.

.... наиболее разработанную версию «художника-персонажа» я сделал в образе художника Шарля Розенталя, впервые показанную в виде большой многожанровой ретроспективы сначала в Мито (Япония) в 1998 г., а затем во Франкфурте, в Штедель институте в 1999 г.

Общая концепция этого последнего замысла такова: как известно, история классического модернизма описывается широко известными именами и хорошо известными и исследованными художественными практиками и теориями. Тема, как говорится, закрыта. Но меня давно заинтересовала проблема существования иного возможного пути развития модернизма, другого варианта его истории, в частности, не столь радикального отказа от прошлого XIX века, а возможности сочетания открытий и редукционной техники авангарда с элементами достижений реализма XIX века. Как бы выглядел художник, выбравший такой путь, такую концепцию? Меня также привлекала в этом идея вторжения в уже законченную историю искусства модерна некоторых идей, разрабатываемых постмодернизмом. На этом кратком упоминании имени моего любимого персонажа Ш. Розенталя я заканчиваю этот текст, написанный еще одним персонажем «критиком», добавив к нему материалы к его выставке, а также сопроводив все это репродукциями его работ.
Не ощутите ли вы "некоторую растерянность" от того, что Е.Д., отсылая к проекту Кабакова, транслирует не идеи проекта, а какие-то странные глюки?
Ведь Кабаков - мудрый змий: его концептуальная ирония расшита сложными обертонами; тема его проекта - драматургия личности, социальной арт-архетипики и времени.
Не смешно ли судить о Библии по "Забавной библии" Лео Таксиля? Ну так столь же забавно рассматривать физиономии Кабакова, Ротко, Малевича в косметическом зеркальце Деготь: все причесаны а-ля Васисуалий Лоханкин.

Врочем, сама Е.Д. давно сидит в тотальной табакерке Ильи Кабакова:
Цитата:
"... в принципе заканчивающийся процесс депрофессионализации в рамках арт-мира характерен появлением двойных или смешанных профессий, где возникают новые «персонажные» герои: куратор, выступающий в роли художника, художник в роли куратора, критик в роли куратора и художника и т. д."
Тяжко балансировать сразу на трех стульях: поп-журналиста, искусствоведа и левого арт-функционера. В принципе, Е.Д. сама это отрефлексировала в прощании с OpenSpace.

Амбивалентность Деготь по отношению к авангарду вытекает из гипер-концентрации на борьбе с капитализмом и его главной гидрой - потребительством.
Малевич, к примеру, герой, если он хотел надуть потребителя, а если он хотел пророчествовать, то он ничтожен, ибо впаривал потребителю свои пророчества.
Эту же мерку Деготь прилагает ко всем прочим "профетическим", пафосным персонажам модернизма.
Поскольку капитализм умеет апроприировать любые худ. стратегии и делать из них продукт, то единственно революционной, достойной художника позицией, по логике Деготь, является попытка лохануть потребителя по-новому. Но когда апроприирован и сам Большой Лохотрон левого искусства, тогда все, капец, Gran Rifiuto. Надо уходить из из арта.




Последний раз редактировалось Art-lover; 18.12.2013 в 23:36.
Art-lover вне форума   Ответить с цитированием
Эти 4 пользователя(ей) сказали Спасибо Art-lover за это полезное сообщение:
iside (19.12.2013), Jasmin (19.12.2013), prosto_valentina (11.03.2014), Seriy (18.12.2013)
Старый 19.12.2013, 11:31 Язык оригинала: Русский       #333
Гуру
 
Аватар для iside
 
Регистрация: 06.07.2009
Адрес: Другая Планета
Сообщений: 1,119
Спасибо: 3,965
Поблагодарили 3,149 раз(а) в 834 сообщениях
Записей в дневнике: 31
Репутация: 6318
По умолчанию

Ура, товарищ Art-lover снова здесь !

