Под музыку золотых красок

Новая версия культурных связей в иконописи позволяет установить особенности распространения хризографии

Ребекка Корри

Один из самых сложных и неразгаданных вопросов медиевистики — практически одновременное появление «греческой манеры» в Тоскане и Умбрии XIII в., в государствах крестоносцев, Византийской империи и её сателлитах. Большую часть своей жизни Ярослав Фолда изучал особенности этого непростого перекрестия средиземноморских культур. В своей книге Byzantine Art and Italian Panel Painting: the Virgin and Child Hodegetria and the Art of Chrysography (Византийское искусство и итальянская живопись на дереве: икона Богоматери с Младенцем (Одигитрия) и искусство хризографии) он использует новый подход к теме культурного сотрудничества, уделяя основное внимание развитию техники хризографии — росписи икон золотыми красками. Рассматривая особенности хризографии в эпоху крестоносцев, Фолда фиксирует мельчайшие различия в развитии как формы, так и содержания известных изображений Богоматери с младенцем Иисусом на Западе и Востоке.

Cosmoscow: выходные современного искусства

В Москве в Гостином Дворе начала работу ярмарка Cosmoscow, которая продлится до 11 сентября. Кроме основного проекта, в рамках которого представлено 38 галерей из России и других стран СНГ, США и Европы, устроители ярмарки подготовили в этом году обширную некоммерческую и образовательную программу. Ежегодной традицией стало также проведение на Cosmoscow благотворительного аукциона Off White в пользу фонда Натальи Водяновой «Обнаженные сердца».

Старт ярмарке был дан еще четверг 8 сентября, когда на пресс-конференции были объявлены победители Credit Suisse Cosmoscow Prize for Young Artists 2016. Швейцарский банк не только 2-ой год подряд выступает стратегическим партнером ярмарки, но и учредил спонсорскую премию для молодых художников. Первыми лауреатами, выбранными авторитетным международным жюри, стали Анастасия Богомолова, Илья Долгов и Анастасия Кузьмина. Все 3 получили грант в размере 3 тыс. швейцарских франков.

На закрытом предпоказе ярмарки в четверг вечером было необыкновенно многолюдно, тут можно было встретить профессионалов российской арт-индустрии Зураба и Василия Церетели, Терезу Мавику, Владимира Дубосарского, Екатерину Кибовскую, Алину Сапрыкину, Айдан Салахову, а также добрую часть московского бомонда, в том числе Ирину Хакамаду, Наталью Синдееву, Нику и Бориса Белоцерковских, Эвелину Хромченко, Александра Раппопорта, Вику Газинскую, Ксению Чилингарову и многих других. За музыкальное сопровождение вечера отвечал живой оркестр под управлением дирижера и диджея в одном лице All in Orchestra.

Работа ярмарки продолжилась в пятницу. Вдохновленные первыми продажами еще на превью, участники ждали покупателей к вечеру, а днем они вместе с посетителями отправились послушать лекцию куратора с мировым именем и блестящего арт-критика Франческо Бонами, который рассуждал о том, почему современное искусство все-таки искусство.

Валерий Кошляков в элизиях и аллюзиях

Авторская экспозиция российского художника включает большие полотна, инсталляции, различные поделки и даже хлам со свалки.

Музей русского импрессионизма, открывшийся в мае этого года, впервые обновил экспозицию. На смену полотнам Коровина, Серова, Поленова и других классиков пришли работы нашего современника Валерия Кошлякова. Один из самых дорогих ныне живущих российских художников (ценовой рекорд был поставлен на аукционе Sotheby’s — £72,5 тыс. за картину) создал специально для музея серию разноплановых арт-объектов под общим названием «Элизии». Это не только живопись с элементами коллажа, но и инсталляции от пола до потолка, и скульптурные композиции из подручных материалов.

Художественное пространство дополнили старые вещи, найденные Кошляковым на парижских помойках: порванное кожаное кресло, сломанный деревянный стол, кусок пенопласта... Вкупе с размытыми изображениями зданий на картинах они должны создавать ощущение осколков мифического города, то ли когда-то существовавшего в реальности, то ли порожденного фантазией автора и зрителя.

В этом контексте картонные строения на 2-х нижних этажах музея воспринимаются как обветшалые стены комнат, давно оставленных жильцами.

— Это пространство производит впечатление исторического опустошения, — пояснил художник концепцию инсталляции. — Представьте себе такое состояние, когда вашу квартиру выгребли всю, побили стекла, но покрасили красиво. Приходишь с того света, смотришь, говоришь: «Это не моя квартира!». А тебе отвечают: «Как же? Твоя!». Вид и сам факт существования такого объекта — уже загадка. Что это? Храм? Не храм. Дом? Палаццо? Что-то узнаваемо, что-то — нет…

.. два в одном..
“И швец, и жнец, и в дуду игрец“.

