Арт-новости

[Хранитель укропа]

Серпы и бабочки

Рифма "кровь - любовь" в живописном исполнении

Ольга Штраус (Санкт-Петербург)
Российская газета - Неделя №7673

Принято считать, что "Жнецы" на картине Алексея Венецианова - это такая пейзанская идиллия. Паренёк засмотрелся на бабочек, присевших на руку женщины с серпом. А она снисходительно и чуть устало позволяет ему любоваться играми насекомых.
Бабочек Венецианов дописывал по образчикам из энтомо
логического музея - получились как живые!
Но эта пастораль не стала бы хрестоматийным произведением, когда бы в ней не читались другие смыслы. А они очевидны: "Жнецы" - это наглядный образ жестокой и неразрывной формулы "кровь - любовь". Если хотите, это метафора основного жизненного парадокса: не бывает любви без ненависти.
Дело осложняют остро заточенные серпы: они обрамляют всю жанровую сценку и в то же время выглядят как некие нимбы.

Нега, исполненная скрытого эротизма, разлита по всему полотну. И хотя искусствоведы уверяют, что картина писана с крестьянки Анны Степановой и её сына Захарки (которые не раз позировали Венецианову), в ней можно прочитать и другое: жгучий интерес юноши к таинству зарождения жизни, томность женщины, уже умудренной чувственным опытом. Две бабочки в брачной схватке - символ недвусмысленный и понятный.
Говорят, Венецианов, подсмотревший эту сцену, был так ею заворожен, что просил крестьян пару часов послужить ему натурщиками. Они, понятно, устали стоять в одной позе - и оттого, по мнению некоторых исследователей, картина получилась несколько подсушенной, чересчур академичной.
Бабочки позировать не стали, и их пришлось дописывать отдельно, по образчикам из энтомологической коллекции. Но они получились настолько живыми, что полотно это до сих пор называют "картиной-обманкой": кажется, легкокрылые насекомые только что впорхнули в музейные залы и присели на полотно.

И все-таки зачем в этой трогательной композиции нужны острые и страшные серпы? Понятно: в полном разгаре страда деревенская, да к тому же отложишь серп - спугнешь бабочек, разрушишь мгновенье, которое столь прекрасно. Но художника, несомненно, занимает и сам контраст, странное сближение далековатых понятий - нежные чувства и безжалостные лезвия.

Стоит напомнить, что серп, как, впрочем, и молот, - не только мирные орудия сельского труда: нередко они становились боевым оружием. В 1825 г., когда была написана картина, ещё не забыт безжалостный и беспощадный пугачевский бунт. И совсем свеж в памяти 1812 год - пресловутая дубина народной войны, обращенная против внешнего врага, но оттого не менее тяжкая. К тому же с давних пор известно, что именно из крестьян выходят лучшие воины. Сам круговорот деревенской жизни приучает не бояться крови и смерти: от отела до убоя - рукой подать.
Художника занимает контраст: нежные чувства и безжалостные лезвия
Впрочем, не стоит искать в этом полотне прямых политических подтекстов. Психология частной жизни занимала художника Венецианова гораздо больше.

В своем имении в Тверской губернии он, академик живописи, организовал художественную школу, где учил изобразительному искусству, в т.ч. и крестьян: 70 учеников прошли через его штудии! Их работы он выставлял на академических выставках вместе со своими. И сумел-таки сделать крестьянскую тему модной. Фрейлины при дворе Николая Первого надели сарафаны и кокошники. Архитекторы обратились к псевдорусскому стилю. А портреты своих крестьянских натурщиков Алексей Венецианов впоследствии использовал при создании икон: они и впрямь в его трактовке имеют какие-то необыкновенно просветленные лица. И серп как нимб - деталь, которая, верно, еще не раз припомнится художнику...

Между прочим, нейрофизиологи Лондонского университетского колледжа недавно выяснили, что чувство любви и чувство ненависти активизируют одни и те же зоны мозга. Схемы нейронной активности при сканировании на томографе практически совпадают. А вот страх и агрессия дают совсем иной рисунок нейронной сети.

Впрочем, это открытие лишь подтвердило давние выводы психологов: ненависть - не альтернатива любви, альтернатива любви - равнодушие. Более того, сегодня психологи утверждают, что любви без ненависти вообще не существует. Именно ненависть является защитницей любви, помогает ей выжить.