Цитата:
Сообщение от Art-lover Посмотреть сообщение
Тяжко балансировать сразу на трех стульях: поп-журналиста, искусствоведа и левого арт-функционера. В принципе, Е.Д. сама это отрефлексировала в прощании с OpenSpace.
Да, я читала это прощание "colta, fasci и т.д", для искусствоведа - это было слегка параноидально, на мой взгляд.

Цитата:
Сообщение от Art-lover Посмотреть сообщение
Амбивалентность Деготь по отношению к авангарду вытекает из гипер-концентрации на борьбе с капитализмом и его главной гидрой - потребительством.
.....
Поскольку капитализм умеет апроприировать любые худ. стратегии и делать из них продукт, то единственно революционной, достойной художника позицией, по логике Деготь, является попытка лохануть потребителя по-новому.
В какой-то степени мне симпатизирует ее радикальность честности (и тут у меня начинается ступор потому как я симпатизирую и Айн Рэнд тоже, причем даже в большей степени), особенно при том что уже даже Великий Х.У.О начинает пописывать на тему контемпорари дизайна, а Гройс вообше сказал что дизайн - это новая религия, то становится как то тоскливо при выборе кого-то для чтения.

А что касается Кабакова, то я напишу Вам в личку.
__________________
Per aspera ad astra




Последний раз редактировалось iside; 19.12.2013 в 11:45.
iside вне форума   Ответить с цитированием
Эти 4 пользователя(ей) сказали Спасибо iside за это полезное сообщение:
Art-lover (20.12.2013), Jasmin (21.12.2013), K-Maler (19.12.2013), prosto_valentina (11.03.2014)
Старый 22.12.2013, 03:44 Язык оригинала: Русский       #334
Авторитет
 
Аватар для Art-lover
 
Регистрация: 25.10.2008
Адрес: Киев
Сообщений: 825
Спасибо: 1,587
Поблагодарили 2,452 раз(а) в 384 сообщениях
Записей в дневнике: 2
Репутация: 3846
По умолчанию

Цитата:
Сообщение от iside Посмотреть сообщение
при том что уже даже Великий Х.У.О начинает пописывать на тему контемпорари дизайна, а Гройс вообше сказал что дизайн - это новая религия, то становится как то тоскливо при выборе кого-то для чтения
Дело в том, что мы не можем так просто отрешиться от дизайна, нас сама жизнь берет за шиворот и в этот дизайн мордой тычет.
Цитата:
... единственный адекватный подход к проблемам дизайна состоит в том, чтобы обратить к субъекту вопрос: как он хочет себя подать, какую форму он хочет себе придать и каким он хочет предстать перед взглядом Другого. (Б. Гройс)
По Гройсу, это форма эстетического принуждения: если мы отказываемся заниматься самодизайном, нам гарантирована большая социальная клизма.
Боролись за то, чтобы каждый пролетарий стал художником, вот и получили: художник, чтобы выжить, вынужден быть работником фабрики дизайна, воспроизводить узнаваемые и покупаемые клише.
Парадокс, но сегодня оригинальная вещь может получить общественное признание в качестве оригинальной, только перестав быть таковой, став привычной глазу штамповкой в сопровождении привычных уху банальностей.

Как, спросите, этот диктат дизайна сопрягается с абстракционизмом?
Для тех, кто в последние годы следит за этим направлением, ответ на поверхности: подавляющая масса новых абстрактных холстов не более чем более или менее изысканные дизайнерские изыски.
Но значит ли это, что художественные достижения абстракционизма следует похоронить в прошлом, а будущее отдать на откуп интерьерщикам и аутсайдерам?


За последние три дня у этой темы было свыше трех тысяч просмотров. Значит, сабж интересен для многих.
За то же время тему пополнили три сообщения (включая это) от двух завсегдатаев. Значит, интерес не достигает уровня проявлений.
Что за статистический феномен? Ожидание? Чего? Сенсаций, теоретических прорывов, новых произведений? Ностальгия по прошлому? Сгущение каких-то неясных предчувствий?