Художник Степан Мянник написал "Тайную вечерю" с покемонами в поддержку блогера Соколовского

Российский художник Степан Мянник написал картину в поддержку видеоблогера Руслана Соколовского, обвиняемого в разжигании вражды и оскорблении чувств верующих из-за ловли покемонов в храме в Екатеринбурге. На полотне изображен известный евангельский сюжет - Тайная вечеря, но за трапезой вместо 12 апостолов собрались покемоны. В центре стола на месте Иисуса Христа восседает Пикачу.

В интервью Znak.com 22-летний художник признался, что был потрясен поводом для ареста Соколовского. "В связи с этим в его защиту и поддержку здравого смысла я написал картину "Тайная вечеря" с покемонами, которую выставляю на продажу за 500 тысяч рублей", - сказал он. Размер полотна - 180 на 120 сантиметров.
Российский художник Степан Мянник написал картину в поддержку видеоблогера Руслана Соколовского, обвиняемого в разжигании вражды и оскорблении чувств верующих из-за ловли покемонов в храме в Екатеринбурге.
По словам Мянника, деньги пойдут на оплату адвоката для Руслана Соколовского. Художник попросил "всех здравомыслящих людей" поддержать его "инициативу в защиту сохранения милосердия".

Степан Мянник родился в 1994 в Москве в семье актрисы Регины Мянник и врача-уролога. Он учился в московской школе до 2010 г., затем продолжил образование в Англии, закончив King's School, Ely. С 2013 г. Степан является студентом факультета живописи лондонского университета University of Arts (UAL).
Первая самостоятельная выставка Степана Мянника "Раскол? Раскол!" открылась в сентябре 2015 г. На ней были представлены картины с изображением сколов различных минералов и микроскопически увеличенных капель ядовитых веществ.
Напомним, одним их самых известных произведений на тему Тайной вечери является роспись работы Леонардо да Винчи. Она была создана в 1495-1498 годы в доминиканском монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.

Расследование в отношении 21-летнего Руслана Соколовского началось после публикации им ролика, на котором он играет в Pokemon Go в Храме-на-Крови. 3 сентября подозреваемый был арестован. Ему предъявили обвинения в "оскорблении чувств верующих" (часть 2 статьи 148 УК РФ) и "возбуждении ненависти либо вражды, а равно унижении человеческого достоинства" (статья 282 УК РФ).

Международная правозащитная организация Amnesty International признала блогера узником совести и назвала его арест "абсурдной атакой на свободу выражения мнений". На прошлой неделе Свердловский областной суд изменил меру пресечения Соколовскому с содержания под стражей в СИЗО на домашний арест.

Sotheby's рассказал о неизвестном Айвазовском

Книга, выпущенная при участии аукционного дома, демонстрирует работы великого мариниста из частных собраний

http://c.izvestiacontent.ru/media/3/...092_120x80.jpg
ИВАН АЙВАЗОВСКИЙ Гибралтар ночью Около 1844 года. Холст, масло.
Предоставлено издательством "Слово"

В российском офисе аукционного дома Sotheby’s прошла презентация книги-каталога Джанни Каффьеро и Ивана Самарина «Неизвестный Айвазовский». Русское издание подготовлено при участии Sotheby’s и приурочено к 200-летию живописца и его выставке в Третьяковской галерее.
Главная особенность 440-страничного труда — акцент на картинах Ивана Айвазовского, хранящихся в частных собраниях. Авторы знают о них не понаслышке. Джанни Каффьеро считается одним из ведущих экспертов по Айвазовскому на Западе и неоднократно консультировал аукционные дома и галереи по вопросам, связанным с его творчеством и атрибуцией работ.

Иван Самарин много лет работал в Sotheby’s экспертом по русскому искусству, а сейчас специализируется на оценке произведений живописи. По признанию писателей, они видели более 600 работ художника, принадлежащих частным лицам.

На вопрос, каково соотношение работ мариниста, хранящихся в приватных коллекциях и в публичных музеях, Самарин и Каффьеро ответили, что примерно 50/50 - если учитывать, что известно экспертам, в общей сложности около 1200 полотен.
Но сам художник в конце жизни говорил, что написал 6 тыс. картин. Даже если сделать поправку на возможное преувеличение и гибель каких-то работ (пожары, войны), все равно выходит, что широкой публике доступна малая часть творческого наследия такого, казалось бы, известного живописца.

В книге делается попытка приоткрыть завесу тайны над «частным» Айвазовским: все разделы исследования иллюстрированы репродукциями вещей из непубличных собраний. А в конце приводится подробный каталог, включающий миниатюрные изображения и описания картин художника.
Правда, это все равно неполный список, не претендующий на звание каталога-резоне. И ориентироваться на него при атрибуции работ Айвазовского нельзя. Хотя тему подлинности Самарин и Каффьеро не обошли вниманием. Им приходилось видеть множество подделок под Айвазовского. Вопросу, как создаются фальшивки и как их распознать, в книге посвящена отдельная глава. Но зачастую даже крупнейшие аукционные дома ошибаются.