Любовь обрекает любящего человека на зависимость от любимого существа. И как бы ни был хорош любимый, эта зависимость делает любящего уязвимым, раздражает или унижает. А то и провоцирует на подсознательное стремление сбросить тягостные узы. Анне Лайне, директор Психоаналитического института Восточной Европы, приводит характерный пример: после многих лет брака одну женщину спросили, думала ли она когда-нибудь о разводе. Она ответила: "Нет, но мысленно я убивала своего мужа каждый день". Эти слова, считает ученый, показывают нам, как ненависть защищает любовь.

200 лет назад придворный живописец Алексей Венецианов этих научных изысканий, конечно же, знать не мог. Но гениальной интуицией великого художника он сумел их предвидеть. И показать нам, как трогательные движения души соседствуют с их темной изнанкой.

[Хранитель укропа]

Художник Виктор Цой: Картина рок-кумира ушла с аукциона за баснословную сумму

Картина работы Виктора Цоя, датированная 1988 годом, ушла с молотка на аукционе в Москве. Творение легенды русского рока и кумира молодежи 1980-90-х первоначально оценивалось в 18–22 тыс. евро.

Анна Белова
Вчера вечером в результате торгов картина, изображающая схематичных квадратных человечков и их лидера, пораженного стрелой, была продана за 31 000 Евро. Данное событие еще раз напомнило поклонникам Цоя о том, что, помимо написания и исполнения песен, он ещё и неплохо рисовал.

Стиль «квадратных человечков»

Музыкант часто говорил, что профессионально владеет рисунком, но предпочитает так называемый свободный стиль. Для его творчества были характерны элементы примитивизма и экспрессионизма, также он использовал орнамент. Самые распространенные герои рисунков Цоя – «квадратные» человечки. А сюжеты, выполненные в стиле граффити, очень четко отражают мироощущение человека конца 1980-х.
Квадратные человечки отражали внутренние чувства
автора, навеянные суровой действительностью
Два человечка распивают водку, автомобилисты угрожают друг другу битами и пистолетами, парочка занимается любовью на фоне шумного города, 2 «лидера» сцепились языками на фоне летящих в небе военных самолетов, устрашающий робот-терминатор возвышается над башнями мегаполиса…
Суровая правда жизни в творчестве В.Цоя.
Возможно, такая стилистика была результатом влияния венгерских комиксов, которые привозила рок-музыкантам Агнеш Хорват, и американских комиксов тех лет. Некоторые искусствоведы усматривают в работах Цоя и трафаретный стиль Маяковского.

Тема народного лидера проходит через все творчество художника Цоя.


Злободневная тема 1980-х.

Тайный смысл картины, представленной на торгах

Картина, проданная вчера на аукционе (названия у нее нет), представляет собой как бы 2 кадра. На одном маленькие схематичные человечки с красными флагами шествуют за гигантом-лидером. Во 2-й «серии» лидер, сраженный стрелой, падает на своих «последователей» и они изо всех сил пытаются его удержать. Безусловно, автор вложил в этот рисунок какой-то философский смысл и чувства, навеянные противоречивыми 80-ми. Тем более что в те времена в творческом окружении Виктора был очень популярен культ героя, закончившего жизнь трагически – например, как Маяковский и Гагарин.

Если проявить фантазию, можно интерпретировать картину на свое усмотрение. Безусловно, работа оригинальная, а то, что нарисована она отечественным рок-кумиром, лишь прибавляет ей уникальности.
Данную картину в 1988, сразу после её создания, музыкант подарил Энверу Бакееву, который на рубеже 1980-90-х, да и позже, был известен в Питере как художник и искусствовед, а в последние годы жизни работал в Музее городской скульптуры и организовывал международные выставки. Первоначально это был просто холст, а раму для картины изготовил уже новый владелец. Многие годы Бакеев хранил творение у себя в мастерской. Кстати, размер у картины небольшой – 32х59 см.

Свободный художник

Виктор Цой еще с детства увлекался рисованием и лепкой. Видя такие пристрастия сына, мать отдала его в изостудию. Позже он проучился несколько лет в художественной школе, а после девятого класса поступил в Ленинградское художественное училище имени Серова на оформительское отделение, но обучение ему показалось скучным.
Виктор Цой (крайний слева) в художественной школе. 1973 год.
Ещё с юных лет Цой проявлял характер бунтаря и индивидуалиста. Учителя замечали, что при явных художественных способностях, он был недисциплинированным. Если хотел – рисовал, а если не было настроения – заставить его сесть за мольберт было невозможно.

В итоге Цой пошел в художественно-реставрационное училище по специальности «резчик по дереву» и даже его окончил, но работать по профессии не стал. Его распределили в реставрационную мастерскую Екатерининского дворца в Пушкине, что тогда считалось очень престижным, однако долго он там не проработал – мол, ездить за город неудобно. А ведь, как вспоминали коллеги, резчиком он был превосходным.
Скорее всего, у Виктора просто сменились приоритеты, и увлечение русским роком перевесило пристрастие к художественному творчеству.
Цой нередко рисовал и портреты музыкантов.
Здесь очень узнаваема Джоанна Стингрей.

Выставка мозаик, созданных на основе
картин В.Цоя. Москва, 2015.
Однако, став известным музыкантом, рисовать Цой не бросил. В 1980-х он познакомился с Георгием Гурьяновым, Тимуром Новиковым и другими питерскими живописцами, присоединился к их сообществу [I]/I] и неоднократно принимал участие в выставках. Ленинградские художники-авангардисты того времени высоко ценили работы Виктора Цоя.
В конце жизни Цой начал рисовать в совсем ином стиле.

В конце жизни Цой начал
рисовать в совсем ином стиле.


И это тоже работа Виктора Цоя.
Побывав в европейских странах, Цой познакомился с новыми стилями живописи и почерпнул для себя много интересного. Возможно, именно поэтому в конце жизни его стиль резко изменился и стал более реалистичным, однако проявить себя в новом направлении он, увы, не успел.

[Хранитель укропа]

Большой взрыв

Что общего у знаменитого полотна Брюллова с автоматом Калашникова

Ольга Штраус Российская
газета - Неделя №7661
Даже тот, кто никогда не бывал в художественных музеях, знает фразу "Последний день Помпеи". Так что Карлу Брюллову, создавшему это полотно, мы обязаны, по крайней мере, роскошной поговоркой, навсегда вошедшей в наш обиход. И в Русском музее эта картина висит так, что сразу видно: именно она считается здесь главным шедевром. Громадная - больше чем 4 х 6 м. Пламенеющая всеми оттенками красного, она затмевает все соседние полотна, они как будто чахнут в её тени.
Попробуйте найти на картине 4 женских образа, которые Брюллов писал со своей возлюбленной...

Попробуйте найти на картине четыре женских образа,
которые Брюллов писал со своей возлюбленной...

При этом сегодня это полотно мало кого трогает за живое. Вот интересно - почему?
Среди её зрителей достаточно тех, кто бывал в настоящих Помпеях близ Неаполя. И они со мной согласятся: катаклизм природы сохранил город живее и ярче, чем академизм художника. Раскопанный археологами и выставленный для туристов античный город по-прежнему волнует сердце.

Волнует своей простодушной жадностью. Глубокие колеи в каменных улицах помпейцы нарочно делали иными, чем на других итальянских дорогах, - брали пошлину с приезжих за смену колесных пар. Эвакуацию в час опасности это, надо полагать, тоже затрудняло.

Волнует искренностью разврата. На стенах сохранились непристойные фрески с каталогом эротических поз - прейскурант античного борделя. Город, погибший по причине крайнего разврата, - это ведь образ архетипический: тут и библейские Содом и Гоморра, и античный Сибарис, населенный нарицательными сибаритами.

А Карл Брюллов решил запечатлеть город за миг до страшного конца. Тогда, в 1827-1830 г., это была модная тема. В Помпеях велись масштабные археологические работы, а Везувий, как нарочно, опять начал извергаться. Так что древний ужас приобрел остроактуальное звучание.
Брюллов был молод, талантлив, амбициозен и влюблен. Ему хотелось покорить весь мир и знатную красавицу-графиню Юлию Самойлову, которую Николай I попросил удалиться от двора из-за чрезмерно вольного поведения. Портреты и пейзажи работы Брюллова уже снискали ему славу отличного живописца. Но чтобы "прогреметь", нужно было создать нечто эпохальное.

Вот он и вдохновился сюжетом, в котором сошлось всё. Историческая тема, которая считалась главной в иерархии живописных жанров. Возможность тщательно изучить натуру: Брюллов не раз побывал на раскопках, сделал массу документальных набросков, скрупулезно выверил исторические детали. Наконец, возможность увековечить возлюбленную: Юлия Самойлова запечатлена на этом полотне 4 раза, практически все женские образы писаны с неё.