Art-lover вне форума   Ответить с цитированием
Эти 3 пользователя(ей) сказали Спасибо Art-lover за это полезное сообщение:
iside (22.12.2013), Jasmin (29.01.2014), prosto_valentina (11.03.2014)
Старый 22.12.2013, 05:11 Язык оригинала: Русский       #335
Гуру
 
Аватар для Магнолия
 
Регистрация: 05.04.2012
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 2,575
Спасибо: 1,188
Поблагодарили 1,921 раз(а) в 1,144 сообщениях
Записей в дневнике: 36
Репутация: 3834
По умолчанию

Цитата:
Сообщение от Art-lover Посмотреть сообщение
Что за статистический феномен?
Пора рефератов и курсовых работ.
__________________
Невозможно человеку самостоятельно открыть Дверь, ведущую в Мир Духовный. Но кто-то иной должен прийти и приоткрыть эту Дверь. (с)

И кто б ты ни был, Дух, пред кем мы пленны,
Привет мой всем — и брату, и врагу.
(с) Константин Бальмонт "ПОХВАЛА УМУ"



Магнолия вне форума   Ответить с цитированием
Старый 11.03.2014, 02:22 Язык оригинала: Русский       #336
Гуру
 
Аватар для Кирилл Сызранский
 
Регистрация: 26.07.2008
Адрес: РФ, Самара
Сообщений: 74,935
Спасибо: 27,789
Поблагодарили 55,128 раз(а) в 24,137 сообщениях
Записей в дневнике: 133
Репутация: 102188
Отправить сообщение для Кирилл Сызранский с помощью Skype™
По умолчанию Екатерина Деготь назначена арт-директором Академии мирового искусства в Кельне

Цитата:
Сообщение от iside Посмотреть сообщение
сижу читаю Екатерину Деготь, к которой в последнее время прониклась большим уважением и почтением
Этот пост она будет занимать два года.

Академия мирового искусства (Akademie der kuenste der Welt), Кельн, сообщила об избрании Екатерины Деготь своим арт-директором. Этот пост российский куратор, теоретик искусства и критик будет занимать в течение двух лет. Новым генеральным директором Академии назначена музыковед Эльке Мольтрехт (Elke Moltrecht). Академия мирового искусства — это некоммерческая организация, основанная в Кельне в 2012 году. Она представляет собой сеть, которая объединяет деятелей культуры, живущих и работающих во всех уголках мира, соединенных виртуальным общением и собирающихся на съезд раз в два года. Академия заявляет о стремлении уйти от европоцентрической версии истории культуры, в то же время избегая романтизации мультикультурализма и глобализации. Екатерина Деготь являлась членом Академии с момента ее основания. Как заявил один из руководителей Академии Том Холерт, Деготь пользуется полным доверием руководства: «Мы с нетерпением ожидаем того, что будет представлено ею в ближайшие два года, — это будет часть захватывающей и заставляющей задуматься программы».
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 03.JPG
Просмотров: 182
Размер:	115.7 Кб
ID:	2288402  



Кирилл Сызранский вне форума   Ответить с цитированием
Старый 23.04.2014, 11:10 Язык оригинала: Русский       #337
Гуру
 
Аватар для Кирилл Сызранский
 
Регистрация: 26.07.2008
Адрес: РФ, Самара
Сообщений: 74,935
Спасибо: 27,789
Поблагодарили 55,128 раз(а) в 24,137 сообщениях
Записей в дневнике: 133
Репутация: 102188
Отправить сообщение для Кирилл Сызранский с помощью Skype™
По умолчанию

.............
Миниатюры
Нажмите на изображение для увеличения
Название: 10171091_538004732985196_4807625271981810089_n.jpg
Просмотров: 196
Размер:	203.5 Кб
ID:	2326922  