Генеральный директор Sotheby’s Ирина Степанова рассказала об одной из таких ошибок:
— В прошлом году нами была продана картина якобы Айвазовского с изображением мрачного моря. В тот момент, когда работа пришла на аукцион, мы не могли показать ее эксперту в живую. Специалист видел только фотографию, а по ней невозможно дать полноценное заключение. Но провенанс (происхождение работы, список ее прежних владельцев) нас устроил. И мы выставили её на продажу. Однако когда холст привезли в Москву, сделали химический анализ и прочие технологические экспертизы, оказалось, что это другой художник XIX века, который писал под Айвазовского, копировал его манеру. Мы вернули деньги покупателю.

По словам Ирины Степановой, каждый год в Sotheby’s приносят работы Айвазовского, прежде не фигурировавшие на рынке. В т.ч. подлинные. Это могут быть вещи, купленные в свое время у Айвазовского (а он много писал на заказ) и затем не покидавшие семью покупателя, передававшиеся по наследству из поколения в поколение. Да и цены на живопись Айвазовского стабильно высоки (несмотря на кризисы и прочие потрясения). Так что нам предстоит еще много открытий, а неизвестный Айвазовский пока остается неизвестным. Несмотря даже на выход книги и масштабные выставки.

Русские концептуалисты взяли Париж

http://c.izvestiacontent.ru/media/3/...d80_120x80.jpg
Вл.Яковлев "Полосатая кошка с пойманной птицей", конец 80-х.
Фото: пресс - служба Благотворительного фонда Вл. Потанина

На несколько месяцев Центр Жоржа Помпиду в Париже стал центром русского искусства. Музей, обладающий уникальным собранием русского искусства, представил беспрецедентную выставку «КОЛЛЕКЦИЯ! Современное искусство в СССР и России 1950–2000 гг.: уникальный дар музею». Основа экспозиции — собрание из 357 работ (без учета полноценного павильона Дмитрия Пригова), публично переданное в дар французскому государству при содействии благотворительного фонда В. Потанина и активном участии директора Мультимедиа Арт Музея Ольги Свибловой.

Акт дарения произведений российских художников Центру Помпиду имеет исторические предпосылки. Так, в середине XX века Марк Шагал передал в музей картины «Двойной портрет с бокалом вина» (1917 – 1918) и «Россия. Ослы и другие» (1911). Дар 1972 г. позволил включить в коллекцию более 240 произведений Наталии Гончаровой и Михаила Ларионова. Затем фонды супрематистов и конструктивистов были значительно усилены безвозмездно переданными произведениями Малевича, Родченко и братьев Стренбергов.

Но вместе с тем на самых крупных арт–ярмарках мира российское актуальное искусство не было представлено вообще. Как оказалось, историческое своеобразие современного искусства, рожденного за советскими институциональными рамками, важно открывать не только широкой публике, но и европейским экспертам. Так, по откровенному признанию директора Центра Жоржа Помпиду Бернара Блистена, он никогда прежде не слышал о Дмитрии Пригове, с зала которого и начинается выставка. Здесь представлена «Стихограмма, 1975–1979» Пригова, инсталляции и видеоарт с участием самого Дмитрия Александровича, который таким образом исследовал выведенную им же самим формулу «мясо пространства».

Из работ Андрея Монастырского, определившего концептуализм как «поэзию философии», в коллекцию включено его культовое творение «Дышу и слышу» 1983 г. Конечно, зритель сможет найти в экспозиции и работы других выдающихся московских художников 1970–1980 годов — Ильи Кабакова и Виктора Пивоварова. К последнему примкнул и его сын Павел Пепперштейн. Его работу охарактеризовал коллекционер и даритель Пьер-Кристиан Броше:
— "Картина Павла Пепперштейна «Жанна д`Арк» (её приобрел у меня и подарил музею фонд Потанина) — одна из первых работ Павла на холсте. Когда я смотрел на эту картину, у меня было ощущение, что здесь Павел очень четко выразил новый взгляд на образ Жанны — как на жандарма, который ходит с Востока на Запад. Героиня держит японский флаг, и мне кажется, что в этой картине есть образ влияния Востока на Россию и на Европу в целом".
Еще одна работа из собрания Пьера-Кристиана Броше — большая фотография Олега Кулика «Решетка» (1997). После первого выступления в виде собаки художник повторил свой перформанс, но уже в клетке — объединив все символы и клише, связанные с образом Советского Союза в глазах Запада.

Поскольку передача знаний — одна из стратегических задач выставки, в музее была организована долгосрочная образовательная программа, включающая показы фильмов, лекции и дискуссии с художниками. В числе участников заявлены Сергей «Африка» Бугаев, Дмитрий Гутов, Владимир Мироненко, Борис Орлов, Виктор Скерсис и Олег Кулик.

На черно-белой фотографии 1978 года Юрий Альберт держит в руках транспарант, на котором впечатаны буквы: «Ю.Ф. Альберт всё выделяемое им тепло отдает людям». Так и коллекция будет отдавать свое тепло многочисленным интернациональным зрителям и помогать им самим преодолевать шаблоны собственного восприятия.

- Павел Пепперштейн "Жанна д'Арк" (2005)
- Олег Кулик, «Решетка» (1997)

..обида..

Дмитрий Нагиев назвал власти Петербурга «человеческой гнилью»

Утром:
Актер Дмитрий Нагиев в своем Instagram эмоционально раскритиковал городских чиновников Санкт-Петербурга, распорядившихся закрасить граффити с изображением одного из персонажей актера – прапорщика Задова - http://nsn.fm/hots/dmitriy-nagiev-na...tm_source=smi2
"В Петербурге на нескольких грязных, никому не нужных стенах, добрые художники нарисовали известных людей. Где-то весело, где-то серьезно. Вчера чиновники все это закрасили. В стране, где у них находят 9 миллиардов просто в доме, просто находят, где койки в больницах стоят в коридорах, где вызывают попов, чтобы осветить очередной украденный миллиард при строительстве "Зенит-Арены", где дороги в никуда, а самолет для перевоза собачек, - эта человеческая гниль борется с уличными художниками. Все остальные проблемы они решили, больше этой бездарной куче говна заняться нечем", - пожаловался шоумен в Instagram.

Подробнее: http://www.newsru.com/cinema/15sep2016/zadov.html


Днём:
Экс-сенатор от Санкт-Петербурга Людмила Нарусова прокомментировала слова актера Дмитрия Нагиева, который эмоционально отреагировал на закрашивание портрета его персонажа прапорщика Задова, выполненного в стиле граффити на одной из трансформаторных будок в Санкт-Петербурге: "Граффити закрашивают не только в Санкт-Петербурге, поэтому вопрос надо ставить шире - не о закраске конкретного портрета, а вообще: является граффити вандализмом или искусством".

И вечером:
Петербургские полицейские задержали художника Артема Буржа, который рисовал портрет персонажа сериала «Осторожно, модерн — 2» Зинаиды Тракторенко поверх закрашенных граффити с другим персонажем того же сериала, прапорщиком Задовым, на Синопской набережной в Петербурге, передает «Радио Балтика».

Картина, подаренная Медведеву, оценена в полмиллиона рублей

Немало обсуждений вызвал в четверг подарок президента страны, сделанный на день рождения премьеру правительства. Владимир Путин вручил Дмитрию Медведеву картину под названием «В цеху» художника Николая Овчинникова, и было видно, что угодил. На лице юбиляра засияла счастливая улыбка. Никто не сомневается, что сей предмет живописи имеет особый символичный смысл — бессмысленных подарков наш президент не делает.

Видеосюжет: https://twitter.com/dimsmirnov175/st...414145/video/1

И цена у него, скажем прямо, вполне достойная — 455 тысяч рублей. Но вот чем эта картина так примечательна? Тем, что намекает на бесперебойный рабочий процесс в правительстве? А может и тем, что ее автором является художник, написавший портрет Путина в 2003 году?

Дмитрий Медведев очень любит живопись. Впрочем, как и вся политическая элита. Он не раз признавался журналистам, что старается как можно чаще посещать музеи и выставки. Недавно в одной из частных галерей города Плёс Ивановской области (к слову, неподалеку находится дача Медведева) Дмитрий Анатольевич приобрел картину новгородской художницы Елены Васильевой. Это натюрморт, на котором изображен самовар и колосья пшеницы, стоящие в кувшинах.

Произведение искусства, которое преподнес Медведеву Путин, тоже навевает воспоминания о прошлом. Однако там нет ностальгических ноток и намеков на природу и крестьянский быт. Там показан рабочий процесс. В серо-желто-коричневых тонах изображен производственный цех промышленного предприятия, в котором собрались работники завода. Недаром Владимир Владимирович обмолвился: «Это соответствует тому, чем Дмитрий Анатольевич сейчас занимается».

..точка зрения..

От Сталина до Брежнева: художественно-политические итоги

15 сентября 1906 г. родился самый известный официальный портретист Сталина, Хрущёва и Брежнева
Дмитрий Налбандян

Модест Колеров

Советский идеологический официоз в области изобразительного искусства не был так прост, как кажется на первый взгляд, ‑ и породил за 74 года своего существования — с 1917 по 1991 год целую галерею обласканных, прославленных и награждённых им художников, среди которых нашлось место и подлинным титанами кисти и резца, и выдающимся деятелям художественного сервиса, и крайне успешным культур-бизнесменам. Главные персональные художественные институции, которые до сих пор принимают на себя массовую потребность в «картинках» и прочем подобном, их персональные репутации, по-прежнему порождены СССР. Ведь именно в СССР сложилась официозная фронда книжного рисовальщика-иллюстратора Ильи Глазунова (1930), которая после СССР монетизировалась в виде художественной Академии его имени в центре Москвы, салонная слава гиперреалиста Александра Шилова (1943), после СССР отлившаяся в личный государственный (!) музей Шилова, организаторская мощь скульптора, Героя Социалистического труда Зураба Церетели (1934), после СССР отдавшая ему в руки целую Академию Художеств.

По сравнению с этими достижениями позднесоветских вождей официоза, личные итоги старшего поколения художников, отдавших своё имя прославлению и обслуживанию советской власти, выглядят скромнее — у них не было шанса для прижизненной глорификации и прижизненной капитализации своих дарований. Ведь что такое советский успех действительно яркого, сильного, узнаваемого художника ренессансного стиля Исаака Бродского (1883−1939), с таким мастерством — только живущая ещё в памяти старшего поколения улица Бродского — главная улица, ведущая от Невского проспекта к Русскому музею, ныне Михайловская, названная так посмертно. Или что такое советский успех вполне среднего художника Владимира Серова (1910−1968), как казалось, обессмертившего многофигурные композиции с Лениным во главе? Ничего. Что такое советский успех официального портретиста советских вождей от дебютного Кирова до Брежнева — Героя Социалистического труда Дмитрия Налбандяна (1906−1993), чья ремесленная кисть стала едва ли не нарицательной для застывших, бездушных, изображений вождей без изъяна, пафоса, правды и даже простой надежды на человеческое? Разве что только доныне живущий музей-мастерская в центре Москвы, — памятник, скорее, упорству его наследников, чем его искусству. Главное, что было уже при его жизни — именно нарицательность стиля Налбандяна для официоза позднего СССР, который — к удивлению многих — легко выжил при внутрипартийных и пропагандистских переменах от Сталина к Хрущёву, от Хрущёва к Брежневу. И при Брежневе достиг своей вершины.

Помню, как мироточивое, предельно, если можно так абсурдно сказать, абстрактное фотографическое изображение Брежнева кисти Налбандяна одновременно стало своеобразным символом брежневской эпохи — лишённой идеологического лица. Именно на фоне такого налбандяновского Брежнева и выросла столь же стерилизованная официозная фронда Глазунова, Шилова и Церетели.
ски эксплуатировали в 1970—1990-е гг. антиофициозный концептуалист Илья Кабаков и «соц-арт» Комара и Меламида, въехавших в хрестоматии современного искусства верхом на стерилизованном «социалистическом реализме» Налбандяна. Это и вполне понятно: скопировать (чтобы превратить в отрицание) «социалистический реализм», например, Исаака Бродского Кабакову, Комару и Меламиду было и остаётся просто не под силу. Не тот художественный фундамент.

В последние годы жизни ровесник Брежнева Дмитрий Налбандян стал объектом не только концептуалистского превращения и осмеяния — вместе с Брежневым как символом «застоя» и старческой слабости, но и жертвой почти забвения. В одном из последних интервью он признавался, верный себе, что теперь, при Горбачёве, рисует и Горбачёва. Но с телевизора. Официальный заказ на Горбачёва к нему уже не поступил.
В те дни в печати мелькнули и репродукции его частных, не официозных работ — пейзажные и городские пленэры. Художественно они были несомненно лучше его Брежнева, но они никогда не могли бы составить ему славу.

- Дмитрий Налбандян. Созидание во имя мира. XXVI съезд партии. 1981
- Дмитрий Налбандян за работой Дмитрий Налбандян за работой
- Дмитрий Налбандян. Портрет Леонида Ильича Брежнева
- Дмитрий Налбандян. Автопортрет Дмитрий Налбандян. Автопортрет
- Дмитрий Налбандян. К вечеру Дмитрий Налбандян. К вечеру

Картины Левитана и Серова уйдут с молотка в Нью-Йорке

Картины Исаака Левитана и Валентина Серова уйдут с молотка в Нью-Йорке, сообщает ТАСС со ссылкой на представителей аукционного дома Shapiro Auctions.

Торги пройдут 17 сентября. На них представлено около 400 лотов, в том числе картины, скульптуры, иконы, фотографии и нотные записи.

«Большая часть – это работы знаменитых русских художников, от классиков до нонконформистов», – заявила операционный директор Shapiro Auctions Антонина Чуваева.

Работа Олега Целкова «Спортсмен» оценивается в $75–85 тыс., двухсторонний морской пейзаж Исаака Левитана – в $60–80 тыс.

Среди лотов работы скульптора и художника Эрнста Неизвестного. Как отметила Чуваева, самая ценная и известная – картина «Железный гермафродит» из частной коллекции в Нью-Йорке. Оценочная стоимость полотна составляет $30–40 тыс.

Ранее сообщалось, что любовное письмо, написанное художником Исааком Левитаном своей возлюбленной Елене Карзинкиной, будет выставлено 17 сентября на торги аукционного дома «Империя».

Гармония Рафаэля застрахована на 430 миллионов евро

Пушкинский музей открыл сезон камерно, но триумфально

Дарья Курдюкова

Выставка «Рафаэль. Поэзия образа. Произведения из Галерей Уффици и других собраний Италии», состоящая из 8 картин и 3-х рисунков, – первый монографический показ одного из 3-х мэтров Высокого Возрождения в России, хотя по отдельности на Волхонку другие его работы уже привозили. С такими хрестоматийными произведениями, как «Автопортрет» или «Мадонна Грандука», музеи расстаются крайне неохотно, и одно это определяет уникальность проекта, общая страховая стоимость которого, составляет 430 млн евро.

Современному человеку, пожалуй, легче любить Рафаэля, чем его понять. Из трех «гуру» поры ренессансного расцвета историки искусства назначили Леонардо ответственным за психологизм и широту знаний, Микеланджело – за мощь и трагическое мироощущение, а проживший самую короткую из всех троих жизнь Рафаэль остался воплощением гармоничной красоты.
Глядя ретроспективно из современности, когда восхищение Рафаэлем в конце концов прошло этап иссушения до академической живописи, когда уже отшумели модернизм и, в частности, русский авангард, когда, наконец, произнес свое пронзительное слово экзистенциализм, почти невозможно видеть мир цельным, спокойным, идеализированным в стремлении вернуться в золотой век, каким его представляло искусство Рафаэля.
Впрочем, пусть его живопись неоднозначна в том смысле, что она привлекает обобщенной гармонией, которой не хватает, может быть, того, что сейчас бы назвали остротой жизни, все равно возможность смотреть на подлинники со всей их музыкой линий – удовольствие. Как известно, никакая репродукция не в силах запомнить всех живописных нюансов.

Рафаэль обладал двумя полезными качествами – умел синтезировать в свой стиль влияние на него других художников (от учителя Перуджино до Микеланджело и Леонардо) и имел хороший характер, что привлекало к нему влиятельных заказчиков. В конце концов в 1508-м он оказался в Риме, куда переместился из Флоренции художественный центр той поры и где художник прославился росписями Ватиканских станц и «Сикстинской мадонной». За этот поздний период отвечает единственная многофигурная на выставке работа «Экстаз св. Цецилии со святыми Павлом, Иоанном Евангелистом, Августином и Марией Магдалиной». И музыкальность, присущая рафаэлевским образам, выражена здесь почти буквально: мученица Цецилия внимает не земному миру, а звукам ангельского хора. А вся композиция выстроена по принципу равноголовия (изокефалии), характерному для античных рельефов (стоит напомнить, что в 1515-м Рафаэль получает не только должность главного архитектора долгостроя Сан-Пьетро, но и главного хранителя римских древностей).

Ван Гог страдал психозом в последние полтора года жизни, решили в Амстердаме

Эксперты из Амстердама пришли к выводу, что нервный и впечатлительный голландский художник Винсент Ван Гог в последние 18 месяцев своей жизни страдал психозом

http://image.newsru.com/v2/09/2016/0...793195f5ad.jpg BBC отмечает, что исследователи не смогли поставить гению окончательный диагноз. Однако они подтвердили, что история с отрезанным ухом Ван Гога могла произойти на фоне злоупотребления алкоголем или в тот момент, когда психическое состояние художника ухудшилось из-за стресса.

Группа медиков и историков искусства оценивала целый ряд свидетельств о последних годах жизни Ван Гога, в том числе множество писем голландского постимпрессиониста. Среди популярных теорий, которые могут объяснить странности художника, были названы биполярное расстройство, шизофрения и сифилис.

"Невозможно объяснить все, что случилось с Ван Гогом, чем-то одним", - пояснил в комментарии The Telegraph профессор медицины Арко Одервальд.

Напомним, в июле ученые выяснили, кому Ван Гог отдал свое отрезанное в состоянии аффекта ухо. Инцидент связан с приездом в конце октября 1888 года в Арль, где жил Ван Гог, его коллеги по цеху Поля Гогена. Обсуждение художниками идеи создания южной мастерской живописи сопровождалось конфликтами и ссорами. В итоге вечером 23 декабря после очередной ссоры Ван Гог набросился на друга с бритвой. Гогену только по случайности удалось избежать ранения. Обстоятельства этой ссоры до сих пор до конца неизвестны. Однако в ту же ночь Ван Гог отрезал себе мочку уха. По одной из версий, это было сделано в порыве раскаяния из-за конфликта с другом. В то же время некоторые исследователи считают, что к этому привел приступ безумия, вызванного частым употреблением абсента.

На следующий день Ван Гога доставили в психиатрическую лечебницу, где поместили в палату для буйных больных с диагнозом "эпилепсия височных долей". Гоген спешно покинул Арль, не навестив Ван Гога в больнице, но сообщив о произошедшем брату художника Тео. Отрезанный артефакт достался дочери фермера Габриэль Берлатье, которая работала в борделе.

Винсент Ван Гог родился 30 марта 1853 г. в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов. К искусству он обратился в 1880-х - посещал Академию художеств в Брюсселе и Антверпене, общался с живописцем Антоном Мауве в Гааге. Расцвет творчества Ван Гога пришелся на последние годы его жизни, однако напряженная работа и злоупотребление алкоголем привели к появлению у него приступов психической болезни. По словам брата Тео, последними словами художника были: "La tristesse durera toujours" ("Печаль будет длиться вечно"). Современные криминалисты уверены, что художник не застрелился, а был убит.

Сын Александра Ф. Скляра превратил пословицы в картины

Неисповедимы пути артистов, и их потомков – тоже. Некоторые дети известных исполнителей идут по стопам родителей и погружаются в музыку, другие – выбирают профессии, никак не связанные с влиянием муз, третьи ищут свой особый путь. К последней категории относится сын рок-музыканта Александра Ф. Скляра (бессменного лидера группы «Ва-БанкЪ») Петр Скляр. Он занимается особым видом творчества – визуализирует пословицы и поговорки. Первый альбом с результатами таких необычных изысканий вышел совсем недавно. Его название - «Словоgraphica» - может стать метким определением нового направления в искусстве.

Петра в его начинании смело можно назвать новатором: до художника действительно никому (по крайней мере, в России) не приходило в голову систематически осмыслить и визуализировать русские пословицы и поговорки.
«Я знаю, что были какие-то частные случаи, - говорит Петр, - но никто не занимался этим всерьез. Я же сейчас занимаюсь только этим, готовлюсь в перспективе издать следующую книгу, делаю какие-то работы на заказ, у меня много идей». Значение каждой фразы в альбоме поясняется (для тех, кто плохо знаком с традицией и российским вариантом «эзопова языка»). Все они переведены на 5 европейских языков – английский, немецкий, французский, испанский и итальянский, а в дополнение к некоторым приведены и их латинские эквиваленты (иногда различающиеся по точному переводу, но совпадающие по своей идее).
Кроме выражений, которые на слуху («насильно мил не будешь», «жизнь прожить-не поле перейти», «дело мастера боится»), встречаются и диковинные вариации: «на небо крыл нет, а в землю путь близок», «аминем демона не избыть», «поле видит, а лес слышит». Есть и придумки автора: утверждением «всех лайкуш не собрать», например, художник призывает менее серьезно относиться к лайкам в соцсетях, актуализируя тему.
Гротесковые и гиперреалистичные портреты различных персонажей, как будто пришедших из какого-то параллельного измерения, полу-мифические, полу-мистические существа, растения, животные, символы и просто бытовые предметы, которые выглядят здесь как ожившие сущности со своим характером и душой – альбом заставляет фантазию не на шутку разыграться. Каждый рисунок - лаконичен по смыслу и бесконечен в деталях: на одном – из головы человека вырастает дом, на другом – разбитую балалайку обвивает плющ, на третьем – рак, одетый в строгий костюм, приподнимает цилиндр, словно приветствуя кого-то. Некоторые пословицы иллюстрированы жестко, прямолинейно (например, на рисунке, сопровождающем крылатую фразу «волка ноги кормят», изображен волк, который держит в зубах ногу парнокопытного), решения других - удивляют, в них чувствуется свое, особенное авторское видение.

Вступительное слово к альбому написал режиссер, театральный педагог и продюсер Эдуард Бояков, справедливо отметивший, что попытка «увидеть слово» - весьма амбициозна, а «контакт» с читателем и мысли, которые возникают при прочтении и просматривании работы, могут быть самыми разными. Сам Петр Скляр с головой погружен в процесс и со всей ответственностью относится к своему просветительскому творчеству, четко понимая, какой месседж он вкладывает в него.
Художник с радостью поделился своими мыслями по этому поводу:
- Весь русский фольклор необычайно важен и достоин изучения. Но если русские сказания и былины никогда не выпадали из поля зрения художников, то пословицы и поговорки были в значительной степени обделены подобным вниманием. Многие великие российские и советские художники, мастера «сказочной» иллюстрации, такие как И.Я. Билибин, В.М. Васнецов, В.М. Конашевич, на определенном этапе своего творчества обращались к этому сегменту народного фольклора, но это редко превращалось в длительную системную работу. Эту несправедливость и призван исправить данный альбом. Но как можно визуально отобразить меткое народное наблюдение? Отдельно взятый рисунок или сюжет будет служить отображением лишь единичного случая, в то время как пословицы и поговорки проявляют целое общественное или нравственное явление. Наилучшим художественным решением автору представляется сочетание буквенного текста и художественного образа, являющегося в данном случае лишь вспомогательным инструментом. Или, по-другому, СЛОВОGRAPHICA. Несмотря на свое исключительное место в русском языке, в последнее время пословицы и поговорки начали уходить в тень под напором выражений, заимствованных из других языков. В то время, как глубина и смысловая целостность метко сказанной поговорки не имеет себе равных.