Наверняка художником руководил не только расчёт, вдохновение присутствовало тоже. Но успех, который обрушился на Брюллова в итоге, говорит и о мастерском маркетинге. Итальянцы ходили смотреть на картину толпами, затем её триумфально выставили в Лувре. Вальтер Скотт неподвижно просидел перед ней несколько часов и назвал полотно "эпическим". Николай I удостоил Брюллова личной аудиенции, после чего художника стали называть не иначе как "Карл Великий". А его ученики именовали "Последний день Помпеи" просто Картина. Будто ничего аналогичного в искусстве просто не существовало.

Между тем в полотне этом, рассудочном и математически расчисленном, многое раздражает. Например, старательно вписанная туда идеология: трусливый языческий жрец тащит жертвенник и драгоценности, а христианский священник храбро пытается остановить адское извержение крестом. Прежние кумиры рушатся с постаментов, но люди стараются спасти самое дорогое: кто немощного отца, кто невесту, кто ящик с красками, как художник, в котором Брюллов изобразил себя.

Эти подчеркнутые назидания к тому же сказочно, гламурно красивы. Всмотритесь - ни одного уродца. Понятно, за этим стоял опыт античного искусства, аристотелевского катарсиса, очищения через трагедию. Но именно поэтому герои полотна кажутся нам сегодня нестерпимо фальшивыми.
Между прочим, Иван Тургенев, а позднее Александр Бенуа тоже критиковали эту картину. Примерно за то же самое: "Театральная крикливость... трескучие эффекты... холодная и крикливая риторика, без поэзии и вдохновения".

И тем не менее картина выдержала все нападки с необыкновенным достоинством. Знаете почему? Потому что Брюллов здесь не крах Помпеев вывел, а ввёл российскую живопись в мировой оборот, сделал наше искусство конвертируемым. Эта картина - как советский спутник, или самолет "Илья Муромец", или автомат Калашникова - заставила надменную Европу с уважением относиться к русским художникам. Да и просто осознать, что они у нас - есть.

[Хранитель укропа]

Владимир Кличко выставил на аукцион свой рисунок с синим пятном

Владимир Кличко, известный украинский боксер и младший брат мэра Киева Виталия Кличко, выставил на аукционе во Флоренции свой рисунок с синим пятном.

Андрей Васильев
Он сообщил, что средства от продажи рисунка пойдут в распоряжение благотворительного фонда известного итальянского незрячего певца Андреа Бочелли. Правда, спортсмен не уточнил, купил ли кто-нибудь его картину.

Между тем определенные сомнения вызывает художественная ценность творения известного спортсмена. На белом листе бумаги синей краской нарисована некая клякса, внизу которой находится неразборчивая надпись на английском языке. По предположению некоторых пользователей, 42-летний Кличко-младший, отличающийся весьма специфическими художественными взглядами, очевидно, запечатлел на "холсте" удар боксерской перчаткой.
Ранее Владимир Кличко, который дал понять, что не намерен уходить из профессионального спорта, решил освоить новый вид спорта. Но его занятия греблей закончились неудачно: он сломал весло и упал в воду во время первого заплыва.

[Хранитель укропа]

«Видимо, и в будущем "Гараж" будет помогать "Целинному" кадрами и идеями»

Арт-обозреватель «Коммерсантъ FM» Дмитрий Буткевич рассказывает об открытии Центра современной культуры «Целинный», в судьбе которого участвует и московский МСИ «Гараж»

Дмитрий Буткевич — о создании ЦСК в Алматы
"Коммерсантъ FM":
В городе Алматы (Алма-Ата, Верный), который часто называют «южной столицей Казахстана», презентовали Центр современной культуры «Целинный». Открылся 3-х частный выставочный проект «Начало» при участии московского Музея современного искусства «Гараж».
Давайте начнём в самого начала: почему такое название у ЦСК? Помимо вполне ясных культурно-исторических корреляций, есть очень простое объяснение. Центр будет размещен в историческом здании архитектуры советского модернизма — кинотеатре именно с таким названием. Панорамный кинотеатр «Целинный» открылся в центре тогдашней столицы Алматы в 1964 г. Был ночным клубом в недавние 90-ые, потом стоял в разрухе, а недавно, усилиями мецената Кайрата Боранбаева стал превращаться в Центр современной культуры, первый, кстати, во всей Центральной Азии. И на постсоветском азиатском пространстве тоже.

Реконструкция здания под выставочно-образовательный комплекс начнется в конце нынешнего года, а откроется он уже в 2020-м. Так предполагает британский архитектор Азиф Хан. А пока, до начала ноября, здесь открыта художественная выставка проекта «Начало»; молодая казахская галеристка и куратор Меруерт Калиева собрала экспозицию из работ казахстанских в основном художников, либо выполненных ранее, либо сделанных в жанре «site-specific». Ербосын Мельдибеков, Александр Угай, Елена и Виктор Воробьевы.

Второй частью проекта «Начало» стала архитектурная экспозиция, посвященная стилю, который принято называть «советский модернизм», который процветал на здешней почве с 1950-х до 1990-х годов. Алматы действительно оказался своеобразным «заповедником» этого стиля; здесь сохранились экспериментальные по тем временами работы советских архитекторов.

Городу посвящена выставка и справочник-путеводитель «Алма-Ата: архитектура советского модернизма. 1955–1991».

Участие московского «Гаража» ярко выражается в самой структуре будущего Центра, когда все проекты становятся междисциплинарными, с обязательной образовательной составляющей. Видимо, и в будущем «Гараж» будет помогать «Целинному» кадрами и идеями. А вот наполнение и исполнение, надеюсь, будут местными, алматинскими.

[Хранитель укропа]

Американский "анархист" в Москве. Кто такой Джим Дайн и зачем его смотреть

В Мультимедиа Арт Музее при поддержке благотворительного фонда "Искусство, наука и спорт" открылась первая в России ретроспектива одного из создателей поп-арта — американского художника Джима Дайна. Живой классик лично приехал в Москву, чтобы контролировать монтаж экспозиции.

Анна Михайлова
Работы, представленные на выставке, были ранее переданы художником в дар Центру Жоржа Помпиду в Париже. Его директор Бернар Блистен рассказал корреспонденту РИА Новости, почему Дайн напоминает ему Владимира Маяковского и как, на его взгляд, изменились российские музеи.
Директор Национального центра искусства и культуры имени Жоржа Помпиду Бернар Блистен и директор Мультимедиа Арт Музея (Московского дома фотографии) Ольга Свиблова

— Вы много лет дружите с директором Мультимедиа Арт Музея Ольгой Свибловой, довольно часто приезжаете в Россию. Как вы оцениваете изменения, произошедшие в последние годы в нашей музейной среде?
— Для меня огромное удовольствие работать с российскими коллегами. Особенно радует, что здесь столько женщин руководят крупными культурными институциями, включая Третьяковскую галерею, Пушкинский и Мультимедиа Арт музеи, площадки в Петербурге. Мы все — члены одной семьи и должны делиться друг с другом не только работами, но и идеями.

Через 3 недели я снова приеду в Москву — читать лекцию о будущем мировых музеев. Я чувствую, что здесь есть много энергии и желания менять устаревшие порядки, и это меня вдохновляет. Что касается выставок, то из последнего мне очень понравилась экспозиция Ильи и Эмилии Кабаковых ("В будущее возьмут не всех" в Новой Третьяковке. — Прим. ред.), для которой мы также предоставляли работы. В свой следующий приезд в Москву я бы хотел больше времени провести в мастерских художников.

Читать далее - РИА Новости https://ria.ru/culture/20180917/1528599212.html

[Хранитель укропа]

В музее художника, который больше всех любит Путина, заварили двери и заблокировали окна

«Интерактивный Музей Современного Искусства Алексея Сергиенко» оказался под угрозой закрытия. В помещении на Невском проспекте заварили дверь, заложили ход бетонными блоками и при помощи шурупов заблокировали окна.

Директор музея и сам Сергиенко 19 сентября рассказали «Фонтанке», что это проделки арендодателя, который объявил им настоящую войну с нанесением материального ущерба и угрозами покалечить... читать далее
https://www.fontanka.ru/2018/09/19/072/

*Справка:
«Интерактивный Музей Современного Искусства Алексея Сергиенко» технически открылся в Петербурге 26 мая. В творческом пространстве расположены арт-проекты, инсталляции, перформансы и выставки. Алексей Сергиенко - российский художник, пишущий в направлении поп-арт и полит-арт. Одна из самых узнаваемых работ — «Ромашки», которая была написана в 2012 году. Цветы ромашки стали фирменным стилем художника и присутствуют почти в каждой работе. Наиболее популярны серии работ «Президент. Добрейшей души человек» и «Родина», в которых используется образ Путина.

[Хранитель укропа]

Выставка к столетней годовщине расстрела Романовых открывается в Музее науки Лондона

Экспозиция разбита на шесть разделов, объединенных темой истории семьи последнего российского императора

Директор Музея науки Иэн Блэтчфорд
© Илья Дмитрячев/ТАСС
ЛОНДОН, 21 сентября. Выставка, посвященная столетней годовщине гибели российского императора Николая II (1868-1918) и членов царской семьи, открывается в пятницу в лондонском Музее науки. Экспозиция под названием "Последний царь: кровь и революция" (The Last Tsar: Blood and Revolution), в основу которой легли около 150 фотографий, картин, предметов одежды и украшений, редких артефактов из архивов, музеев и частных коллекций России, Великобритании и США, наглядно расскажет через призму жизни и трагического конца семьи последнего императора о событиях в России в начале XX века, развитии медицины и криминалистики.

Противоречивая фигура императора

"Мы хотели рассказать об истории Романовых по-другому, потому что люди думают о них в довольно сентиментальном ключе, но на самом деле, императора [Николая] можно назвать пионером научного прогресса своего времени", - рассказал корреспонденту ТАСС директор Музея науки Иэн Блэтчфорд. Он обратил при этом внимание, что экспозиция, которая продлится до 24 марта 2019 г., также демонстрирует и противоречивость фигуры последнего российского императора, когда, будучи прогрессивным человеком в одних вопросах, в других он опасался этого самого прогресса.

"Николай II впервые прочитал произведение Льва Толстого уже после отречения. Для меня это открытие стало шокирующим, потому что в британском образовании это является основой русской литературы, и любому британскому школьнику известны такие названия, как "Анна Каренина", "Война и мир", - подчеркнул Блэтчфорд. - То, что царь познакомился с этой литературой лишь под конец своей жизни, означает для меня, что он был также и настроен против прогресса. Я назвал бы это "русским парадоксом" Романовых, противоречивым моментом".

Шесть разделов выставки

Вся выставка, вход на которую будет бесплатным, разбита на 6 тематических разделов. Они касаются семьи Романовых в целом и их связей с английской монархией, истории императрицы Александры Федоровны (1872-1978), вопроса рождения наследника и системы здравоохранения в России на рубеже веков. Отдельные части посвящены гемофилии, носителем которой был цесаревич Алексей, Первой мировой войне и работе Красного Креста в России. В завершении выставки рассказывается о расследовании расстрела членов императорской семьи, их врача и слуг в доме Ипатьева в Екатеринбурге в ночь на 17 июля 1918 г. и о том, как в Великобритании при помощи анализа ДНК удалось установить, что найденные в 1991-х годах в Свердловской области кости принадлежат семье императора и её приближенным.
Как рассказала корреспонденту ТАСС куратор выставки Александра Смирнова, дополнительную ценность экспозиции добавляет то, что многие экспонаты никогда ранее не покидали пределов России, а некоторые вообще выставляются впервые.

"На выставке можно увидеть одно из яиц мастерской Карла Фаберже под названием "Красный крест", привезенное нами из Художественного музея Кливленда, - сообщила она. - Все, что касается предметов, найденных рядом с домом Ипатьева, предоставил Фонд русской истории в Джорданвилле в США". В частности, посетители могут увидеть иконку и изумрудный крест, которые императрица Александра Федоровна носила при себе до последнего момента, её дневник, вставную челюсть доктора Евгения Боткина, расстрелянного вместе с Романовыми.
У Алексея Николаевича была гемофилия — нарушение
свертываемости крови. Болезнь влияла на суставы, и
иногда он не мог ходить или двигать рукой

"Уникальна и люстра из дома Ипатьева, которая находилась в комнате великих княгинь. Она была вывезена из России учителем английского языка семьи Романовых Чарльзом Гиббсом и никогда не выставлялась публично", - заметила Смирнова.

Интересен также и сундук из дорожной аптеки императорской семьи, который ранее никогда не выставлялся за рубежом. "Сундуки и аптечные препараты постоянно путешествовали в России за первым лицом государства с конца XVII века. Они использовались для приготовления лекарств фармацевтом - он сопровождал членов императорской семьи и по требованию врача изготавливал лекарство. Всего до наших дней дошли 8 таких сундуков", - сообщила корреспонденту ТАСС заведующая Российским музеем медицины Нина Чиж.

Выставка вне политики

Как рассказал российским журналистам Блэтчфорд, нынешние напряженные политические отношения между Россией и Великобританией не стали препятствием для организации экспозиции. "Я сказал бы, что в нынешних условиях организация выставки оказалась даже более легким делом. Между лондонским Музеем науки и российскими музеями сложились особые отношения. Мы искренне верим, что в сложные времена нужно делать больше подобных проектов", - сказал он, отметив, что "все разрешения были получены очень быстро, а выставка организована очень оперативно".
Как стало известно ТАСС, в общей сложности подготовка выставки заняла чуть больше года.

Блэтчфорд рассказал, что "некоторые члены британской королевской семьи посетят ее с частным визитом". "Есть столь много предметов, которые ранее не выставлялись даже в России, потому что они были в частных коллекциях или в государственных архивах", - добавил директор музея, объясняя их интерес к выставке.
При этом Блэтчфорд не стал отвечать на вопрос, кто именно из британской королевской семьи высказал желание ознакомиться с экспозицией. Но, кто бы из представителей фамилии Виндзоров ни добрался до Музея науки, один из аспектов последних месяцев жизни императора Николая II и его родственников для них, равно как и для всех посетителей выставки, яснее не станет. Речь идет о теме отказа двоюродного брата Николая II, британского короля Георга V (1865-1936), предоставить убежище Романовым, что спасло бы их от расстрела.

[I]"Этот вопрос мы не затрагиваем, потому что это не часть той истории, про которую мы рассказываем. Это лишь про семью Романовых. История, которую вы упомянули, хорошо известна и является предметом жарких споров, однако нет смысла

-------------------------------------------------------------
-------------------------------------

"ПОСЕЛИЛИСЬ ДАЛЕКО ОТ ВСЕХ: ЖИВЕМ ТИХО"

От отречения до расстрела: жизнь Романовых в изгнании глазами последней императрицы - https://tass.ru/spec/romanovy

[Хранитель укропа]

Агитационный текстиль: забытые шедевры советского дизайна

Текстиль с тракторами, серпом и молотом, заводскими трубами… носили бы мы сейчас одежду, сшитую из таких тканей? А в первые десятилетия Советского Союза художники именно так представляли себе идеальный облик советских людей – в рубашках и платьях, усеянных лозунгами «Пятилетка за четыре года», и украшенных изображениями марширующих толп.

Текст: Софья Егорова.
[ Агиттекстиль – необычное явление в советской промышленности 20-30-х годов, предмет изучения и коллекционирования. Это ткани, отражающие политическую и социальную жизнь Советской России - социализм, торжество технологий и техники, развитие сельского хозяйства, стройки, спорт и митинги. Печатные агитационные ткани производились методом набойки на ивановской текстильной фабрике. Просуществовал он недолго, а после был подвергнут осуждению и забыт на многие годы.
После революции художники, вдохновленные идеей создания нового советского человека, свободного от мещанского быта и деревенских предрассудков, задумались – как же должен выглядеть этот новый человек. Они считали, что новая одежда, одежда нового типа, позволит этой трансформации совершиться быстрее. Человек как бы надевал на себя свою новую личность – и у него появлялись новые, прежде незнакомые, мысли и чувства, которые позволят быстрее создать социалистическое общество.
Сперва возникла идея полного отказа от орнаментации тканей, но она не нашла поддержки. Общественные деятели того времени предполагали, что предметы быта могут стать средством политической пропаганды. Пусть на тканях, плакатах, посуде появляются лозунги, призывы, образы социалистического будущего – так советский человек поймет, к чему ему следует стремиться. Осип Брик считал, что классическая живопись – пережиток прошлого, и настоящие советские художники должны идти на производство: «Художественная культура будущего создается на фабриках и заводах, а не чердачных мастерских».
В статье «От картины к ситцу» он писал, что производственное искусство – это передовой путь развития художественного творчества, истинная цель художников. Деятели революционного искусства презирали «бессмысленный» цветочный орнамент, считали его вредным и даже опасным. Организатор московской текстильной секции Лия Райцер призывала к «войне с цветами» и созданию орнаментов-ребусов с использованием лозунгов и абрревиатур. В 20-х годах члены АХРР на текстильных фабриках уничтожили более 24 тысяч эскизов цветочных орнаментов для тканей.
После потрясений, выпавших на долю страны в те годы, производство находилось в упадке и просто не могло предоставить молодым художникам средств реализации их революционных стремлений. Однако 2 художницы-авангардистки, Варвара Степанова и Любовь Попова, сумели воплотить свои идеи на производстве. За 2 года работы на ивановской текстильной фабрике они создали несколько тысяч эскизов, и около 50 все-таки пошло в производство. Они черпали вдохновение в беспредметной живописи и создавали геометрические орнаменты, чистые формы без цветов и птиц.
Строго говоря, их пригласили на фабрику как «креативных дизайнеров», создающих идеи, но они потребовали ознакомить их с производством, чтобы понять, как им следует работать. Фабрика требовала экономии средств, и обе художницы начинают работать в ограниченной цветовой гамме, используя 2-3 цвета.

