Разговоры о «современном искусстве» сегодня ведутся очень активно. Дискуссии на эту тему можно увидеть по телевизору, в Интернете, прочитать в журнале. Посещение открывающихся одной за другой выставок в самых модных точках Москвы, как Винзавод, Арт-Стрелка или территория «Бахметьевского автобусного парка», становится неотъемлемой частью жизни бомонда. Это, как говорится, сейчас очень актуально. Но все ли современное искусство можно назвать актуальным?
С середины 1980-х гг. началось формирование арт-рынка, появилось много художественных галерей, а в 1990-е гг. родился и новый термин - актуальное искусство. Оно уже работает на зрителя и априорно находится в диалоге с ним, не предполагая вечного хранения в запасниках музея. Оно отрицает язык старых мастеров и постоянно создает новый художественный язык.
История всего искусства XX в. начинается и развивается в контексте отрицания, отказа, замены и поиска форм. В начале XX в. появление таких направлений как авангард, футуризм, лучизм, кубизм, и прочие «измы» полностью меняет осознание творческой роли художника. Но если первая половина XX в. - это история отрицания и поиска нового, то к концу столетия художник начинает игру с уже найденными формами и традициями, и так рождается целая эпоха постмодернизма. И к началу XXI в. ситуация складывается таким образом, что, по выражению С. Аверинцева, «в культурном наследии человечества все слова уже сказаны, все термины придуманы».
Непонятый современниками авангард, затем уход в подполье и новый виток открывают нонконформисты. Они создают критикующее, противостоящее и высмеивающее кризисные моменты искусство, оно может быть направлено на политические или общественные резонансы. Основа творчества и художественного процесса нонконформистов заключена в идейности их искусства, так как оно в первую очередь отвечает на вопрос «что» и не ориентировано на продажу (это не является его самоцелью).
«Другое искусство» (или актуальное), отличное от залитых солнцем радостно улыбающихся лиц с полотен соцреализма, возникает в 1960-е гг. Художники-нонконформисты работали в подполье, выставлялись на квартирниках для своего узкого круга ценителей. Теперь их произведения вошли в постоянную экспозицию XX в. Третьяковской галереи и считается образцом искусства идеи, интертекста и культурных цитат.
Если сравнивать условия, в которых творил художник 1980-х гг. и сегодняшний художник, то у первого было значительно больше свободы в выборе тем. Любое новое зарождающееся явление имеет больше творческого потенциала, чем у его последующих подражателей. Но не надо забывать, что искусство находится в постоянном развитии, в поиске новых форм и идей.
Сегодня лексикон contemporary art постоянно пополняется новыми терминами. С ними появляются и новые темы, порой злободневные и агитационные, противостоящие «искусству старых форм». Тогда и возникает вопрос актуальности: насколько творчество художников конца XX - начала XXI вв. может быть востребовано в первую очередь нашим арт-рынком.
Из-за поверхностного отношения к предмету изображения искусство может потерять себя в агитационных лозунгах и программных задачах. Оно может потерять свою идейность из-за погони создания быстрых шаржей на современное общество. Многие будут называть его актуальным, ведь оно «разоблачает», а что и как уже не так важно.
Как только художник перестает отстаивать свою творческую независимость, он сразу вливается в коммерческую струю, подчиняясь общественному вкусу, вкусу рынка и политическим установкам. Его творчество становится заказным, а искусство неактуальным. Одно можно сказать точно - меняется стиль жизни, меняется и способ функционирования и степень востребованности искусства арт-рынком. У художников-нонконформистов было мало возможностей продать свои шедевры.
В так называемых «тусовках» 90-х гг. проблема купли-продажи не рассматривалась, думаю, она просто отсутствовала.
В мастерских и в квартирах иногородних и неустроенных художников зарождалась новая жизнь, там шел творческий процесс. Это художественная среда, где все работают и общаются. Сквоты художников семидесятников-восьмидесятников есть ни что иное, как аналог центров современного искусства, где проводят выставки, перфомансы и проводятся невероятные эксперименты.