Кирилл Сызранский вне форума   Ответить с цитированием
Эти 2 пользователя(ей) сказали Спасибо Кирилл Сызранский за это полезное сообщение:
Pablo (23.04.2014), Вивьен (23.04.2014)
Старый 09.06.2014, 17:44 Язык оригинала: Русский       #338
Старожил
 
Аватар для Пулемётчик Ганс
 
Регистрация: 12.08.2013
Сообщений: 648
Спасибо: 2,663
Поблагодарили 985 раз(а) в 484 сообщениях
Репутация: 1959
По умолчанию

Если принять, что беспредметное творчество сопровождает человечество на протяжении тысячелетий и существовало в виде орнамента или нон-финито и лишь позднее оформилось, и выделилось в особую эстетическую программу - абстракционизм, прорываясь через метафизические теории, в стремлении высказать невысказанное, выразить невыразимое, передать связь единства души, вселенной и космоса, то абстракционизм имеет перспективу жить вечно.



Пулемётчик Ганс вне форума   Ответить с цитированием
Эти 3 пользователя(ей) сказали Спасибо Пулемётчик Ганс за это полезное сообщение:
Pablo (10.06.2014), prosto_valentina (09.06.2014), Магнолия (09.06.2014)
Старый 09.06.2014, 19:24 Язык оригинала: Русский       #339
Гуру
 
Аватар для Магнолия
 
Регистрация: 05.04.2012
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 2,575
Спасибо: 1,188
Поблагодарили 1,921 раз(а) в 1,144 сообщениях
Записей в дневнике: 36
Репутация: 3834
По умолчанию

Цитата:
Сообщение от Пулемётчик Ганс Посмотреть сообщение
высказать невысказанное
высказать невысказываемое
__________________
Невозможно человеку самостоятельно открыть Дверь, ведущую в Мир Духовный. Но кто-то иной должен прийти и приоткрыть эту Дверь. (с)

И кто б ты ни был, Дух, пред кем мы пленны,
Привет мой всем — и брату, и врагу.
(с) Константин Бальмонт "ПОХВАЛА УМУ"



Магнолия вне форума   Ответить с цитированием
Старый 12.07.2014, 20:23 Язык оригинала: Русский       #340
Гуру
 
Аватар для Кирилл Сызранский
 
Регистрация: 26.07.2008
Адрес: РФ, Самара
Сообщений: 74,935
Спасибо: 27,789
Поблагодарили 55,128 раз(а) в 24,137 сообщениях
Записей в дневнике: 133
Репутация: 102188
Отправить сообщение для Кирилл Сызранский с помощью Skype™
По умолчанию

О как, абстракцисты теперь уже не "пид@р@сы проклятые".

Ежегодный Всероссийский конкурс «Положительный образ Российской
символики «Триколор» в абстракции».


Цитата:
Первая премия – 120 000 рублей – медаль В. Кандинского

Вторая премия – 80 000 рублей – медаль К. Малевича

Третья премия – 50 000 рублей – медаль В.Татлина

Четвертая премия – 30 000 рублей – медаль Союза Абстракционистов России

Пятая премия – 20 000 – медаль Союза Абстракционистов России

Шестая премия – медаль В. Кандинского

Седьмая премия – медаль К. Малевича

Восьмая премия – медаль В. Татлина

Девятая премия – медаль Союза Абстракционистов России

Десятая премия – медаль Союза Абстракционистов России



Кирилл Сызранский вне форума   Ответить с цитированием
Ответ

Метки
абстрактная живопись, абстрактное искусство, абстракционизм, абстракционисты, абстракция

Опции темы
Опции просмотра

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход





Часовой пояс GMT +3, время: 12:53.
Telegram - Обратная связь - Обработка персональных данных - Архив - Вверх


Powered by vBulletin® Version 3.8.3
Copyright ©2000 - 2024, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot