Долгое время Венгрия входила в состав могущественной и процветающей Австро-Венгерской империи. Среди представителей венгерской аристократии было немало коллекционеров. Со временем некоторые из их коллекций вошли в состав Будапештского музея. В целом, история собрания складывалась 4 столетия. Его основу составили картины, купленные несколькими поколениями князей Эстерхази, а также представителями высшего духовенства и дипломатической элиты. Пополнение музейной коллекции шло и в XX веке, продолжается и в наши дни. Будапештский музей является не только крупнейшим художественным собранием Венгрии, но одним из самых значительных в Европе. Специально для этого собрания в Будапеште было выстроено прекрасное здание. 1 декабря 1906 года, в присутствии австрийского императора и венгерского короля Франца Иосифа, в нём состоялось торжественное открытие Будапештского музея изобразительных искусств.
Творческое и выставочное содружество Будапештского музея и ГМИИ им. А.С.Пушкина всегда было плодотворным. В 1971 году москвичи познакомились с выставкой «Шедевры западноевропейского рисунка из Музея изобразительных искусств в Будапеште», в том же году были показаны «Сокровища венгерского искусства за 1000 лет». В 1973 году в ГМИИ прошла выставка «Итальянская живопись XV-XVIII веков из Музея изобразительных искусств в Будапеште», а сокровища испанской коллекции были показаны у нас в 1979 году на выставке «Испанская живопись XVI-XIX веков из Музея изобразительных искусств в Будапеште». В 1998 году Будапештский музей предоставил на юбилейную выставку, посвященную столетию со дня основания ГМИИ, шедевр Эль Греко «Моление о чаше».
На этот раз экспозиция сформирована на основе шедевральных полотен ведущих европейских живописных школ XV-XVIII вв. Центральное место в экспозиции занимает «Портрет юноши» («Портрет Броккардо») Джорджоне. Это изображение молодого человека, погруженного в раздумье. Среди сохранившихся портретов кисти Джорджоне именно этот наиболее ярко воплощает главные особенности стиля художника. Джорджоне радикально изменил мир венецианской живописи, обогатив его поэтической атмосферой.
Другой программный мужской портрет выставки, принадлежит кисти Рафаэля Санти. В 1887 году портрет был выкуплен венгерским государством из коллекции Эстерхази. Работа выполнена в новаторском духе: вместо обычного для Италии изображения модели в профиль, портретируемый дан в трёхчетвертном повороте. Юноша на портрете примерно одного возраста с живописцем и, вероятнее всего, принадлежал к кругу гуманистов при дворе герцога Урбинского.
Центральный шедевр немецкой живописи «Портрет юноши» Альбрехта Дюрера. Молодой человек, одетый в простую чёрную одежду, изображён на ярко-красном фоне. Его взгляд мечтателен, задумчив. Согласно моде той эпохи, у мужчины на портрете длинные волосы, но они стянуты сеткой. Поверх сетки обычно носили берет. Его отсутствие указывает на то, что костюм не официальный, а домашний.
Другая значительная работа немецкой школы, - «Распятие» Альбрехта Альтдорфера. Произведения этого автора чрезвычайно редки, в частности, они не представлены ни в музеях, ни в частных коллекциях России. «Распятие» – не самая характерная тема для творчества Альтдорфера, известного, в основном, как пейзажиста. Вероятно, эта работа была создана для частного заказчика.
За исключением центральных работ выставки, остальные распределены по школам. В Белом зале – итальянская школа (в том числе работы Веронезе, Карраччи, Карьяни, Джентилески и др.), а также испанская, являющаяся предметом особой гордости Будапештского музея. На выставке этот раздел представлен работами Эль Греко, Риберы, Веласкеса, Мурильо, Сурбарана и Гойи.
Полотно Диего Веласкеса «Крестьяне за трапезой», живое, изысканное по цвету, мощное по живописной лепке, – одно из ранних в творчестве художника. Картина относится к жанру бодегонов – завтраков. Бодегоны, популярные в Испанском искусстве XVII века, позволяли художнику соединить жанровую сценку с натюрмортом. В качестве моделей Веласкес использовал простых людей из родной Севильи – как правило, хороших знакомых и друзей.
Картина Франсиско Гойи «Девушка с кувшином» или «Водоноска» – одно из самых прославленных в Будапештском музее. Небольшая, так называемого, «кабинетного формата» картина была приобретена герцогом Кауницом в Мадриде вместе с парной картиной «Точильщик», затем попала в собрание князей Эстерхази. В 1871 работа была выкуплена венгерским государством. «Водоноска» создана по мотивам событий народно-освободительной борьбы Испании в период наполеоновских войн. Сюжет прост: на закате девушка из народа несёт мужчинам воду. Она написана в традиционной испанской манере: художник подчеркивает присущее любому испанцу – от гранда до водоноса – чувство собственного достоинства. Это одно из лучших произведений Гойи и по живописи: мазки то густые, плотные, буквально лепящие форму, то легкие и воздушные. Резкие контрасты цвета сменяются тончайшими нюансами, краски то вспыхивают, как под лучами заходящего солнца, то ложатся сумрачными тенями. Все это создает в картине драматическое напряжение.
На колоннадах посетители выставки смогут увидеть работы фламандцев: Питера Пауля Рубенса, Йорданса, Яна Брейгеля Старшего, Ван Дейка; художников Франции: Клода Лоррена, Филиппа Шампеня, Грёза, а также работы итальянских живописцев XVIII века: Белотто, Маньяско, Тьеполо. В 20 зале музея разместится голландская школа: Клеве, Корнелис, Ластман, Франс Халс, Ливенс, Якоб Рейсдал и др.
Картина Якоба Йорданса «Сатир в гостях у крестьянина» написана на сюжет басни Эзопа. Йорданс создал целый ряд произведений на эту тему, их охотно покупали. В постоянной экспозиции ГМИИ есть свой «Сатир в гостях у крестьянина» кисти знаменитого фламандца.
Любителей голландской живописи порадует «Вид Амстердама» Якоба вон Рейсдала, крупнейшего пейзажиста Голландии XVII века. Сельская дорога вдоль залива, домики под красными черепичными крышами, башня городского собора, упирающаяся своим шпилем в низкое облачное небо. Вместо идеализированной природы, реалистический пейзаж. Рейсдал стремился в своих картинах воссоздать влажную атмосферу Голландии, и даже время года, со всеми его особенностями, что привело к развитию тональной живописи, то есть, подчинению всех компонентов картины единому тону.