Разница между той «тусовкой» и нашим contemporary art в том, что первая сама являлась способом самореализации художественной жизни, ей не требовался рынок, она не производила товар! Она производила актуальное искусство, которое говорило о проблемах и идеях, будоражащих общество и самих художников. Тогда это шло изнутри - наболело. В пример можно привести тотальную инсталляцию Ильи Кабакова «Улетевший в космос».
По словам известного российского куратора, главного редактора «Художественного журнала» Виктора Мизиано «тусовка» не сводима к простому андеграунду. Это не просто богемная среда, направленная на сопротивление давлению рынка и социальному заказу. Это творческая среда со своими абсолютными ценностями, не имеющая ничего общего с коммерцией и арт-рынком в нашем сегодняшнем его понимании. Главным условием возникновения сквотов или «тусовок» была творческая свобода, общение и «территория для мейнстримовсого эксперимента».Там под одной крышей были объединены мастерские художников, театральные студии, импровизированные галереи, кафе, дискотеки. Это русский вариант возникновения актуального искусства, «не испорченного» ни арт-рынком в его европейском масштабе, ни модными тенденциями.
Во второй половине 1990-х казалось, что сквоты уходят в прошлое, а тусовка утрачивает свою динамику развития, переселяется в галереи, где постепенно понятие тусовки подменяется понятием арт-рынка. Специалисты оценивают этот процесс по-разному. Произошло четкое разделение всего современного искусства на коммерческое (чаще подразумевается неактуальное) и некоммерческое (актуальное).
Задача кураторов выставок contemporary art привлечь внимание зрителей к актуальному, интересному, социально-значимому искусству. Так же куратор озабочен тем, что необходимо выводить наше искусство на европейский уровень. Совместить эти две задачи удается не всегда.
Законы рынка одинаковы везде - продается то, что востребовано. Интерес к искусству XX века сейчас достиг своего апогея, об этом можно судить по продаже на аукционе «Сотбис» полотна К. Малевича за 60 млн. $. Это к вопросу о том, что сейчас модно. Но в целом авангард не может быть востребован в той же мере, как искусство, продолжающее живописные традиции импрессионизма или классической живописи (академический пейзаж, натюрморт).
Всегда останутся художники, поддерживающие ту манеру живописи, и их произведения, не факт, что плохие, будут включаться в состав выставок. Они и станут небольшой коммерческой составляющей выставки, которая должна окупиться, принести прибыль - организаторам и кураторам стоит учитывать вкусы потенциального покупателя.
Доля так называемого коммерческого искусства (то есть продаваемого, но не всегда авангардного) является важным фактором успешной продажи на арт-рынке. Если произведение нельзя назвать актуальным, это не вовсе не значит, что оно относится к категории коммерческого, безвкусного или заказного, так как его неактуальная направленность - это скорее вопрос художественного стиля автора.
В галерее «Ковчег» была целая выставка, посвященная «неактуальному искусству» художников пятидесятников и шестидесятников, продолживших художественную линию Шишкина, Серова и Репина. Ключевым словом концепции всей выставки была «неактуальность», ведь эти художники творили в момент расцвета абстракции на Западе и в глазах западного зрителя работы советских художников были абсолютно неактуальными. Они явно отставали от современных веяний. Другое дело, что наши художники не могли об этом знать в условиях советской реальности 1950-х гг. Сейчас тоже есть немало преуспевающих художников, работающих в стиле старых мастеров. Это неактуальное искусство не предполагает того, что оно будет коммерческим, вовсе нет. Но оно хорошо продается, потому что имеет хорошее качество, добротность и обладает узнаваемостью.
Неплохо продаются и некоторые произведения знаменитых мастеров актуального искусства, громкие имена всегда покупают.
Неважно, что именно продавать, главное, как оценивать товар: Дубосарский и Виноградов за $60 000, Илья Кабаков за $350 000 или Казимир Малевич, купленный на 'Sotheby's' за $60 млн.
Разумеется для современного художника это большая удача. В отличие от «шестидесятников», они приобретают широкую известность в массах, популярность и возможность жить за счет своего творчества. Парадокс: рынок развивается, искусство коммерциализируется, а художник живет в лучшие времена, когда его все знают, и он хорошо зарабатывает на своих шедеврах. Но вместе с этим рынок диктует художнику все более жесткие условия, отсеивая при этом наиболее новаторские и пока еще непривычные идеи и их формы!
Сделать продаваемым, то есть коммерческим, актуальное искусство молодых и мало известных художников нашему рынку пока не очень удается. Причин может быть много, и главная из них - вопрос организации. Дело в том, что за процесс дальнейшей судьбы произведений отвечают соответствующие инстанции. Музеи должны не только хранить уже признанные шедевры, но также покупать произведения и устраивать выставки новых художников. Важный шаг в этом направлении - новая экспозиция искусства XX века в Государственной Третьяковской галерее. Это шаг признания, приобщения к вечному. Другой вопрос, спасает ли это искусство от процессов дальнейшей коммерциализации?
Безусловно, музей и по сей день сохраняет свою функцию сохранения и пропаганды, выставки должны прививать хороший вкус и создавать условия для общения зрителя с произведением, даже приобщения. Не обойтись здесь и без помощи кураторов, которые выстраивают композицию всей выставки, концептуализируют ее. Правильная подача материала очень важна на выставках. Но, по мнению некоторых специалистов, наши музеи современное искусство не жалуют, разногласия возникают и внутри самих музеев. А художники не всегда доверяют кураторам и делают выставку самостоятельно на свой лад.
Распадается единство, зритель часто остается в недоумении, не удается воссоздать тот художественный мир «абсолютных ценностей», который так тщательно выстраивался художниками авангарда, нонконформистами и современными авторами. А без единства невозможно себе представить и правильное развитие арт-рынка. Зрителя надо воспитывать, объяснять, научить понимать!
Вкусы заказчиков довольно легко предугадать, более того, их можно воспитывать и направлять. Многие специалисты считают, что это одна из главных задач галеристов и без их помощи не обойтись и арт-рынку, тем более учитывая его рост и развитие.
Сравним ситуацию свободной тусовки 1980-х гг. и налаженной системы выставок 2000-х гг. Масштаб проведения и степень разрекламированности выставок, растущая известность художников не только для узкого круга ценителей привела к росту спроса на арт-товар. Иметь дома любое произведение тех же нонконформистов считается признаком хорошего вкуса, это называется шагать в ногу со временем. Вопрос в том, в плюс или в минус это для искусства.
Рынок всегда будет преследовать свои интересы и выгоду, но он может превратить искусство актуальное и интересное в востребованный товар. Одни это воспринимают на ура, другие считают, что это приводит к потере художественно-идеологической ценности произведений.
Действительно, многие боятся «отчаянной коммерциализации» искусства после того, как к нему проснулся огромный интерес. Сейчас ведется много споров и искусствоведческих дискурсов, очень активно работает реклама, не говоря уже об открывающихся одна за другой выставок contemporary art. И вот это уже неотъемлемая часть жизни - просто модно.
На ежегодной выставке года молодого и прогрессивного искусства «Арт-Москва», считающейся у нас отечественным аналогом арт-рынка всегда пытались совместить две главные задачи - продажу и пропаганду. В 2000 году организаторы «Арт-Москвы» помнили, что непонятное искусство нужно уметь донести до российского зрителя, рассказать о нем как можно больше. Ведь продуманная экспозиция и интересные комментарии часто помогают раскрыть суть идеи автора. В этом и заключалась работа «Арт-Москвы» как «пиар-проекта».
В публичных спорах об искусстве на первых выставках «Арт-Москвы», рождалось мнение о том, что современное искусство, вскрывающее в художественной форме актуальные проблемы сегодняшнего общества, надо продвигать и пропагандировать.
Да, зритель пока не привык к эпатажу и шоку - главным методам воздействия, но именно ими предлагают художники «лечить» наше общество. Главный метод этого искусства - обратить внимание на всё плохое в этом мире с помощью провокации. Акцент критиками делался на то, что произведения современных авторов нужно уметь понимать и уметь объяснять. Каждый ли автор хорошо понимает, что он сотворил, у каждого ли хватит внутренней культуры, чтобы его произведение было вполне достойным звания искусства? Для чего он творит? Критерий искусства должен быть определен только тем, что работа автора обязана нести людям нечто поднимающее его из животного состояния. Возникает важнейший вопрос арт-рынка: как отделить искусство от его антипода - пошлости?
Очередная утопия XXI века заключалась в том, что мы хотели забыть о механизмах рынка, заняться чистой пропагандой, но постепенно энтузиазм сменился коммерцией. Почему? По мнению многих современных критиков, художники, так долго не ценимые публикой, наконец, стали признаны, а главное, покупаемы простым зрителем и перестали творить искусство неприятное, злободневное и умное. Довольно жестокая оценка. Но такое явление наблюдается.
Известный искусствовед и идеолог искусства XX века Екатерина Деготь говорила, что «современный рынок диктует первенство произведения искусства над самим искусством, на рынке это нормально, но рынком художественная ситуация не ограничивается». А теперь почти весь художественный процесс на выставках-продажах начал жить по этому принципу.
Главный вопрос: какой товар предлагает рынок в России? На какого клиента он ориентирован? Предлагая красивую обертку от конфетки, рынок рассчитывает на быструю реакцию публики. Как прекратить пропаганду неинтересных, китчевых, коммерческих вещей, как оградить от них общественный вкус?
Нелегкая задача гармоничного соединения рыночных и художественных интересов ложится на плечи организаторов выставки, музейщиков, галеристов и художников. Это должен быть дружный идеологический союз. Именно в таком качестве себя репрезентовала «Арт-Москва». Идея донесения искусства до масс не так уж и утопична. Единственно, пока в России это не очень осуществимо. По мнению известного искусствоведа и арт-критика Евгения Барабанова, в России отсутствует система коммуникации.
Мы говорим, что современное искусство становится модным, его с удовольствием коллекционируют, цены на него растут. Но проблема в том, что это происходит неосмысленно! Если авангард 1910-х годов адекватно осмыслен, его изучают и пишут о нем монографии, то искусство нонконформистов 1960-х годов пока воспринимается просто как модная картинка на стену. Неумение осмыслить приводит к росту китчевости и неактуальности, низведению идей.
Общество находится в замешательстве, так как мало кто знает, как правильно оценивать современное искусство! К тому же сами специалисты не всегда его понимают, не признают и бывают необъективны. Как говорит Евгений Барабанов, чтобы коммуникация состоялась, необходима совместная работа музеев, критиков, галерей, издателей. Следует пропагандировать не просто модную тенденцию, а целый художественный пласт жизни, ведь «у нас было не хуже».
Споров много, трудно оценить наследие искусства XX века. С одной стороны, авангард отрицал «музейность» и «то, что однажды было предложено авангардом в качестве протеста против коммерциализации искусства, было цивилизацией присвоено и использовано для наживы», - таков вердикт Максима Кантора, одного из самых востребованных в мире российских художников.
Подводя итоги, можно сказать, что отечественный рынок развивается, выходит на мировые позиции, но остается нерешенной проблема подачи материала и организации арт-проектов. Задача привлечения неискушенного зрителя к художественному явлению современного искусства для России очень, простите за тавтологию, актуальна. Нужно соблюдать баланс: с одной стороны расширять арт-рынок, с другой не потерять за этим рынком самой актуальности, значимости искусства. И самое главное, понимания в чем она выражается.
Упоминая мнения некоторых критиков, хотелось приблизиться к объективной реальности. Да, налицо прогресс, выход художников из тени «железного занавеса», ведь наших художников знают и покупают там, за границей! Реакция - овации и аплодисменты у одних, полная безысходность у других.
Вопрос остается открытым. Загубят рыночные отношения само искусство как акт творчества и выражения творческой индивидуальности, или в XXI веке искусства как такового просто не осталось?
http://artgals.info/polemika/notes/a...-kalashnikova/
02.09.2009, 19:16
Россия. Арт-рынок.
Линейный вид
Похожие темы