Работы Поповой и Степановой очень похожи – ведь они созданы из геометрических фигур. Однако каждая художница имела свой собственный художественный стиль. Варвара Степанова любила сложные оптические эффекты, наслоение цветов, в ее эскизах и тканях есть ощущение полета, динами, игры. Она свободно работает с композицией, переплетая, наслаивая, искажая фигуры. Одна из героинь фильма «Папиросница из Моссельпрома» носит платье из ткани с орнаментом Степановой, но образ на экране создается довольно странный. Любовь Попова предпочитала ортогональные формы, её эскизы похожи на чертежи, ткань словно расчерчена на равномерно залитые цветом фигуры. Это будто не ткань, а архитектурные строения – уравновешенные, чёткие, структурированные, обычно круги, полосы, прямые углы. Ткань с таким рисунком выглядит жесткой.
К середине 20-х идеи конструктивистов изживают себя, а к 30-м их искусство уже считается идеологически чуждым. кроме того, конструктивисты общались с работниками и выпускниками БАУХАУЗа, а Германия быстро перестала быть дружеской страной). Страна существует в условиях индустриализации, а в искусстве развивается соцреализм – радость труда, техника, сельское хозяйство.
В текстиле усиливаются индустриальные мотивы. На смену минималистичным и абстрактным орнаментам приходят снопы и тракторы, марширующие толпы, электрификация, дымящие заводы, противопоставленные лошадям и верблюдам паровозы.
Художник В. Маслов создает рисунок ситца со сценами сельскохозяйственных работ среди крупных гирлянд из плодов и листьев, проработаны тени, все выглядит объемным и реалистичным – так ознаменовался переход к новому, более живописному агитационному текстилю.
Параллельно с изобразительными орнаментами развивались уже упомянутые паттерны с цифрами, аббревиатурами и символами. Несколько художников создают орнаменты на тему «пятилетку в 4 года», где переплетались цифры 5 и 4, или посвящают работы памятным датам истории СССР.

Впрочем, и сам агиттекстиль в 30-х годах подвергли жесткой критике. В 1931 г. искусствовед А.А. Федоров-Давыдов ядовито писал, что художники «не пошли никуда дальше простой замены розы трактором». Пару лет спустя в газете «Правда» появился фельетон Г.Рыскина. Он высмеивал агиттекстиль и высказывал мнение, строго противоположное идеям Осипа Брика – «нет никакой надобности превращать советского человека в передвижную картинную галерею».
После кризиса, вызванного Второй мировой войной, текстильные фабрики вернулись к традиционным узорам, а агитационный текстиль с тракторами и марширующими массами хранится теперь в музеях (например, в Музее ситца в г.Иваново) и частных коллекциях.

[Хранитель укропа]

Скарлетт, Джульетта и другие на реалистичных картинах филиппинского художника-самоучки, покорившие сердце Японии

Жюстин Флорентино (Justine Florentino) мечтает о том, что однажды станет востребованным художником, который будет сотрудничать с кино-/игровой индустрией, создавая высококлассные работы. А пока, он старательно учится, совершенствуя свои навыки в разных жанрах и стилях.
Из-под «пера» художника-самоучки выходят удивительно реалистичные женские портреты, некоторые из которых напоминают героинь фильмов и книжных произведений.

Всё своё внимание Жюстин концентрирует в основном на женских образах. Героинями его работ становятся не только актрисы и певицы, а и полюбившиеся многими персонажи от миловидной Джульетты до властной и самодостаточной Дейнерис Таргариен.
Его работы, не имея определённых границ между реализмом и фигуративной живописью, ещё раз указывают на потрясающий художественный вкус автора, который каждым последующим штрихом пытается передать неудержимую страсть, нежные эмоции и пленительный магнетизм исходящий от каждой девушки изображённой ловкой рукой художника.
Ко всему прочему, созданные им портреты – образуют визуальный дневник персонажей, которые так или иначе произведя впечатление, вдохновили.
Каждая из картин в большинстве случаев состоит из ключевой фигуры, с хаотичными белыми пятнами пространства, способного компенсировать порой слишком плотные детализированные области, что до конца сохраняют интригу и интерес.
А тонкие вариации цвета с неожиданными переходами между одним и другим придают девушкам некую таинственную ауру, точно передающую всю их притягательность и остроумие.