В конце альбома Петр Скляр опубликовал благодарность, прежде всего – родителям и близким людям, а закрыв его и увидев заднюю часть обложки, можно невольно улыбнуться: на ней изображена лошадиная морда в подкове с доброй подписью «Всех благ!» Какой резонанс вызовет у публики такая форма искусства и насколько глубоко люди смогут погрузиться в новый и необычный для себя мир – покажет время. Идея ее рождения – обоснована и интересна. Кто знает, может быть, скоро у Петра появятся последователи, а на полках пытливых любителей разных творческих экспериментов рядом с музыкальными альбомами появятся и альбомы с иллюстрациями пословиц и поговорок: говоря, используя их же, - чем черт не шутит.

Наталья Малахова

Похищенная 20 лет назад старинная икона вернулась в Россию из Венеции

Она была украдена в 1995 г. из церкви Николы Надеина в Ярославле (филиал Ярославского государственного музея-заповедника). Более 10 лет икона находилась в розыске. В 2016 г. её обнаружил научный сотрудник Третьяковки Левон Нерсесян в одной из частных коллекций в Венеции, сообщает пресс-служба Московской епархии.

Поскольку владелец иконы считался добросовестным приобретателем, она не подлежала конфискации.

Переговоры с владельцем, выкуп иконы и возвращение ее на родину взял на себя Музей русской иконы, за последние 10 лет безвозмездно передавший в государственные музеи Ростова, Великого Устюга, Устюжны и Мурома 19 некогда похищенных произведений религиозного искусства XVI-XVIII веков.

Барабанщика «Кино» назвали самым дорогим художником

За последние 10 лет в России ничьи картины не были оценены так высоко

Георгий «Густав» Гурьянов с 1984 по 1990 г. был барабанщиком, аранжировщиком, бэк-вокалистом и автором некоторых басовых партий легендарной группы Виктора Цоя. Также он играл в уникальном проекте Сергея Курехина «Поп-Механика». С 1990 по 2013 г. артист работал художником, с 1993 был почетным профессором Новой Академии изящных искусств в Петербурге.

Гурьянов был назван самым дорогим российским художником последнего десятилетия по данным первого аналитического обзора рынка российского современного искусства InArt 2016. Его итоги были подведены 19 сентября.
«Мы проанализировали тысячу современных российских художников, чья карьера достигла пика после 1990-х годов и чьи работы участвовали в аукционных торгах за последние 10 лет, - рассказала директор Sotheby's Россия Ирина Степанова, - самым дорогим художником стал Георгий Гурьянов, в частности — его «Автопортрет» был продан на летних русских торгах в Лондоне за 183 тысячи 612 фунтов».
Также известно, что карандашный портрет Виктора Цоя ушел в свое время с молотка более чем за 200 тысяч долларов.

Печально, что активно продаваться работы Георгия стали после его смерти, а не когда артисту были необходимы деньги для дорогостоящего лечения. В 2013 г. его друг музыкант Алексей Вишня объявил о сборе средств в помощь Гурьянову, но, увы, барабанщика спасти не удалось, и популярность как к художнику пришла к нему, по сути, только тогда.

Георгий был профессиональном своего дела и в музыке, и в живописи. Он окончил Ленинградское художественное училище имени В.А. Серова, был одним из основателей «Клуба друзей Маяковского», очень много путешествовал. Он был в Амстердаме, Риме, Париже, Будапеште, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Копенгагене, Кадакесе (любимом городе Сальвадора Дали), долго жил в Лондоне, Берлине, Испании. В последние годы жизни обитал и работал в Санкт-Петербурге. Помимо работы в «Кино», он также играл на бас-гитаре в группе Сергея «Сэма» Семенова («Дядя Сэм»), помогал в записи ударных команде «Народное ополчение» на альбоме «Новогодие», был барабанщиком в «Играх», а также в панк-группе «Автоматические удовлетворители».
Псевдоним «Густав» появился у него еще в 1980-е. Гурьянов был одним из самых ярких представителей рок-н-ролльного и вообще творческого авангардного мира, всегда открытым интересным проектам и экспериментам.

Наталья Малахова